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Teatro Córdoba - IMAE

Todas las mujeres, una comedia que reivindica la igualdad de género, llega mañana sábado al Gran Teatro

Fele Martínez encabeza un reparto que completa un conocido elenco femenino

El Gran Teatro recibe mañana sábado la comedia Todas las mujeres, una reivindicación de la igualdad de género que narra la historia de un donjuán a través de las distintas féminas, cada una en su ámbito, que han pasado dejado huella en su vida. Con un texto original de Mariano Barroso y Alejandro Hernández, adaptado a la escena por Daniel Veronese, responsable también de la dirección, el montaje está protagonizado por Fele Martínez, en el papel de Nacho, un veterinario mujeriego, y cinco personajes interpretados por un solvente y reconocido elenco femenino: Nuria González (que da vida a la ex del seductor), Lola Casamayor (la madre), Cristina Plazas (la psicóloga), Lucía Barrado (la nueva conquista) y Mónica Regueiro (la cuñada). Con todas ellas Nacho tiene cuentas pendientes y a todas ellas se tiene que enfrentar para resolverlas.

Todas las mujeres comenzó siendo una serie de televisión, la primera producida por un canal de pago español para consumo de sus abonados. La serie narraba la historia de un hombre que es explicado a través de las seis mujeres de su vida, una por capítulo. Estaba dirigida por Mariano Barroso, que firmaba el guión junto a Alejandro Hernández Díaz. Tres años después se editó en formato de largometraje para distribuirla en salas de cine. Se estrenó en el Festival de Cine de Málaga en 2013. En 2014, obtuvo el Premio Goya a Mejor guión adaptado, una de las cuatro candidaturas a las que optaba, y también obtuvo tres nominaciones a los Premios Feroz.

La obra es toda una reivindicación sobre la igualdad de genero. Los personajes femeninos son fuertes e inteligentes, pero el protagonista usa a estas mujeres que lo van acompañando en su vida como algo accesorio, sin pararse a pensar en su valía y sus sentimientos. Nacho es un hombre indeciso, que adopta diversas personalidades con cada una de las las mujeres de su vida. Se ve así inmerso en una maraña de relaciones inacabadas que no le dejan progresar. Es un ser caprichoso que cree controlar su existencia, el clásico embaucador que cae bien al conocerlo y que después, cuando aparece su verdadera personalidad, te deja tirado.

Al lado de la parte cómica, la función también tiene su lado dramático, el de un ser que en vez de afrontar sus problemas prefiere escapar de ellos y se va complicando más la vida a medida que avanza la función. Su patética aventura, dispuesta escénicamente en cinco enfrentamientos con otras tantas mujeres, dejarán retratado a este varón inmaduro como lo que es en realidad: una victima de sí mismo.

Daniel Veronese, uno de los directores argentinos con mayor personalidad de la escena en castellano y con fama de ser un buen conductor de actores, construye, según la crítica, “un espectáculo agridulce, como el texto, directo y crudo, y disfraza de comedia la tragedia con mano maestra”.

En cuanto a la adaptación para la escena, Mariano Barroso destaca que “quien haya visto la película no va a echar de menos nada. El teatro es otro medio, y no se puede hablar de diferencias ya que con la adaptación del guión hemos tenido suficiente. La única diferencia, pero no relevante, es que hay un personaje menos, la mujer de Nacho, que en la película es el personaje menos desarrollado y está simplemente para que se vea esa separación de la pareja”.

La Permanente del Consejo de Accesibilidad visita el Gran Teatro para conocer sus mejoras inclusivas

La Comisión Permanente del Consejo Local de Atención a la Discapacidad y Patologías Minoritarias ha realizado una visita al Gran Teatro, promovida por el Instituto Municipal de Artes Escenicas (IMAE), con el objetivo de conocer pormenorizadamente el resultado de las recientes obras y acciones de mejora de la accesibilidad desarrolladas en este edificio.

El IMAE ha querido hacer partícipes de estas acciones a aquellos colectivos que, de una manera u otra, se encuentran implicados en el objetivo de la inclusión en nuestra ciudad. El Presidente del IMAE y Concejal de Cultura, David Luque, acompañado del responsable de barreras de la Gerencia de Urbanismo , Juan Aljama, ha recibido a esta representación del Consejo, explicando no solo las novedades que ha traído la reforma, sino tambien otras actuaciones adicionales que mejoran directamente la accesibilidad del buque insignia de la cultura cordobesa y que se han puesto en práctica, como señalizaciones en braille o bucles magneticos para audífonos. A la visita han asistido representantes de Fepamic, Aprosub, Acpacys, Cota Cero, Autismo-Córdoba, Asociación de personas sordas y Down-Córdoba, que han podido conocer las novedades que hacen del Gran Teatro una instalación cultural ejemplar en materia de accesibilidad e inclusión.

Este es el primero de una serie de encuentros que el IMAE va a desarrollar en los próximos meses, en los que todos los colectivos que forman parte del Consejo podrán conocer pormenorizadamente, las actuaciones realizadas, y otras que están previstas a medio plazo, posibilitándose además el intercambio de propuestas para continuar en ese camino de total adecuación del edificio a los distintas necesidades que las diferentes singularidades requieran.

La Comisión Permanente del Consejo Local de Atención a la Discapacidad y Patologías Minoritarias, constituido el pasado 19 de marzo, representa a las 41 entidades presentes en el Consejo, siendo un órgano consultivo de participación ciudadana cuya función es elaborar dictámenes y propuestas sobre los distintos programas, actuaciones, necesidades y normativas que afecten a la discapacidad, así como impulsar fórmulas que fomenten la sensibilización respecto a la misma.

Gran Teatro: Arcángel canta en Abecedario Flamenco los grandes clásicos del género

Arcángel vuelve al escenario del Gran Teatro de Córdoba para presentar Abecedario flamenco, su nuevo espectáculo, un trabajo en el que rinde homenaje a los grandes éxitos del flamenco y a sus intérpretes. Su actuación, mañana viernes 16 de noviembre, coincide con la conmemoración del Día del Flamenco, en reconocimiento de su inclusión en la lista del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

En la presentación de este proyecto se recuerda cómo ante la necesidad de encontrar nuevas fronteras artísticas y nuevas vías de desarrollo para el arte flamenco, se ha convertido en una práctica bastante habitual la incursión de éste en otros géneros musicales, en busca de un diálogo que le proporcione un reconocimiento más universal. En este caso, el cantaor onubense ha optado por buscar nuevos matices en su propuesta artística, cantando y rindiendo homenaje a los iconos de la música flamenca desde sus orígenes hasta la actualidad a través de los grandes clásicos que ha dado el género. Como elemento singular, el espectáculo cuenta con la colaboración del público para que escoja y elabore el repertorio final que conformará el concierto, votando y emitiendo su opinión sobre un amplio cancionero ofrecido por el artista a través de sus redes sociales. Las canciones más votadas serán las interpretadas por Arcángel, que estará acompañado en el escenario por las guitarras de Dani de Morón y Miguel Ángel Cortés, el contrabajo de José Manuel Posada, la percusión de Agustín Diassera y las palmas y coros de Los Mellis (Manuel y Antonio Lucas Saavedra) y coros de Macarena de la Torre.

Arcángel (Huelva, 1977) lleva siendo un nombre de referencia en el flamenco prácticamente desde que empezó como cantaor profesional alrededor de los 15 años de edad. En su modo de entender el flamenco conviven de forma natural un profundo respeto y conocimiento de la raíz de lo jondo con un interés incesante por encontrar nuevos caminos para impulsar su crecimiento. En esa delicada línea que separa la tradición y la vanguardia es donde reside la concepción del arte del cantaor onubense.

La voz de Arcángel despliega un gran dominio de la técnica, el compás y la afinación. Posee además una asombrosa capacidad para expresar las letras de un tirón, sin apenas tomar aire, lo que da a sus interpretaciones un sello único y personalísimo. Su cante muestra un profundo conocimiento de los grandes estilos, alcanzando una gran variedad de expresiones. Clasicismo y exploración de nuevas posibilidades creativas se unen en su forma de cantar, plena de musicalidad, sensibilidad, originalidad y respeto por las tradición.

El artista , compositor y dinamizador del género, además de cantaor, ha recibido en numerosas ocasiones premios de crítica y público de la Bienal de Flamenco de Sevilla. Su recorrido internacional incluye teatros y certámenes tan prestigiosos como el Carnegie Hall (Nueva York), Teatro Real y Auditorio Nacional de Música (Madrid), Fundación Gulbekian (Lisboa) o los referenciales festivales franceses de Aix-enProvence, Mont de Marsan y Les Sud en Arles. Su discografía comprende media docena de registros, desde su álbum de debut Arcángel (2001) en el que trabajó junto al prestigioso guitarrista y productor Juan Carlos Romero hasta su último disco, Al este del Cante (2018), con el coro de las Nuevas Voces Búlgaras.

La lista de sus colaboraciones en proyectos corales sirve como ejemplo que demuestra su versatilidad: Israel Galván, Cristina Hoyos, Eva Yerbabuena, Vicente Amigo o Estrella Morente en el baile, el toque y el cante flamenco; el compositor de prestigio mundial Mauricio Sotelo en la música contemporánea; Fahmi Alqhai en la viola de gamba y la música barroca, o las Nuevas Voces Búlgaras en la música folclórica son algunas muestras de la amplitud de intereses del cantaor.

El cantaor David Pino presenta en la Sala Polifemo su primer disco, Mi largo caminar, un trabajo lleno de autenticidad y buen gusto

El cantaor David Pino (Puente Genil, 1972) presenta mañana sábado en la Sala Polifemo del Teatro Góngora su primer disco, Mi largo caminar, un trabajo que sale a la luz cuando su autor, que lo ha preparado a fuego lento y sin concesiones a la galería, va a cumplir 45 años. El artista pontanés ha reunido en este álbum un abanico de estilos flamencos que responden a la trayectoria recorrida desde su infancia y que muestran la honestidad, la autenticidad y el buen gusto con el que David Pino entiende el cante. La actuación se inicia con una malagueña, para continuar con soleá, liviana, petenera, caracoles, vidala y tangos.

El debut discográfico del cantaor se produce cuando cumple sus 30 años de profesional en el flamenco. “Un recorrido -explica que he emprendido desde la entrega y el respeto a un arte al que he consagrado mi vida durante este tiempo”. Asegura mantener intacta la ilusión que lo ha acompañado durante todos estos años, y que ahora se refuerza con la elaboración de este trabajo “que viene a sellar -destaca- toda una etapa apasionante y, plena de dedicación y entusiasmo, al mismo tiempo que, así lo deseo, será un nuevo punto de partida para ir caminando por nuevos senderos”.

En su actuación en la Sala Polifemo David Pino estará acompañado por cuatro grandes guitarristas que han participado en la grabación: Manolo Franco, Gabriel Expósito, José Tomás y Alejandro Hurtado. Además, lo arroparán en el escenario el baile de Rafael del Pino “Keko”, el violín de Eles Bellido y las palmas de Sergio Gómez e Israel Llanos.

Como artista invitada, el espectáculo cuenta con la participación de la cantaora Sara Denez.

El cantaor pontanés tiene tras de sí una larga e intensa carrera que emprendió de la mano de su padre, Antonio, gran aficionado, y de su paisano, el gran maestro Fosforito. A la edad de 15 años obtiene su primer premio de cante, al que han seguido muchos más y entre los que destacan el premio por Soleá en el Festival Internacional de Cante de las Minas de La Unión (Murcia) en el año 2003 y el Premio “Pepe Marchena” en el XVII Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en 2007. Fuera de nuestras fronteras ha actuado en países de Europa, Latinoamérica y Asia y ha trabajado con figuras de la talla del maestro Manolo Sanlúcar y el bailarín Javier Latorre. La enseñanza ocupa un destacado lugar en su biografía: en 2017 ha accedido a la Cátedra de Cante Flamenco del Conservatorio Superior de Música de Córdoba, centro donde ha desempeñado labores docentes desde el año 2002.

Gala contra Gala, una obra que refleja el influjo Antonio Gala en su entorno

El Teatro Góngora estrena es espectáculo el próximo 17 de noviembre a las 20.30 horas

El 17 de noviembre el Teatro Góngora estrena “Gala contra Gala, una obra teatral que va más allá de contar la vida de Antonio Gala. “A la hora de escribir hemos querido reflejar el influjo que la vida, la obra y la palabra del escritor ha generado sobre su entorno” ha afirmado José Luis Esteban, autor y uno de los intérpretes del espectáculo. En la presentación del espectáculo, Esteban ha estado acompañado por David Luque, presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) y Javier Macipe, director. 

“Gala contra Gala” será un estreno que, según sus creadores, “esperamos que tenga más proyección fuera de las fronteras de Córdoba”. Así, Luque ha mostrado su satisfacción y entusiasmo porque es una obra inédita y un estreno mundial. Además, ha apuntado que “es una manera de hacer metateatro, es decir, una obra basad en los textos del literato, pero sin que sean sus textos directamente”. En esta línea, Luque ha aclarado que la obra tendrá frases míticas del propio Gala, pero, “no está escrita por él”. 

 Es cierto que no es una obra escrita por el célebre poeta, pero sí está muy vinculada a él, porque el equipo que la ha escrito y la va a representar pertenecen a la Fundación Jóvenes Creadores de Antonio Gala. Así, Macipe, que fue alumno de la Fundación, ha afirmado que esta función que él dirige “es un regalo con el que le quiero agradecer a Gala que me diese la oportunidad de disfrutar la beca”. Una ayuda que hizo que Macipe pudiese llegar a donde está porque, según sus palabras, “en la Fundación nos hizo apostar por lo que creemos y eso es lo que nos ha inspirado”.  

Esta fuente de inspiración constante es lo que los autores han querido representar en la función que va más allá de un simple homenaje al poeta. “Gala contra Gala”, muestra a una joven dramturga en pleno bloqueo personal y creativo que recibe el encargo de escribir una obra de teatro sobre la figura de Antonio Gala. “El primer problema con el que se encuentra la joven es cómo quitarse del influjo que el poeta ha ejercido sobre ella”, ha indicado Esteban. 

El espectáculo está dentro de la semana cultural de Antonio Gala que se celebra en la ciudad del 12 al 16 de noviembre, con el objeto de difundir la obra y la figura del escritor cordobés.  Así, desde el IMAE, Luque ha querido manifestar que “estamos muy contentos de participar, porque ha habido un acuerdo por unanimidad institucional absoluta y todos hemos coincidido en que esta “Gala contra Gala” tenía que llevarse a cabo y estrenarse en el Teatro Góngora”. 

Tebas Land, una inquietante tragedia sobre el parricidio y su representación escénica, llega mañana al Teatro Góngora

Natalia Menéndez dirige este exitoso montaje, candidato a cinco Premios Max

El Teatro Góngora acoge mañana viernes Tebas Land, una inquietante tragedia que tiene al parricidio como tema central, pero desde el punto de vista de su representación en un escenario. La pregunta es: ¿cómo es posible llevar a las tablas este terrible crimen?  Natalia Menéndez dirige la obra del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, estrenada en numerosos países y elogiada en todos los teatros donde se ha montado, desde Montevideo a Berlín, o de Londres a Tokyo. El texto se inspira en el legendario mito de Edipo, rey de Tebas; en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín, y en un expediente jurídico creado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos, interpretado por el actor Víctor Sevilla. La   obra narra los encuentros que éste mantiene en prisión con un dramaturgo, encarnado por Pablo Gómez-Pando, más interesado en cómo poder representarlo que en el crimen en sí.

A partir de los distintos encuentros que mantienen en la cancha de baloncesto de la cárcel, Tebas Land irá poco a poco centrándose no tanto en la reconstrucción del parricidio como en la representación escénica entre ambos personajes. De ese modo, la pregunta inicial que abre la pieza,  “¿cómo es posible  matar a alguien?”, será reemplazada por la pregunta final “¿cómo es posible representar a alguien?”. El texto se aleja así de la dimensión ética del asesinato del padre para centrarse en las posibilidades estéticas de su representación y ofrecer finalmente una emocionante tesis sobre el acontecer teatral.

Escrita en 2012, declarada Obra de Interés Cultural en Uruguay, premiada como mejor producción en los prestigiosos Off West End London Awards, candidata a cinco Premios Max en su edición de este año -entre ellos los que reconocen al mejor espectáculo, obra y dirección-, Tebas Land revisita una serie de textos clásicos que abordan el tema del parricidio -Edipo Rey de Sófocles, Los hermanos Karamazov de Dostoyevski, Un parricida de Maupassant y Dostoyevski y el parricidio de Sigmund Freud-, no con el propósito de rendirles un hueco homenaje literario , sino con el de plantear un verdadero desafío sobre la creación teatral.

Para Natalia Menéndez, que retoma con esta pieza la dirección escénica tras ocho ediciones al frente del Festival de Teatro Clásico de Almagro, Tebas Land “es la tragedia más inquietante que he leído en este inicio de siglo XXI”. En su opinión, la obra “aporta el debate ético y estético de la representación. ¿Cómo se representa un crimen, cómo se representa a un parricida, cómo innovar entre la imitación, la copia, lo falso y la verdad?”.

Divertida, inteligente y ágil, Tebas Land es una obra de efectos y sorpresas, con una trama sorprendente que lleva permanentemente al espectador a la especulación, al límite entre la verdad y la mentira. Considerada uno de los mayores éxitos teatrales en español de los últimos años, se trata de  “una obra para que estallen los actores”, según la crítica, que alaba el trabajo de los intérpretes, el texto en sí -”está escrita con una pericia técnica y un sentido del ritmo envidiable”- y el resultado general del montaje -”una función ineludible, sorprendente e intensa en los distintos planos en los que se desarrolla”.

La Sala Polifemo acoge Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa, un solo de danza contemporánea en torno al enigmático personaje

El ciclo Off Topic continúa su andadura con una nueva cita en la Sala Polifemo, que este jueves acoge Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa. Se trata de un solo de danza contemporánea a cargo de Luz Arcas acompañado de música original e interpretada en directo -piano y percusión-. Es una producción de la compañía La Phármaco que gira en torno al enigmático personaje citado en el título de la función, un muchacho semisalvaje que el 26 de mayo de 1828 apareció en una plaza de Nuremberg portando una extraña carta anónima que ofrecía datos contradictorios sobre su procedencia y dejaba su suerte en manos de quien lo encontrara.

El extraño joven contó, cuando después de unas semanas aprendió a hablar, que durante toda su vida había estado incomunicado en un calabozo. Los médicos decretaron que no era un loco y sólo sufría el retraso derivado del aislamiento. Su proceso de aprendizaje tuvo como tutor a Anselm von Feuerbach, que dejó testimonio de su peculiar inteligencia y sensibilidad y avanzó la hipótesis de que se tratara del primogénito de un linaje de la familia Baden. Según el padre del conocido filósofo alemán, el encierro había sido la única alternativa a su muerte en una oscura lucha por la soberanía en el clan. Nunca se pudo demostrar su verdadera procedencia. Murió asesinado en extrañas circunstancias en 1833.

La historia de Kaspar Hauser ha sido llevada al cine, a los libros… y ahora al ámbito de la danza merced a la propuesta que realiza La Phármaco, compañía creada por Luz Arcas y Abraham Gragera en 2009 con el objeto, explican, “de ahondar en el concepto de ceremonia estética como un mecanismo necesario, social y humanista, con el deber de conmover al espectador, de transformarlo”. Ambos firman la dramaturgia y dirección escénica del montaje.

Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa se divide en cinco cuadros cuyos títulos recrean experiencias reales de la biografía del personaje. En palabras de la compañía, el espectáculo pretende mostrar al espectador “cómo se baila el primer encuentro con el mundo después de 17 años de sombra y de silencio: mirarlo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo. Bailar la naturaleza poética y salvaje de lo humano. La experiencia de la identidad como un abismo oscuro que se precipita sin esperanza hacia la muerte: la crisis del tiempo”.

Kaspar sufría crisis de identidad ante experiencias nuevas, como la contemplación de la primera noche estrellada, añoraba su tranquilo encierro, sufría al plantearse preguntas sobre su pasado, presente y futuro, y, en definitiva, le parecía mucho más terrible aquella nueva vida trastornada por el impacto continuo y feroz de la realidad. Padeció el capricho, la violencia y el abandono del mundo civilizado y su historia, tal como la describiría su tutor, es la de “un delito contra el alma del hombre”. Pero, en opinión de La Phármaco, “quizás lo que nos trastorna tan profundamente del personaje es que encarna la esencia de la tragedia de todos los tiempos: laincapacidad del ser humano para comprender su propia experiencia”.

Los sueños del Bosco, “uno de los espectáculos del año”

Una representación del Circo del Sol presentará en Gran Teatro los últimos 30 segundos de vida del pintor del paraíso

El Circo del Sol, o “lo más parecido a él que se puede ver en un teatro”, llega mañana al Gran Teatro. Así ha presentado David Luque, presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), el espectáculo de Los Sueños del Bosco. “La compañía Les 7 doights trae un espectáculo de circo contemporáneo a través de las pinturas del Bosco”, ha afirmado el segundo teniente alcalde.

En esta línea, Luque ha apuntado que “este es uno de los espectáculos del año”. Así, el edil ha añadido que “nadie debería perdérselo, porque es una de las funciones más singulares que tenemos esta temporada”. Estas afirmaciones han sido avaladas por los dos representantes del elenco que han acompañado a Luque en la presentación de la obra: Vladimir Amigo y Leah Wolff, ambos acróbatas de la compañía “Los 7 dedos”.

Amigo ha revelado que Los Sueños del Bosco “es un espectáculo circense que mezcla el teatro con lo audiovisual, de una manera profunda y arriesgada”. De esta manera, en escena los espectadores verán pinturas del pintor del paraíso acompañadas de textos y mappings, y representadas por las acrobacias de los profesionales. En definitiva, ha añadido Amigo, “esta obra es tratar de entender los últimos 30 segundos de vida del pintor flamenco en los sueños”.

Este viaje a través de los sueños de uno de los pintores medievos más conocidos es un “espectáculo surrealista que sigue la línea común de los cuadros del pintor”, ha argumentado la acróbata Wolff.

Toda la obra de circo estará dirigida por Samuel Tétreault, internacionalmente conocido por sus participaciones en producciones del Circo del Sol y del Cirque Éloize. El director estará acompañado por siete acróbatas, tres técnicos de sonido y tres técnicos en bakstage. Los encargados de representar los cuadros trabajarán en las modalidades de malabares, acrobacias aéreas, trapecio y palo chino, para ofrecer al espectador el auténtico sentimiento del Circo del Sol en Córdoba.

El ciclo “Vamos al teatro” cuenta con una programación media de tres espectáculos por trimestre

En esta edición, Unicaja Banco es el patrocinador de “Butaca familiar”

El presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), David Luque, ha presentado esta mañana la programación de los ciclos “Butaca familiar” y “Vamos al Teatro”, junto a Andrés Pino, concejal de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba. Según ha manifestado el también delegado de Cultura, “en nuestro ámbito apostamos por estos programas porque son los cimientos de futuras personas cultas y consumidoras de cultura, que darán como resultado mejores sociedades”. Así, el IMAE ha vuelto a apostar por la programación infantil una temporada más. En esta ocasión, el conjunto de espectáculos está dividido en dos grupos. Por una parte, “Vamos al teatro”, donde los centros educativos vienen a ver la obra”, ha aclarado Luque; y, por otra, “Butaca familiar”, con el que “buscamos que los niños traigan de la mano a sus familias para ver las artes escénicas”, ha argumentado el edil.

Ambos ciclos, según la programación 2018-2019 del IMAE, tiene una programación idéntica, con la única diferencia de horario. En este sentido, los espectáculos de “Butaca familiar” tienen un horario de domingo por la tarde; mientras que, “Vamos al teatro” está programado para los lunes y martes por la mañana. “En definitiva hay cinco pases por obra”, ha aclarado el delegado de cultura. 

En este sentido, los ediles han confirmado que este año hay tres espectáculos por trimestre, con una media de uno al mes. La programación infantil ha comenzado esta semana con la representación de guiñoles de “El sastrecillo valiente”; en noviembre está ya a la venta “Moby Dick” y concluirá el año con “La gallina de los huevos de oro”, también a la venta en la web del IMAE. Para enero, aunque aún no están a la venta las localidades, están incluidos en programa los espectáculos de “Alicia en el País de las Maravillas” y “Kiti Kraft”. “Clown sin tierra” será la obra que cierre el segundo trimestre escolar. Para el último trimestre están en cartelera, “La Principita”, “Acábate la sopa” y “Frankenstein. No soy un monstruo”, repartidas entre los meses de marzo, abril y mayo. 

Según ha manifestado Pino, en todos los pases “esperamos un lleno absoluto porque hay más demanda que oferta”. De esta manera, el IMAE ha barajado la cantidad de unas 1900 o 2000 personas por espectáculo de “Vamos al teatro”, entre el total están registrados los alumnos, los profesores y algunos acompañantes. 

Dentro de la programación infantil, “por segundo año consecutivo, hemos unificado también los ciclos de música con los conciertos familiares y didácticos de la Orquesta de Córdoba”, ha confirmado el edil de educación. El primero de estos conciertos, “Ha nacido una orquesta”, está programado para enero; el segundo, “El carnaval de los animales (1886)”, para marzo; y el tercero, “Las aventuras de mi amigo Till” para mayo. “estos espectáculos se completarán con los conciertos por barrios, como cada año”, ha concluido Pino. 

En esta ocasión, los delegados han agradecido la colaboración de Unicaja Banco porque “a partir de ahora va ser cómplice extraordinario de que en las próximas décadas aumente el consumo de cultura en Córdoba”, ha confirmado Pino. Con esta valoración ha coincidido Luque, quien ha manifestado que “gracias a estas actuaciones, este tipo de programas van calando y nos damos cuenta de que esta inercia es positiva para los niños y para la sociedad en general”.

Folleto con la programación completa

Alejandro Hurtado presenta mañana martes en la Sala Polifemo su concierto de guitarra flamenca con aromas clásicos

Un joven intérprete, Alejandro Hurtado, sube mañana martes al escenario de la Sala Polifemo del Teatro Góngora (20:30 horas) para ofrecer un concierto en el que su guitarra mostrará cómo la música clásica y la flamenca son dos estilos que, a pesar de sus diferencias, se han influenciado el uno al otro a través de la historia. En el programa que presentará ante el público, el artista alicantino quiere poner de manifiesto esta influencia a través de una selección de piezas representativas de ambos repertorios, obras que domina gracias a su sólida formación como guitarrista clásico y a su trayectoria como guitarrista flamenco.

En el texto de presentación del recital, promovido por la Asociación de Amigos de la Guitarra Clásica “Miguel Barberá”, se hace notar que la presencia de lo flamenco en la música clásica para guitarra la encontramos “desde las piezas donde lo flamenco es una simple evocación de ambientes o ritmos , hasta aquellas en las que el paralelismo es total con los correspondientes estilos flamencos”. En el programa que ejecutará Alejandro Hurtado se escucharán piezas de guitarra clásica con enorme similitud con los estilos flamencos en los que se inspiran, como el Zapateado de Joaquín Rodrigo o la Guajira de Emilio Pujol. También habrá otras, como la Rondeña de Regino Sainz de la Maza o la Gran Jota de Francisco Tárrega, en las que lo flamenco sirve solo de inspiración, sin encontrar referencias claras. Por último, el programa incluye composiciones netamente flamencas del propio guitarrista: Taranta, Soleá, Petenera, Seguiriya y Bulerías.

Tras largos años de preparación, y un buen numero de éxitos previos, la carrera artística del joven guitarrista toma una nueva dimensión a partir de 2017, año en el que, apenas unos meses después de terminar sus estudios superiores de Guitarra Flamenca en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera, obtiene uno de los principales galardones que existen en el mundo de la guitarra flamenca: el Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas, tras varias ediciones en las que había quedado desierto. Ese mismo año, una de las figuras más relevantes del cante actual, Mayte Martín, se fija en él y lo incorpora como guitarrista oficial en todos sus espectáculos.

Estos reconocimientos no son casuales, sino fruto de un talento excepcional y un trabajo metódico y riguroso durante mucho tiempo. Desde que se inició en el mundo de la guitarra con apenas 9 años, Alejandro no ha dejado de sorprender por la rapidez de su evolución, tanto técnica como musical. Sin duda su formación clásica -iniciada en el Conservatorio Profesional de su ciudad natal, San Vicente del Raspeig (Alicante)- ha marcado su toque con una limpieza de ejecución inusual entre los guitarristas flamencos. Su formación en este último ámbito musical comenzó también en su pueblo, de la mano de varios maestros, entre ellos, el legendario guitarrista Arturo Cerreduela “El Nani”, con quien aprende los secretos de la guitarra de Caño Roto-. Su interés por lo jondo se fue acrecentando año tras año, de tal modo que la guitarra flamenca se fue convirtiendo en su principal objeto de estudio y el eje de su carrera profesional.

El maestro Antonio Fernández Díaz “Fosforito” ha dicho del joven intérprete que después de haber conocido a lo largo de su trayectoria “a los mejores guitarristas de mi tiempo, empezando por Niño Ricardo y pasando por el genial Paco de Lucía, doy fe de la enorme capacidad guitarrística de Alejandro Hurtado, y no me cabe duda de que está llamado a ocupar un lugar de privilegio en el mundo de la guitarra flamenca”.