Wim Mertens llega mañana viernes al Gran Teatro de Córdoba para celebrar 40 años sobre los escenarios con su gira Inescapable (Ineludible), su último trabajo: un recopilatorio de cuatro cedés en una edición limitada que abarca sus cuatro décadas en la música, además de grabaciones inéditas y algunas piezas míticas registradas en vivo.
El reconocido pianista y compositor belga se presenta de nuevo ante el público cordobés siete años después de actuar en este mismo escenario. Lo hace ahora en formación de dúo, junto a la violinista Liesbeth Baelus, en un concierto especial con motivo de esos 40 años de carrera transcurridos desde 1980 hasta 2020. Mertens ofrecerá a sus seguidores una selección de sus más conocidas composiciones y también incluirá algún tema de su próximo álbum, The Gaze of the West.
Nacido en 1953, el compositor y pianista belga toca también la guitarra clásica. Y a veces canta, en una característica tonalidad aguda, utilizando un lenguaje personal e imaginario. En los últimos cuarenta años ha desarrollado su particular lenguaje musical en un vocabulario normativo, escribiendo para diferentes conjuntos de instrumentos, composiciones vocales, para piano solo o hasta piezas para orquestas de cámara o sinfónicas, a menudo con orquestaciones inusuales, originales y sorprendentes. También, en su prolífica carrera, ha compuesto música para teatro y cine. Uno de los ejemplos más conocidos de su faceta como compositor es la famosa banda sonora de El Vientre del arquitecto, la película de Peter Greenaway.
Mertens empezó a componer música en 1980, después de trabajar con anterioridad como musicólogo y productor de radio. For amusement only fue su primer trabajo, y es una grabación de música electrónica que ha sido usada exclusivamente como sonido para las máquinas de pinball. En 1981 grabó su primer disco Home-Not at Home y hoy en día cuenta con más de 70 cedés que ha presentado en directo en cientos de ciudades de Europa, Norteamérica, Centroamérica, Japón, Tailandia y Rusia. Su biografía artística incluye conciertos para piano y voz, dúos, tríos y quintetos de cuerda. También ofrece conciertos junto a orquestas sinfónicas.
Para muchos, el músico belga es el rey de la música minimalista, un área que comenzó a transitar estudiando a los grandes autores norteamericanos de este ámbito. Una referencia ineludible, en suma, en el ámbito de las denominadas Nuevas Músicas.
La Compañía de Teatro Clásico de Córdoba Teatro Par pone en escena mañana jueves Don Juan Tenorio, la conocida obra de José Zorrilla. El Gran Teatro cumple así con la tradición nacional de acoger por estas fechas cercanas a la festividad de Todos los Santos la representación del drama escrito por del autor vallisoletano, uno de los textos más representados del teatro español. El espectáculo está incluido en el programa Creado en Córdoba, una iniciativa del Instituto Municipal de las Artes Escénicas destinada a apoyar, en tiempos de pandemia, las creaciones locales ampliando la contratación de compañías y artistas cordobeses.
Como en tantos otros escenarios del país, también en Córdoba el público volverá a estremecerse con la historia de Don Juan, el seductor más conocido de la literatura española y un canalla cuyas fechorías no respetan a nada ni a nadie. Su carácter ególatra lo arrastra a llevar una vida disoluta, llena de agravios y de transgresiones de todas las normas éticas y religiosas.
Clásico entre los clásicos, de Don Juan Tenorio se han hecho decenas de versiones. La que presenta Teatro Par se estrenó el 1 de noviembre de 2005 en la Diputación de Córdoba y ha pasado desde entonces por varios teatros y escenarios de la comunidad andaluza.
Bajo la dirección de Antonio Barrios, el montaje cuenta con un amplio reparto bien conocido por el público cordobés: Álvaro Barrios (Don Juan Tenorio), Enrique Garcés (Don Luis Mejía, rival del seductor), Antonio Dios (Don Gonzalo de Ulloa, el Comendador), Bernardo Ríos (Don Diego Tenorio) y Elena Moreno (Doña Inés de Ulloa), entre otros actores y actrices.
La función, que estaba prevista a las 20:30 horas, se adelantará a las 20:00 horas para que pueda cumplirse el toque de queda decretado para frenar la expansión de la pandemia del Covid-19.
El Teatro Góngora acoge mañana martes (20:30 horas) un recital de guitarra clásica a cargo de Paola Requena. La joven intérprete ofrecerá un programa que presenta un claro acento español, con obras de Francisco Tárrega, Enrique Granados, Isaac Albéniz, Joaquín Turina y ella misma, además de piezas del argentino Astor Piazzolla y el paraguayo Agustín Barrios Mangoré. El concierto está promovido por la Asociación de Amigos de la Guitarra Clásica “Miguel Barberá” en colaboración con el Instituto Municipal de las Artes Escénicas Gran Teatro de Córdoba.
Nacida en Cartagena (Murcia) en 1982, Paola Requena realiza su formación como guitarrista en la Ecole Nòrmale de Musique “Alfred Cortot” de París con el profesor Alberto Ponce, donde obtuvo el año 2003 el diploma superior de Ejecución por unanimidad, y en el Conservatorio Superior “Oscar Esplá” de Alicante con Ignacio Rodes, centro en el que se tituló como profesora superior de guitarra y alcanzó el premio extraordinario fin de carrera.
La guitarrista murciana ha obtenido premios en una decena de concursos nacionales e internacionales entre los que destacan el “Francisco Tárrega” de Benicassim, el certamen internacional “Andrés Segovia”, en La Herradura (Granada) o el Concurso “José Tomás” de Almería. Paola también tiene una activa presencia en ciclos y temporadas regulares en el extranjero, entre las que destacan en los últimos años sus actuaciones en el Conservatorio Ruso “Sergei Rachmaninov” de París, el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas, la Maison de l´Éurope de París, el Palacio Imperial “Hofburg” y el Instituto Cervantes de Viena, además de realizar giras de conciertos en países como Argelia, Italia o la República Checa. Se ha presentado también como solista con importantes orquestas y también actúa regularmente en formaciones de cámara, como el Dúo de Guitarras Contrastes, con Víctor Bravo, o con la chelista Marta Requena. Como pedagoga, ha impartido clases magistrales y talleres en diversas escuelas y conservatorios de música tanto en España como en el extranjero.
El Gran Teatro acoge este domingo (19:00 horas) un concierto lírico en conmemoración del Día Mundial de la Ópera a cargo de dos reconocidos artistas cordobeses: la soprano Auxiliadora Toledano y el barítono Javier Povedano, que interpretarán piezas de zarzuela y ópera acompañados al piano por el maestro Miquel Ortega.
El programa de esta velada musical comienza con seis canciones sobre textos de los poetas Federico García Lorca, Antonio Machado y Miguel Hernández de las que es autor el propio Miquel Ortega, compositor, director de orquesta y pianista. A continuación llega el turno de la zarzuela, género representado por piezas de Luisa Fernanda, de Federico Moreno Torroba; El Niño Judío, de Pablo Luna; y Doña Francisquita, de Amadeu Vives.
La parte final de este recital lírico queda reservada a la ópera. La muestra de este género está representada en el programa por fragmentos de varios títulos y compositores: desde Cosí Fan Tuttte de Wolfgang Amadeus Mozart hasta Don Pasquale de Donizetti, pasando por I Puritani de Vincenzo Bellini y La Bohème, de Giacomo Puccini.
José Antonio Plantón Moreno El Calli, un gran exponente del cante gitano en el panorama actual del flamenco, presenta mañana viernes en el Gran Teatro (20:30 horas) Flamenco Puro, un espectáculo en el que intervienen sus hijos Jose del Calli, Lolo Plantón y Rafa del Calli. Junto a ellos estarán el guitarrista Luis Medina y, al baile, Ángel Reyes y Verónica Reverte.
Con Flamenco Puro echa a andar Creado en Córdoba, un programa que el Instituto Municipal de las Artes Escénicas, sensibilizado ante la situación provocada por la pandemia de coronavirus, pone en marcha. El objetivo es seguir apoyando las manifestaciones de las artes musicales y escénicas locales y, en esa línea, ampliar la contratación de espectáculos destinados a favorecer la actividad de las compañías y artistas cordobeses. Con este fin se abrió una convocatoria pública para recibir y seleccionar las propuestas de los creadores de Córdoba. El programa comienza ahora, en octubre, y se pretende que tenga continuidad en la próxima temporada.
El Calli (Córdoba, 1953) nació en el castizo y flamenco barrio del Alcázar Viejo, donde ya eran conocidos en el mundo del cante su abuela, Tía Basilia, y su tío, el cantaor Fernando Tinico. En sus inicios como artista José Antonio Plantón entonó su voz en el cante gitano tradicional, un territorio donde fluía con mayor pureza el arte que lleva dentro. Pero no se quedó ahí: su trayectoria natural lo ha llevado a ser un artista que fusiona lo más puro y trascendental del arte flamenco, como las seguirillas y las soleares, junto a las más renovadoras formas en los cantes de compás. Sin salirse de los cánones marcados, sin dejar de dominar las “formas viejas”, él ha querido enlazar la tradición con la modernidad, con las nuevas corrientes actuales, manteniendo al tiempo una personalidad propia dentro del respeto a la raíz gitana. Como él mismo explica, “mi interpretación del flamenco es liberal, y posible por las facultades que tengo”.
El cantaor cordobés posee innumerables premios y galardones al conocimiento, a la pureza y a su voz gitana personalísima e inconfundible. Tiene grabados tres discos, el primero de ellos Sueño gitano (1986), con el acompañamiento a la guitarra de José Antonio Rodríguez. Le sigue Orgullo de Estirpe (2000), junto al guitarrista sevillano Manolo Franco. Por ultimo, en 2012 sale al mercado Sonidos con Alma, disco para el que cuenta con colaboraciones de primerísimas figuras del flamenco y que fue presentado en el Teatro Góngora.
La actriz Verónica Forqué encabeza el reparto de Las cosas que sé que son verdad, una obra de Andrew Bovell que sitúa los mecanismos familiares en el centro de su eje argumental y que podrá verse mañana sábado en el Gran Teatro de Córdoba. El dramaturgo australiano y el director, Julián Fuentes Reta, coinciden de nuevo en un proyecto escénico tras obtener los premios Max a la Mejor Obra Teatral y a la Mejor Dirección en 2015 con el espectáculo Cuando deje de llover.
El montaje es un retrato complejo e intenso sobre las relaciones del núcleo familiar -y del matrimonio- desde el punto de vista de cuatro hijos. Junto a Verónica Forqué, dan vida a los distintos personajes Julio Vélez, Pilar Gómez, Jorge Muriel, Borja Maestre y Candela Salguero. Sobre el escenario, en una casa suburbana con un pequeño jardín, una familia de clase media afronta el paso de un año decisivo. A través de la metáfora material del transcurso de las cuatro estaciones, que condensarán el crecimiento y cambio de cuatro hermanos y hermanas y sus vínculos con sus padres, el público asistirá al desarrollo de un organismo vivo que mutará, se agitará y morirá para seguir, siempre, incontenible e imparable.
El texto de Bovell parte de los esfuerzos de los hijos por ser ellos mismos, más allá de los deseos y expectativas proyectadas por sus progenitores, que han trabajado muy duro a lo largo de los años para que sus vástagos disfruten un futuro lleno de las posibilidades que ellos nunca tuvieron. Las cosas que sé que son verdad dibuja las interacciones familiares, destapando las fisuras que ponen en cuestión lazos que aparentaban ser firmes. La obra se sustenta en los principios de un teatro comprometido con el tiempo presente y que explora las emociones que nos conmueven, además de tocar un tema constante en el imaginario del autor australiano: los vínculos de las personas con la naturaleza.
En las Notas del director sobre este montaje, Julián Fuentes Reta dice: “La dramaturgia de Andrew Bovell es valiente, porque no cede nunca ante la belleza del amor ni ante la amargura de la destrucción. En este caso, el foco está en la familia. Y es que, ¿qué otra estructura humana se mantiene en el tiempo?. Nada más que este grupo, ya sea consanguíneo o del tipo que sea”. Y concluye : “Las piezas de Andrew exploran minuciosamente el paso del tiempo y los cambios de los seres que se desarrollan en él, las nutridas elaboraciones que la lluvia, los abrazos o los cientos de puestas de sol y amaneceres dejan en la piel, en el gesto, en la experiencia. Nunca había encontrado una dramaturgia que expusiera como la suya la violenta irrealidad de nuestra vida cotidiana”.
La obra maestra del teatro del absurdo llega al Gran Teatro de Córdoba el 10 de octubre a las 20:30h
Pese a publicarse en 1952, nunca hemos dejado de esperar a Godot. Con este clásico del siglo XX, Samuel Beckett consigue eludir los límites del tiempo para crear una obra de importancia universal con un significado aún latente en nuestros días.
La creación más importante del teatro del absurdo incorpora disparate, incoherencia, sinsentido y paradoja en esta representación bajo la dirección de Antonio Simón, con
escenografía de Paco Azorín, iluminación de Pedro Yagüe y vestuario de Ana Llena.
Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Juan Díaz, Fernando Albizu y Jesús Lavi unen sus talentos en una representación llena de fuerza, humor, poesía, ternura, dolor y risa que llega a Córdoba, al Gran Teatro de Córdoba el 10 de octubre a las 20:30h.
Sinopsis
La única acción que se desarrolla a lo largo de sus dos actos es la espera protagonizada por Vladimir (también llamado Didi) y Estragón (Gogo) ante la supuesta llegada del misterioso Godot. Una espera que deja entrever una crítica a nuestra sociedad, con hombres cuya inteligencia es más propia de niños y se refugian en la esperanza de una llegada que nunca ocurre. El texto, engañosamente simple, sobrepasa las categorías del teatro del absurdo con sus diálogos carentes de sentido y situaciones que no llegan a ninguna parte.
Esperando a Godot, por el director
Godot es hoy en día más que una obra de teatro, más que un clásico del siglo XX. Es un símbolo universal. Forma parte de la imaginación colectiva. La fuerza, el humor, la poesía, la ternura, el dolor, la risa que nos transmite esta obra, metáfora de la vulnerabilidad, la dignidad, el coraje y también de la irracionalidad del ser humano, siguen vigentes. El público merece ver representada esta maravilla. Una obra que Beckett definió cómo horriblemente cómica.
Godot es también una historia de amor, una historia sobre la obstinación y la duración en el amor de una pareja que se separa y se reencuentra constantemente. Dos amigos íntimos que mientras están esperando, hablan, discuten, juegan, se desafían, se reconcilian, se aman, se repelen. Llega otra extraña pareja, el juego se diversifica.
Godot no aparece, envía a un emisario.
Raudales de humanidad en personajes desamparados, errantes, desacoplados, desplazados que nos recuerdan que el ser humano, aun en situaciones muy difíciles, es capaz de levantarse o por lo menos como hace Estragón en el final de la obra, de volverse a poner los pantalones, que, a falta de cinturón, se ata con una humilde cuerda.
Esperando a Godot es un espectáculo fundamentado en la humanidad y comicidad de sus sensacionales actores, en la palabra y el espacio, en la poesía y el humor.
Antonio Simón
LA CRÍTICA HA DICHO…
Tip y Top esperan a Godot
El País, Javier Vallejo, 30/12/2019
«Un Esperando a Godot ágil, divertido, desentrañado con pericia, encarnado por una pareja de actores perfectamente acordados, que allanan la función sin restarle grosor».
Matar el tiempo mientras el tiempo nos mata
El Confidencial, Rubén Amón, 13/12/2019
“La naturalidad de Alberto Jiménez y el carisma de Viyuela matizan la máscara alegre y la triste. Representan la razón para vivir y para morir. Se los reconoce a ambos atrapados la ceguera del destino, pero las vías del tren que les ha puesto Antonio Simón también les proporcionan la
alegoría de la esperanza. Un acto de fe. Un plato y un cubierto en la mesa de los espectros”.
Vladimir, Estragón y otra pareja
El Mundo, Manuel Hidalgo, 2/12/2019
“Antonio Simón, hace una propuesta limpia, ajustada y competente de la obra y los actores –Pepe Viyuela, Alberto Jiménez, Fernando Albizu…– la materializan de forma igualmente clara y con envergadura mantenida”.
Un Beckett humorístico y mora
ABC, Diego Doncel, 2/12/2019
“La adaptación propone una lectura donde más que la vida como un callejón tapiado, se subraya el encuentro con el otro, el valor de compartir un destino en medio de la intemperie. Es el mensaje moral de esta ambiciosa propuesta”.
“Esperando a Godot”: Payasada trascendental
La Razón, Raúl Losánez, 26/12/2019
“La historia de Vladimir y Estragón, dos amigos de aspecto miserable que esperan junto a un árbol
a un tal Godot, del que ni el público ni ellos mismos saben apenas algo, está contada en esta
ocasión con una acertada mezcla de humor, melancolía y ternura”.
‘Esperando a Godot’, nuestro sentido sin sentido
Huffington Post, Antonio Hernández Nieto, 22/12/2019
«Al final, lo que queda es un producto que, partiendo de un planteamiento comercial, ofrece un hito cultural. Curiosamente lo hace sin aspavientos, sin grandes gestos. El por qué funciona moviéndose entre ambos polos, manteniendo el equilibrio, es un interesante y bello misterio».
Háblame del subsuelo
La Nueva España, Saúl Fernández, 10/11/2019
“Si en Avilés se estilase, los actores hubieran salido a hombros de la escena”.
“Esperando a Godot”, de la provocación a la comedia
El Comercio, Pablo A. Marín Estrada, 9/11/2019
“Una función mayor destinada al éxito que ayer reconoció la ovación del Palacio Valdés”.
El Gran Teatro de Córdoba abre sus puertas mañana viernes tras el periodo de inactividad motivado por el estado de alarma, primero, y por el el habitual cierre estival, después. Vuelve la programación y lo hace con la versión escénica de El coronel no tiene quien le escriba, la conocida novela de Gabriel García Márquez. Imanol Arias interpreta el personaje del militar bajo la dirección de Carlos Saura, que firma también el diseño de escenografía y el vestuario. Completan el elenco Cristina de Inza, Jorge Basanta, Fran Calvo y Marta Molina.
La novela corta publicada por el escritor colombiano en 1961 ha sido llevada varias veces a las tablas. En esta ocasión se trata de una producción de José Velasco para la que ha contado con Natalio Grueso como responsable de la adaptación teatral. El Gran Teatro acogerá dos funciones del espectáculo: viernes y sábado, ambos días a las 20:30 horas. Para garantizar la seguridad de los espectadores ante el coronavirus, el Instituto Municipal de las Artes Escénicas ha adoptado todas las medidas necesarias en los teatros municipales: reducción de aforo, distancia de seguridad garantizada, toma de temperatura, dispensadores de gel hidroalcohólico, entradas y salidas de público por sectores, desinfección general de las instalaciones, programas de mano digitalizados para descargar a través de código QR…
El coronel no tiene quien le escriba es una historia de amor y esperanza, de la lucha por conservar la dignidad en un mundo miserable. La historia se centra en los personajes del viejo general -inspirado en las vivencias del abuelo materno de García Márquez- y de su mujer. Ambos viven en la miseria esperando la carta del gobierno en la que deben comunicarle la concesión de la pensión prometida por sus servicios durante la Guerra de los Mil Días, un conflicto civil entre colombianos.
Pero la carta nunca llega, aunque el coronel va cada viernes desde hace quince años al muelle, vestido con su mejor traje, para esperar la llegada de la lancha que trae el correo. Mientras tanto, la vieja pareja malvive en la pobreza alimentando a un gallo de pelea que es su única esperanza de supervivencia. A medida que avanza el tiempo y la carta sigue sin llegar deberán enfrentarse a un dilema: alimentar el gallo o alimentarse ellos.
La codicia del pueblo, la usura de los mejores amigos, la fatalidad y estupidez de la guerra… se mezclan con la soledad del anciano coronel vencido por la vida pero al que aún le quedan dos tesoros: el amor de su mujer y la dignidad. Su capacidad de resistencia ante las adversidades del destino es infinita, guiado por una rebeldía tan sólida como su esperanza y su fe en el ser humano. “La vida -dice el personaje- no es sino una continua sucesión de oportunidades para sobrevivir”.
Carlos Saura estrenó el montaje con Juan Diego en el papel protagonista, pero el actor se tuvo que retirar por motivos de salud. Su sustituto considera que el viejo coronel representa “un alegato para entender los últimos momentos de la vida, que no tienen que ser dolorosos ni trágicos. Hay aceptación y equilibrio en el estado de las cosas. El coronel es un elogio de la dignidad”, destaca Imanol Arias, que con esta producción vuelve al teatro después de 24 años sin pisar un escenario.
Por su parte, Carlos Saura considera que su trabajo como director de la función “es muy sencillo”. “Hago -asegura- muy pequeñas correcciones a los actores porque la base es el texto. Un texto muy difícil, lleno de trampas”. Precisamente por ello, como escenografía ha creado para la obra un espacio minimalista con el fin de que destaque el texto del escritor colombiano.
Participan Ago, Trilogy, Solarys, Innmemoriam y Virtual
El Teatro de la Axerquía acoge mañana sábado (21:30 horas) el Festival Grita, una propuesta que reúne a gran parte de la escena musical rock de Córdoba para reivindicar la creación local en torno a este género y lo hace, además, en un año en el que, además, no ha habido Festival de la Guitarra debido a la pandemia del coronavirus.
Grita es un espectáculo con un precio asequible para reivindicar un territorio musical común que se nutre, en este caso, de las propuestas surgidas de la creación local en torno al rock. Durante el concierto tendrán lugar cinco actuaciones de 30 minutos de duración cada una a cargo de los grupos participantes -al margen de colaboraciones puntuales- que son: Ago, Trilogy, Solarys, Inmemoriam y Virtual. El espectáculo finalizará con la interpretación del tema Grita, que se ha convertido en el himno de esta cita común de músicos cordobeses.
En opinión de los promotores del proyecto, desde hace muchos años, la ciudad de Córdoba ha adolecido de un certamen, concierto o evento que ponga en énfasis la enorme cantidad y calidad de músicos que forman parte del espectro cultural de la ciudad. “El heavy y el rock fueron, poco a poco, perdiendo sitio y repercusión en la escena pública -señalan- mientras se abrían escaparates para muchos tipos de música, como puede ser Dinamomusic o el Festival de la Guitarra, que, por sus especiales características, no suele poder atender todas las peticiones de participación de bandas locales”.
Este Festival parte de la realización de un vídeo, donde participan decenas de músicos heavies y de rock de nuestra ciudad (desde Paco Ventura o Maikel de la Riva hasta grupos locales como Solarys, Ago, Trilogy). Los precursores del proyecto son Asun Barasona y Juan Carlos Pastrana, personas que siempre han estado relacionadas con la música desde hace más de 20 años. Grita es una versión en español del tema de Stars de la leyenda Ronnie James Dio. Durante la pandemia ha significado una apuesta en común, una forma de aceptar que la unión es la única forma de superar las dificultades que plantea esta “nueva normalidad” a los músicos.
El hecho de elegir como entorno el Teatro de la Axerquía, destacan, “es un simple elemento de romanticismo, ya que fue el entorno de una gran parte de las ediciones de aquella Muestra Pop Rockera que se desarrolló durante los años 80 y 90. ¿Qué mejor forma de hacer un homenaje a tantas grandísimas bandas que salieron de ese escenario?”.
El IMAE apuesta por tres grandes propuestas teatrales para la reapertura en Octubre de su buque insignia.
El Coronel no tiene quien le escriba, Esperando a Godot y Las cosas que sé que son verdad, son los títulos de las tres obras de teatro con las que el Instituto Municipal de las Artes Escénicas retomará su actividad en el Gran Teatro en el mes de octubre.
Imanol Arias, protagonizará el 2 y 3 de octubre, El Coronel no tiene quien le escriba. Esta adaptación de la novela de Gabriel García Márquez, está dirigida por el director de cine Carlos Saura lo que seguro que aportará matices cinematográficos a la puesta en escena. Junto a Arias estarán Cristina Inza, en el papel de la mujer del coronel, Jorge Basanta como Sabas y abogado, Fran Calvo en el papel del médico y Marta Molina como la mujer de Sabas.
Esperando a Godot será la segunda obra de gran nombre con la que contemos este otoño, el día 10 de octubre. Pepe Viyuela encabeza un cartel de grandes actores masculinos que pondrán en escena esta que en palabras de su director, Antonio Simón, “es hoy en día más que una obra de teatro, un clásico del siglo XX”. Una obra que su autor definió como horriblemente cómica y que mezcla la fuerza, el humor, la poesía, la ternura, el dolor y la risa para hacer metáfora de la vulnerabilidad y el coraje del ser humano.
El sábado 17 de octubre, la ganadora del Premio Max 2020, Veronica Forqué encabeza un reparto multigeneracional para dar vida a la obra del también ganador de un Max de teatro Andrew Bovell, Las cosas que sé que son verdad. Tras los éxitos cosechados con Cuando deje de llover, la compañía Octubre Producciones, vuelve a los escenarios con esta obra que es un retrato complejo e intenso de los mecanismos de la familia -y del matrimonio- desde el punto de vista de cuatro hijos.
“Acercar propuestas teatrales de primer nivel, es una de las apuestas más contundentes que desde el Instituto Municipal de las Artes Escénicas vamos a llevar a cabo en este último trimestre” afirma Marian Aguilar, Presidenta del IMAE, que añade “Hemos querido combinar títulos emblemáticos de teatro con otros que abordan temas de gran actualidad para que todos los públicos estén motivados en esta “vuelta al Gran Teatro” tras el confinamiento”.
Los precios de las entradas oscilan entre los 10 y los 27 euros y los espectadores que quieran asistir a estas tres propuestas las podrán adquirir con 20 % de descuento al tratarse de espectáculos que tienen la distinción “Punto Verde”. Además, se verán beneficiados de este “Punto Verde” aquellos espectadores que puedan acreditar su condición de mayor de 65 años, menor de 30 años o desempleado.
Utilizamos cookies para asegurar que damos la mejor experiencia al usuario en nuestro sitio web. Si continúa utilizando este sitio asumiremos que está de acuerdo.Estoy de acuerdoLeer más
Accesibilidad
