El escenario del Teatro Góngora acoge mañana sábado (20:30 horas) Clásico, un espectáculo del bailaor José Barrios, que interviene como intérprete, director y coreógrafo. El artista cordobés define su creación como “un viaje fabuloso a través de nuestros clásicos, siempre desde la mirada eterna e imperiosa del flamenco”. Se trata de una producción que rinde tributo a expresiones, artistas y trabajos que fueron y siguen siendo punto de referencia para nuevas creaciones y fuente inagotable de inspiración. En suma, formas artísticas atemporales que siguen siendo actuales e incluso innovadoras.
Acompañado por Paco del Pozo y Sara Corea (cante), Isaac Muñoz (guitarra), Víctor Guadiana (violín), Juan Diego Sáez (saxo y cante) y Luis Dorado (percusión), José Barrios baila un programa que discurre desde la música clásica hasta el mundo del cine, pasando por el tango, la poesía, la pintura, y, cómo no, el flamenco. Para el bailaor, Clásico es “bailar la Marcha Turca de Mozart como si de un zapateado flamenco se tratase. Corear Los cuatro muleros de Lorca. Viajar hasta Oblivion, de Astor Piazzolla. Deleitarme con un fandando en la voz de La Niña de los Peines. Dar vida a La Saeta, pintura de Julio Romero de Torres: Balancearme ante un impetuoso Amor brujo de Falla, para terminar Bailando sobre la lluvia en honor al inigualable Gene Kelly”.
Nacido en 1975, más de 17 años como intérprete y un buen número de creaciones avalan la trayectoria de José Barrios, un destacado artista del actual panorama flamenco. Comenzó su aprendizaje en Córdoba, para ampliarlo posteriormente en Sevilla y Madrid, con profesores como Manolo Marín o Domingo Ortega, entre otros. A la capital de España llegó cuando ya había actuado en varios festivales flamencos de Andalucía, donde conoce lo que es compartir escenario con primeras figuras del flamenco. En su faceta de coreógrafo, sus primeras obras se sitúan en Estados Unidos, donde permaneció un tiempo trabajando para el Boston Ballet Flamenco. Después vendría una fructífera etapa en Japón, país en el que continúa su carrera como bailaor, además de impartir cursos en Osaka y Kyoto. De vuelta en Madrid, actúa en los principales tablaos de la ciudad y comienza sus colaboraciones, como intérprete y como creador, con artistas de la talla de María Pagés, Rafael Amargo o Blanca del Rey.
Desde hace años, José Barrios viene desarrollando una prolífica trayectoria, que en la última década incluye trabajos como Por si acaso amanece (2010), Flamenco algarabía (2011), Vino amargo (2012), A solas con él (2014) y Danza para tres voces (2016), algunos de los cuales ha presentado con gran éxito en escenarios de Japón, Marruecos, Estados Unidos y Argelia. En 2017 estrena en Córdoba, en el Teatro Góngora, su espectáculo Reditum, que presentó al año siguiente en el 22 Festival de Jerez y con el que ha girado por Cuba y Estados Unidos.
El próximo 14 de mayo 20’30 Gran Teatro de Córdoba
El coreógrafo Leonid Milovanov nos ofrece su nuevo musical-ballet “Leyendas Cosacas” con 40 artistas en la escena (34 bailarines y 6 cantantes). Las brillantes danzas y las bellas canciones harán que los espectadores conozcan mejor las historias y las leyendas cosacas. La compañía trae más de 2 toneladas de impresionantes trajes realizados por los mejores diseñadores que investigan sobre los estilos tradicionales de los pueblos cosacos de diferentes épocas de los extensos territorios desde el Mar Negro hasta Siberia. Estos artistas han sido formados en danza clásica, lo que hace que tengan los movimientos propios del ballet, con la rapidez y precisión que necesitan las espectaculares danzas cosacas.
El director de la compañía, Leonid Milovanov, ha sido galardonado con los más importantes premios nacionales: “Artista de Honor de Rusia” y “Premio Estatal de Rusia”.
Cosacos de Rusia es una compañía muy bien conocida en más de 30 países, entre los que destacan EE.UU., Gran Bretaña, España, Italia, Canadá, China, Corea del Sur, Francia, Dinamarca, Suecia, Noruega, Suiza… Además, es la única compañía que representó a Rusia en la Gran Gala del 60º Aniversario de coronación de La Reina de Gran Bretaña en mayo de 2013. La Compañía, a través del Arte, busca unir a los diferentes países y culturas, razón por la cual organiza el Festival Anual “Amigos en la Casa de Los Cosacos de Rusia”. La Compañía está formada por 70 artistas- bailarines, músicos y cantantes y cuenta con la cantera de más de 300 alumnos que estudian en su Escuela.
“Leyendas Cosacas”– no es solo un espectáculo de danza, no es una simple muestra de folclore, no estamos en presencia de pintorescas o exóticas habilidades más o menos impresionantes… Es un torrente de sentimientos enraizados en la dureza de unas tierras lejanas pero de gran riqueza cultural. “Leyendas Cosacas” es la expresión del alma de un pueblo lleno de generosidad, que durante siglos lo dio todo sin exigir nada a cambio, salvo seguir siendo ellos mismos y el deber para con su Patria. Son las historias de cosacos de Atamán Nekrasov que estuvieron en el exilio en Turquía durante 200 años desde la época de Catalina la Grande, la Gran Guerra Patria y mucho más de su cultura milenaria desde la antigüedad hasta la actualidad.
El Festival de la Guitarra de Córdoba ya tiene a la venta las localidades para disfrutar de los espectáculos en la ciudad califal. Del 4 al 13 de julio, Córdoba acoge más de veinte espectáculos en los que el público amante de la música podrá disfrutar de la guitarra flamenca, la guitarra clásica, la música jazz &blues y el pop & rock.
Además, en esta edición, la riqueza patrimonial de córdoba, proclamada en cuatro ocasiones por la UNESCO, se unirá a los sonidos de las seis cuerdas en una fructífera conjunción bajo el nombre de “La Guitarra… Nuestro Patrimonio”.
Toda la información sobre los espectáculos y el programa formativo del Festival de la Guitarra de Córdoba en https://guitarracordoba.es/
La Compañía Nacional de Teatro Clásico, por primera vez, trae el espectáculo “El castigo sin venganza” a Gran Teatro. La obra tendrá doble función en las tablas del teatro, el 1 y 2 de mayo. Esta tragedia de la época crepuscular del gran Lope de Vega, se presentó en Madrid en 2018 y ya cuenta con un total de 33.000 espectadores a sus espaldas. “Hoy presentamos una de esas instituciones que forman parte de todos los españoles y las españolas como es la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC)”, así lo ha manifestado el David Luque, presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE).
En esta línea, Luque se ha mostrado orgulloso de que la institución presente una de las obras más destacadas de Lope, como es “El castigo sin venganza”. “Estamos doblemente contentos, porque no solo sabemos que todo el público que acuda al espectáculo va a disfrutar mucho; sino que una obra como esta, con una compañía como esta, tiene un componente didáctico de la historia de nuestro teatro y nuestra cultura que lo hace más necesario en los tiempos que corren”, ha concluido el delegado de cultura.
En la presentación de la obra también ha estado presente Helena Pimenta, directora de este montaje y de la compañía, quien ha manifestado que “esta obra es un reto novísimo y viegísimo a la vez”. Asimismo, Pimenta que esta obra de la época crepuscular de Lope, “cuenta con una trama increíble que toca temas apasionantes y apasionados”.
Por su parte, los actores Rafa Castejón (Federico), Joaquín Notario (Duque de Ferrara) y Beatriz Argüello (Casandra), han demostrado su satisfacción por acudir al Gran Teatro con esta tragedia que supone un reto para ellos.
Conoce toda la información y percepciones de los protagonistas en este dossier.
Reconocida entre las mejores compañías de danza clásica del mundo y con la legendaria bailarina Alicia Alonso como directora general, el ballet llegará a Cádiz, Córdoba, Málaga, Granada y Sevilla en el mes de junio
Bailará su versión de La Cenicienta, una de las grandes obras del repertorio tradicional del BNC
Sevilla, 24 de abril de 2019.-El Ballet Nacional de Cuba (BNC), una de las más prestigiosas compañías de danza del mundo dirigida por la mítica Alicia Alonso, regresa a España para representar una de las obras maestras de la historia del género y, también, una de las piezas más emblemáticas y reconocidas de su repertorio: La Cenicienta.
La primera de sus representaciones por Andalucía será el 6 de junio en el Gran Teatro Falla, de Cádiz; el día 7 el ballet estará en el Gran Teatro de Córdoba. El 8 en el Teatro Cervantes, de Málaga; el 14 de junio en Granada y el 16 en el Cartuja Center, de Sevilla. Las entradas para asistir a estas representaciones ya están disponibles y pueden adquirirse en los puntos de venta habituales de cada recinto.
El Ballet Nacional de Cuba, con más de 70 años de historia, fue declarado en 2018 Patrimonio Cultural de esta Nación por ser la “máxima expresión de la escuela cubana de ballet”. Su directora general, Alicia Alonso, conocida como la “prima ballerina assoluta”, es una de las personalidades más relevantes en la historia de la danza y el ballet clásico a nivel mundial y que a sus 98 continúa aún en activo. En la visita a España del ballet, Viengsay Valdés, actual primera bailarina del BNC, conjugará por primera vez el rol de directora artística e intérprete en la escena para este recorrido de casi dos meses.
Además de su intensa actividad en Cuba, el Ballet Nacional de Cuba desarrolla anualmente un programa de giras internacionales, que lo lleva a escenarios de diversos países de Europa, Asia y América. Importantes galardones, como el Grand Prix de la Ville de París y la Orden «Félix Varela», de la República de Cuba, se suman a la aclamación de los más destacados representantes de la crítica especializada y a las distinciones recibidas por sus figuras, de manera individual, en concursos y festivales internacionales.
José María Pou se pone en la piel del atormentado capitán Ahab, uno de los grandes personajes de la literatura universal, para relatar su obsesión por la gran ballena blanca en Moby Dick, el montaje que podrá verse mañana sábado en el Gran Teatro de Córdoba. Dirigida por Andrés Lima, la obra ofrece una revisión de uno de los clásicos de Herman Melville en una adaptación para el teatro escrita por Juan Cavestany.
La pieza, según sus artífices, es una fascinante metáfora de la lucha del hombre contra sí mismo y la naturaleza presentada en una depurada puesta en escena. El capitán Ahab pone en evidencia la obsesión humana que va más allá de la razón, las consecuencias de una idea fija capaz de consumir la voluntad y eliminar cualquier elemento bondadoso del alma. Desde su publicación en 1851, la novela de Melville -en palabras de Jorge Luis Borges, “un relato que se agranda página tras página hasta usurpar el tamaño del cosmos”- ha ejercido una poderosa atracción sobre los creadores, una fascinación a la que no han podido sustraerse el cine ni el teatro. Así, se hizo ya una primera versión para el cine mudo en 1926 sobre la historia del combate entre el hombre y la bestia marina, aunque la película más famosa fue la dirigida por John Huston, Moby Dick (1956), con Gregory Peck como protagonista. Entre otras muchas adaptaciones Orson Welles estrenó una versión teatral en Brodway en 1962, y el relato ha sido llevado también al musical y a la ópera.
El montaje que podrá verse en el Gran Teatro reúne por primera vez a dos grandes profesionales de la escena, el actor José María Pou y el director Andrés Lima, juntos en esta versión inspirada en la solitaria figura de Ahab, una invitación al espectador a hacer un viaje a las profundidades de la locura de un hombre capaz de todo para satisfacer su empeño.
Moby Dick es en la actualidad una de las producciones más aplaudidas de la cartelera española. A este gran éxito ha contribuido en no poco el “inmenso” trabajo, a decir de la crítica, de ese “excepcional” actor que es José María Pou, poseedor de todos los grandes premios de la escena española, muchos del cine e incluso algunos de televisión. Su construcción del personaje requiere tal entrega que el veterano intérprete -el año pasado cumplió sus bodas de oro en los escenarios- confiesa sentirse exhausto al término de la función. Éste es, afirma, el papel más exigente que ha hecho. “Estoy durante hora y media -explica- a mil revoluciones por minuto. Ahab es un hombre en un estado permanente de locura, está siempre al límite. Hay que hacer el personaje como si llevara a la ballena en brazos; acabo agotado”.
No obstante, Pou destaca también la energía que le da el texto, además de la propia personalidad del viejo marino. “Soy enormemente feliz haciendo este personaje. Juan Cavestany ha hecho una versión modélica. Ha recogido ese novelón de mil páginas en algo más de una hora, y no falta nada de Moby Dick, está todo lo esencial. Tiene un lenguaje poético precioso y te permite disfrutar diciendo textos maravillosos, comunicar con el público a través de la palabra, que es una de las funciones del actor”.
El actor catalán explica por qué Ahab es todavía un personaje actual: “Él ejemplifica cómo las emociones llevadas al extremo son perjudiciales: se pudren dentro de uno y pueden llevarlo a la locura. Pero hay una segunda lectura: Ahab es por encima de todo un personaje egoísta, un loco desmesurado que por cumplir su deseo es capaz de contratar a una tripulación para llevarla engañada a un viaje suicida. En esa decisión arrastra a otros hombres”. Esos compañeros del infernal viaje del Pequod, el barco ballenero donde transcurre la acción, están encarnados en el montaje por los actores Jacob Torres y Oscar Kapoya, que interpretan cada uno a varios marineros.
Pou cumplió el pasado año sus bodas de oro con los escenarios, 50 años de carrera en los que ha dado vida a personajes míticos, con interpretaciones que la crítica ha recibido con grandes elogios. Entre esos papeles hay un personaje monumental con el que el furibundo capitán tiene, en su opinión, semejanzas. “Ahab tiene mucho de Rey Lear, de personaje shakespeariano. Son personajes crepusculares… dos viejos. Ambos son conscientes de que han perdido todo lo que tenían y de que están al final de su vida y no van a poder recuperarlo”, afirma.
AdosTeatroa y Pentación producen la versión escénica de la película francesa “Intouchables” de Olivier Nakache y Eric Toledano, adaptada por Garbi Losada y José Antonio Vitoria
Está coprotagonizada por Jimmy Roca, Begoña Maestre e Iker Lastra
El estreno absoluto en España tendrá lugar el 12 de abril en el Teatro de Góngora de Córdoba, a las 20.30h
AdosTeatroa y Pentación Espectáculos presentan en el Teatro de Góngora de Córdoba Intocables, la versión escénica española de la película francesa Intouchables de Olivier Nakache y Eric Toledano, adaptada por Garbi Losada y José Antonio Vitoria.
La pieza teatral, llena de esperanza, humor y fe en el ser humano está protagonizada por Roberto Álvarez, Jimmy Roca, Begoña Maestre e Iker Lastra.
La obra se estrena en el Teatro Góngora de Córdoba el viernes 12 de abril a las 20.30h y luego iniciará una gira por España.
Sobre Intocables
Una historia conmovedora, esperanzada y divertida basada en una historia real, recogida en la obra autobiográfica Le Second Souffle de Philippe Pozzo di Borgo, un adinerado aristócrata que quedó tetrapléjico tras un accidente de parapente. Harto de cuidadores que le tratan con piedad o condescendencia, lo que le gusta de él, al contrario, es que ve que no le tiene compasión alguna. Estas memorias narran su vivencia tras el accidente y la relación que entabla con un hombre completamente diferente a él, Abdel Yasmin Sellou, un joven argelino de los suburbios, que se convierte en su cuidador.
Juntos van a mezclar a Vivaldi y la música rap, el habla elegante y la jerga callejera, los trajes caros y los pantalones de chándal. Dos mundos que chocan para acabar por entenderse.
Ambos encontrarán en el otro no lo que desean, sino lo que realmente necesitan. En el camino, ambos tejen una relación que va más allá de un acuerdo laboral, hasta convertirse en amigos inseparables. Una amistad tan improbable e inesperada, como definitiva. Y de la oposición entre ambos, de su excéntrica convivencia, surge la comedia.
• “la Caixa” presenta, en colaboración con la Fundación Cajasol y el Ayuntamiento de Córdoba, un ciclo de 4 representaciones dirigidas a escolares con el espectáculo Acábate la sopa, una propuesta que quiere dar a conocer el proceso de creación musical a través de la combinación de ritmos y melodías.
• Los conciertos escolares que organiza “la Caixa” tienen como objetivo introducir al público infantil y juvenil en el mundo de la música desde una perspectiva didáctica.
• A través de la historia de Muriel, cuatro músicos y una bailarina convierten los sueños de la pequeña en un auténtico recital de temas que ya forman parte de la historia de la música contemporánea, desde Dmitri Shostakovich y Philip Glass a The Beatles y Simon & Garfunkel.
• El Teatro Góngora de Córdoba acoge los conciertos los días 9 y 10 de abril, con 2 funciones diarias a las 10:00 y a las 12:00 horas.
• Está previsto que más de 1.500 alumnos asistan a las 4 representaciones programadas.
Córdoba, 8 de abril de 2019. – El concejal de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba, Andrés Pino, el presidente del Instituto Municipal de las Artes Escénicas Gran Teatro de Córdoba (IMAE), David Luque, la delegada de la Fundación Cajasol en Córdoba, Mili Jiménez Melero, y el director de Área de Negocio de CaixaBank en Córdoba, Antonio Marcelo García Pino, han presentado hoy en rueda de prensa el espectáculo Acábate la sopa.
Los conciertos escolares organizados por “la Caixa” tienen por objetivo acercar el mundo de la música al público infantil y juvenil, mediante unas producciones especialmente diseñadas para que los escolares puedan disfrutar de unos espectáculos llenos de música, magia y diversión. Un ámbito de actuación que desde hace años impulsa “la Caixa” a través de las diversas iniciativas pedagógicas que organiza por toda la geografía de España.
En esta ocasión, y en colaboración con la Fundación Cajasol, el Ayuntamiento de Córdoba y “la Caixa” presentan en el Teatro Góngora la producción propia Acábate la sopa. Una propuesta con una sugerente puesta en escena y adaptada para los escolares de los niveles de educación infantil y primaria. El espectáculo, al que se han inscrito más de 1.500 alumnos, ofrece la oportunidad de acercarse por primera vez a los más pequeños a la música clásica y popular.
Con guión y dirección artística de Anna Llopart y la dirección musical de Josep Maria Guix, el espectáculo presenta a Muriel, una niña a la que le cuesta terminar la sopa. Mientras va comiendo, y a través de su imaginación, los niños podrán sentir piezas de épocas y estilos muy diferentes que van desde una melodía medieval de Guillaume de Machaut hasta la música minimalista de Steve Reich y Philip Glass, pasando por compositores del siglo pasado como Shostakóvich y Eisler o la música de The Beatles.
Todos estos compositores parten de los mismos ingredientes, las siete notas de la escala musical, pero cada compositor elabora las melodías y los ritmos a su manera, creando su propia receta para “cocinar sus músicas”. Así, el concierto se combinan estas propuestas musicales alejadas en el tiempo y el estilo que ayudarán a los más pequeños a ver cómo los compositores han encontrado la manera de crear una melodía, de hacer un acompañamiento o de encontrar nuevos colores instrumentales.
Como complemento didáctico, “la Caixa” ha preparado un dossier que facilita a los escolares la comprensión de la música interpretada. En este material se propone el uso de herramientas en línea que Internet pone a nuestro alcance para crear y experimentar con músicas e ideas en el aula.
Un compromiso con la educación
Los conciertos escolares se celebran en el marco de eduCaixa, una plataforma que potencia el compromiso de “la Caixa” con la educación, los profesores, los alumnos y sus familias. Para abordar el reto pedagógico de convertir la representación en una experiencia lo más enriquecedora posible para el alumnado, “la Caixa” ofrece unos materiales didácticos con propuestas de trabajo multidisciplinar para realizar en el aula antes y después de la representación.
Ficha técnica del espectáculo Acábate la sopa
Guió y dirección artística: Anna Llopart
Dirección musical: Josep Maria Guix
Clarinete: Oriol Codina / Gener Salicrú
Violín: Aina Roigé/ Tania Mesa
Violonchelo: Olga Domínguez / Núria Galvañ
Piano: Maria Molet / Claudia Gómez
Coreografía: África Navarro
Arreglos musicales: Gregori Ferrer
Escenografía: Ricard Prat
Ayudante de escenografía: Pau Tebar
Vestuario y caracterización: Marta Rafa
Iluminación: Keith Yetton
Diseño de vídeo: Dslnc Motion & Interactivity
Diseño de sonido: Damien Bazin
Voz en off: Marta Rafa
Construcción de la escenografía: Artilugi, SL
PROGRAMA
Hanns Eisler – “Momento musical para clarinete solo”
Guillaume de Machaut* – “Je vivroie liement”
Steve Reich – “Clapping Music”
Simon & Garfunkel* – “Wednesday Morning, 3 A.M.”
Dimitri Shostakóvich – “Fuga núm. 5 en Re Major, Op. 87”
Philip Glass* – “String Quartet núm. 2, «Company»”(2n mov.)
Josep Maria Guix – “Haikus per a violoncel i piano” 1 i 2
• Las Jornadas se celebran en Córdoba entre los días 2 y 4 de abril y contarán con el Teatro Góngora como sede principal y el Gran Teatro de Córdoba albergará dos de los espectáculos programados.
• Asisten la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) Amaya de Miguel y la alcaldesa de la ciudad, Isabel Ambrosio
• Entre las actividades programadas, se celebrarán ponencias, talleres, paneles de debate y espectáculos y contarán con expertos nacionales e internacionales
2 de abril de 2019.- Bajo el lema “Creación artística y comunidad: rutas y complicidades” hoy se inaugura en Córdoba la XI edición de las Jornadas sobre la Inclusión Social y la Educación en las Artes Escénicas. Al acto de presentación asistirán la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) Amaya de Miguel y la alcaldesa de la ciudad, Isabel Ambrosio. La inauguración se celebrará a las 17:00 horas en el Teatro Góngora.
La ponencia de apertura correrá a cargo de la actriz y directora guatemalteca Patricia Orantes, titulada Más allá de la violencia: Colectivos que florecen y sanan en las artes escénicas. A continuación habrá un recorrido itinerante con acciones y espectáculos artísticos en el centro de la ciudad y a las 21:00 h se representará la obra Purgatorio, por el grupo de teatro italiano Babilonia Teatri, en el Gran Teatro de Córdoba.
Las actividades programadas se celebrarán en Córdoba los días 2, 3 y 4 de abril y cuentan con el Teatro Góngora como sede principal de las Jornadas y con el Gran Teatro de Córdoba que albergará dos de los espectáculos previstos, abiertos al público en general. También habrá actividades en otros recintos y lugares de la ciudad.
Durante dos días y medio se impartirán ponencias, se celebrarán talleres activos y teóricos, debates, encuentros profesionales y actividades en torno a las artes escénicas y musicales inclusivas, orientadas a los profesionales interesados de toda España. También podremos disfrutar de la muestra de un taller local “La Bugada” (la Colada) de Labuena Compañía, en la que participarán mujeres de Córdoba.
EL programa de esta nueva convocatoria de las Jornadas ha puesto especial atención en los contextos y condiciones que hacen, o no, posible que alguien con talento, capacidades y entusiasmo pueda participar de las artes escénicas comunitarias e inclusivas como una vía de emancipación e inserción laboral/social.
Las siete instituciones que se han unido para la organización de esta edición de 2019 son: el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura y Deporte; el Instituto Municipal de las Artes Escénicas Gran Teatro de Córdoba; la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Junta de Andalucía; la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública; el Ayuntamiento de A Coruña; el Ayuntamiento de Murcia y el British Council España.
Verónica Echegui, Alfonso Lara y Alberto Iglesias interpretan a los protagonistas
La adaptación escénica de La Strada, una película amarga y poética, obra clave en la filmografía de Federico Fellini, llega mañana viernes al Gran Teatro en una versión firmada por Gerard Vázquez y dirigida por Mario Gas. Verónica Echegui, Alfonso Lara y Alberto Iglesias son el trío protagonista de esta conmovedora historia de tres cómicos enfrentados a un destino trágico.
La película le valió al gran director italiano -y también autor del guión junto con Tulio Pinelli-el León de Plata del Festival de Venecia en 1954 y el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1956. Considerada la obra más lírica de su producción, Fellini afirmó que La Strada “es mi película más representativa, la más autobiográfica y la que más trabajo me costó realizar”. Ambientada en una Italia herida y en proceso de reconstrucción tras la Segunda Guerra Mundial, la historia cuenta como una inocente muchacha, Gelsomina, es vendida por su madre a un forzudo de circo bravucón y violento, Zampanó -en el escenario, el actor Alfonso Lara-, para que le ayude en su espectáculo ambulante. Poco a poco aflora entre ellos una especie de romance que no consigue fraguar por el orgullo y la incapacidad para amar de él y la timidez e inocencia de ella. Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación, desarraigo y miseria. Cuando entra en escena la figura de El Loco -interpretado por Alberto Iglesias-, un payaso risueño y soñador, el choque con su mundo poético precipitará la inevitable tragedia de los tres personajes.
“Creo firmemente en Fellini”, afirma con rotundidad Mario Gas. “ Es -explica- uno de los directores que te acompañan toda la vida, hagas cine o teatro, porque son iluminadores de tu imaginación, de tu compromiso, de tu intelecto, de tu manera de entender el arte y la vida”. Cuenta que no ha vuelto a ver la cinta desde su adolescencia “para no contaminarme” y, aunque ha intentado mantenerse muy fiel a ella, lo hace “siempre dentro de mis circunstancias, mi perspectiva y mi mirada”.
Los personajes de La Strada -interpretados en la gran pantalla por Giulieta Massina, Anthony Quinn y Richard Baseharteen-, dice el director teatral, “son sus peores enemigos: luchan por sobrevivir pero tienen un halo trágico del que ellos mismos no saben salir, y construyen una serie de anhelos y esperanzas que acabarán siendo truncados”. Volviendo a Fellini, considera que en la función hay tres elementos que definen el trabajo del cineasta italiano: “el neorrealismo, el mundo del circo y sus propias vivencias oníricas”.
Por otra parte, Gas destaca que el reparto de la obra no sólo ha superado sus expectativas, “sino que las ha superado”. Los tres actores, en su opinión, “materializan una elegía de esos sin nombre que viven, luchan y acaban pereciendo anímica o físicamente en el intento.”
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