La vida de Carmen Díez de Rivera fue tan excepcional que tiene paralelismos con las tragedias griegas como Antígona o Ariadna. Nacida en unas circunstancias familiares rocambolescas, dentro de lo más granado de la aristocracia española, renunció a los privilegios de clase y llegó a alcanzar un puesto que ninguna mujer ha desempeñado en este país: Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno. Y lo hizo en uno de los periodos más complejos e intensos de la Historia de España: la transición. Luchó contra todo y contra todos con un propósito firme: guiar a su país hacia la democracia. En el escenario, Carmen va desgranando los momentos álgidos de su intensa y desafiante carrera política mientras recuerda los episodios íntimos que marcaron su desdicha y su carácter.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Beatriz Argüello, Ana Fernández, Oriol Tarrasón, Víctor Massán
Diseño de escenografía: Beatriz San Juan
Diseño de vestuario: Paola de Diego
Diseño de iluminación: Juanjo Llorens
Diseño de sonido: Sergio Sánchez
Audiovisuales: Elvira Ruiz
Fotografía: Sergio Parra
Ayudante dirección: Sara Illán
Dirección: Fernando Soto

“Seis personajes en busca de autor” es una de las obras más paradigmáticas e influyentes del teatro del siglo XX. Gran parte de la dramaturgia contemporánea, ya sea de una forma consciente o no, se ve
atravesada por ella.

Siendo así, uno se siente tentado a excusarse y decir que sobra cualquier preámbulo. Nos basta con la constatación de que, cada cierto tiempo, inevitablemente, volvemos a ella. A sus preguntas, que nunca han sido contestadas y nunca lo serán.

Sinopsis
Estamos en el inicio de un ensayo, ya van llegando los actores y, poco después, el director. La actriz que siempre llega tarde, por supuesto, llega tarde. La obra que se disponen a ensayar es, curiosamente, de Luigi Pirandello: “El juego de los papeles”, una comedia en torno a un triángulo amoroso. Los actores, estoicamente, soportan el malhumor del director; el director, por su parte, no soporta a casi nadie, ni siquiera a Pirandello, y se muestra quisquilloso con todo y con todos. Hasta que el ensayo se ve interrumpido por una familia de seis individuos que declaran haber nacido personajes y esgrimen una pretensión imposible: que alguien represente su drama. De esa forma, la comedia se mezcla con la tragedia, la fantasía con la realidad y los personajes con los actores.

Reparto: Aiden Botia, Eva Egido, Ruth Gabriel, Nuria Gallardo, Ramón Langa, Chema León, Paula Muñoz, Disier Otaola, Montse Peidro, Fernando Ramallo, Jorge Torres, Lena Vega
Música: Miguel Linares
Composición de canciones: Uma Díaz
Adaptación y Dirección: Antonio Álamo
Dirección: Pepa Gamboa

Estreno Absoluto.

El rescate de este clásico teatral inglés, con estreno absoluto en Córdoba, profundiza en la idea de las relaciones interpersonales en la era digital y nos invita a reflexionar cómo hemos cambiado y qué lugar ocupa el amor y el deseo en nuestras dinámicas sociales. Nos descubrimos atrapados en soledad en una vorágine violenta de una vida reñída por el sin sentido: la muerte. Una obra que realiza una radiografía cruenta del ideal romántico y del instinto humano incansable por conectar con el otro. En esta versión de Closer se invita al público a mirar closer (más de cerca). Introduce una cámara en el escenario que nos ofrece una experiencia de cine en directo, donde la imagen audiovisual indaga en los detalles, en un punto de vista diferente que nos permita conocer la verdad de los personajes y, en definitiva, en crear una nueva dimensión, casi como un guiño a nuestras generaciones, acostumbradas ya a los continuos y numerosos estímulos a los que nos exponemos por las nuevas tecnologías.

“¿Por qué el amor no es suficiente?” Alice y Dan se conocen de manera accidental y surge el amor a primera vista. Anna fotografía a un autor llamado Dan que se obsesiona con ella. Larry conoce a una tal Anna por una de esas sex apps. Una chica joven llamada Alice se baja las bragas para Larry. Cuatro desconocidos en Londres se encuentran, se enamoran, se pierden, se desean, se mienten, se necesitan. Los desconocidos se convierten en amantes y los amantes en desconocidos. Nunca conoceremos a alguien lo suficiente. “¿Dónde está ese amor? No puedo verlo, no puedo tocarlo, no puedo sentirlo…”

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Eva Pedraza, Lola Jiménez, Miguel de Miguel, Rafa Puerto
Escenografía: Antiel Jiménez
Dirección de Fotografía: Álvaro Medina
Fotografía: María Cariñanos
Diseño gráfico: Alicia Céspedes
Sonido: Javi Medina
Asistencia de dirección: Antonio Jesús González
Dirección y Adaptación: Vicente Carlos Luque

Música Coral compuesta por mujeres desde la Edad Media a la actualidad.
CompositorAs es una travesía cronológica desde la misteriosa monodia medieval de Hildegard von Bingen a la dulce y luminosa polifonía de figuras del Barroco como Maddalena Casulana o Barbara Strozzim con una especial mención a Sor Juana Inés de la Cruz, hasta llegar a la plena rotundidad de compositoras modernas como Lili Boulanger, Amy Beach o Sally Bramish.

Coro Ziryab
Adriana Moreno (soprano), Aníbal Soriano (archilaúd y tiorba), Carmen Hidalgo (viola da gamba), Silvia Mkrchyan (piano)

Con la colaboración de Aquel Trovar

Dirección e idea original: Carlos Castiñeira

Programa

Hildegard von Bingen (1098-1179)
Ave Generosa  (Soprano y coro. Arreglo C. Castiñeira)

Maddalena Casulana (1544-1590)
Io d’odorate fronde  (Coro, tiorba y viola da gamba)

Barbara Strozzi (1619-1677)
Ché si puó fare  (Soprano, tiorba y viola da gamba)

Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695)
Madre, la de los primores (Coro, tiorba y viola da gamba)

Fanny Mendelssohn (1805-1847)
Abschied
Nacht liegt auf dem frenden Wegen
Waldruhe (Terceto vocal: SAT)

Clara Wieck (1819-1896)
Abendfeier in Venedig (Ave Maria)
Gondoliera

Cecil Chaminade (1857-1944)
Duo des Etoiles (Coro femenino)

Lili Boulanger (1893-1918)
Hymne au soleil

Amy Beach (1867-1944)
3 Choral Responses

Sally Beamish (1956 – )
In the Stillness

Con una puesta en escena sencilla, esencial y directa, arropados por unos pocos elementos e instrumentos musicales, el equipo actual de ronlaleros ofrece en escena una retrospectiva comprimida y esencial de los cuatro espectáculos que definieron su inimitable estilo y que la consolidaron como una de las compañías más premiadas y aclamadas por crítica y público: Mi misterio del interior, Mundo y final, Time al tiempo y Siglo de Oro, siglo de ahora. Cuatro espectáculos en uno, cuatro títulos que sirvieron para configurar un estilo propio de concebir el teatro y de definir, de forma muy personal, sus señas de identidad a lo largo de los años. 4X4 es una fiesta del humor crítico y cítrico. Ron Lalá en estado puro.

FICHA ARTÍSTICA:
Reparto: Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana, Daniel Rovalher
Creación Colectiva: Ron Lalá
Dramaturgia y letras: Álvaro Tato
Composición y arreglos: Yayo Cáceres, Juan Cañas, Miguel Magdalena, Daniel Rovalher
Vestuario: Tatiana de Sarabia
Escenografía: Ron Lalá y Tatiana de Sarabia
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Sastrería: Maribel RH
Fotografía y audiovisuales: David Ruiz
Dirección musical: Miguel Magdalena
Dirección: Yayo Cáceres

ESTRENO ABSOLUTO

El Gran Teatro de Córdoba se convierte en el escenario del estreno absoluto de Il Primo Uomo, un espectáculo multidisciplinar que revisita la esencia de los castrati, explorando sus múltiples facetas musicales y escénicas a través de un enfoque contemporáneo.

Este proyecto marca el esperado debut de Manuel Ruiz, contratenor cordobés de gran proyección, y reúne a destacados talentos artísticos como Carlos Mena y Antonio Ruz, en una propuesta innovadora que promete cautivar al público.

Manuel Ruiz interpretará una selección de arias barrocas de Scarlatti, Handel y Vivaldi, cuidadosamente escogidas en colaboración con el aclamado contratenor y director musical Carlos Mena. Estas obras han sido seleccionadas no solo por su virtuosismo vocal, sino también por su capacidad para capturar la complejidad de los roles que los castrati asumían en la ópera barroca. Las arias, que transitan entre la masculinidad heroica, la feminidad idealizada y un estado andrógino único, ofrecen al público una ventana al fascinante legado de estas voces que marcaron la historia de la música.

Antonio Ruz aporta al espectáculo su singular visión como coreógrafo, integrando música, danza y teatro en una narrativa que desafía las convenciones escénicas. Reconocido con el Premio Nacional de Danza 2018 por su capacidad para innovar y emocionar, Ruz traduce en movimiento las polaridades que caracterizaron a los castrati, reforzando el carácter
multidisciplinar y profundamente visual de Il Primo Uomo.

El diseño de vestuario, a cargo del granadino Pablo Árbol, añade una dimensión simbólica al espectáculo, enfatizando la transformación y la ambigüedad que definen a los personajes interpretados por Ruiz. Los contrastes entre lo humano y lo divino, entre lo tangible y lo sublime, se reflejan en una estética pensada para dialogar con la música y la coreografía,
creando una experiencia artística integral.

Mucho más que un recital, Il Primo Uomo se presenta como una experiencia sensorial completa, donde cada detalle está al servicio de una narrativa que une pasado y presente.
Manuel Ruiz, con su voz y presencia escénica, lidera un espectáculo que invita a redescubrir el impacto emocional y estético de los castrati.

Su debut en el Gran Teatro de Córdoba con esta obra supone uno de los hitos culturales más destacados de la temporada, una cita imprescindible para amantes de la música y las artes escénicas.

FICHA ARTÍSTICA
MANUEL RUIZ, contratenor
CARLOS MENA, dirección musical
ANTONIO RUZ, dirección de escena
PABLO ÁRBOL, diseño de vestuario
OLGA GARCÍA, diseño de iluminación

Una comedia de mujeres gitanas que luchan contra el racismo. Basada en la obra Lisístrata de Aristófanes.
Con una puesta en escena muy especial, inspirada en las vestimentas de las gitanas de principios del siglo XX, la obra hace un recorrido por parte de la historia del pueblo gitano para dar a conocer, de esta forma, alguno de los sucesos que han  provocado muchos de los estigmas que se le achacan a esta etnia.

Por la compañía Gitanas a escena

Esta compañía es un proyecto dirigido por la actriz, artista y escritora Coco Reyes que ha supuesto la formación de la primera Compañía de Teatro formada exclusivamente por mujeres gitanas, cuyo objetivo fundamental es mejorar su autoestima a través de su participación en un proyecto teatral social y con esto, mejorar su independencia, su capacidad personal y participación en la sociedad.

El desarrollo de Gitanas a Escena conlleva la formación artística de las mujeres participantes en la compañía, la preparación del estreno de una obra de teatro, la grabación de un documental y la consolidación del proyecto como una compañía estable.

Anita de Lois presenta su nuevo EP, Tell me, un álbum de cinco canciones creados por esta artista andaluza, referente del Neo Soul, un género que fusiona armonías de jazz con ritmos vibrantes y melodías inspiradoras. Anita busca una conexión profunda con su público, transformando en canciones poderosas e intimistas el repertorio de emociones cotidianas que nos definen. Además de las canciones del EP, interpretará varios temas inéditos junto a versiones destacadas de otros artistas del género.

FICHA ARTÍSTICA:
Anita de Lois, voz
Eduardo Navarro, teclados
José Romero, batería
Ahinara Egea, bajo y voz
Alberto Martín, trompeta
Alicia Hernández, coros

Repertorio
Tell Me (Anita de Lois)
False love (Anita de Lois)
Billie (Anita de Lois)
Sweet and burning love (Anita de Lois)
Suddenly (Anita de Lois)
Three days to war (Anita de Lois)
Black Sheep (Anita de Lois)
I know that I love you (Anita de Lois)
Just do it (Anita de Lois)
Sade (Anita de Lois)
Money (Anita de Lois)
Black coffee (standard de jazz)
Listen to your heart (Durand Jones & The Indications)
Tyrone (Erykah Badu)
Nothing burns like the cold (Snoh Aalegra)
Light my fire (versión Shirley Bassey)

Eduardo Navarro (pianista)
Natural de Huéscar (Granada) comienza sus estudios musicales a la edad de 9 años. Cursa los estudiossuperiores en interpretación de piano en el Real Conservatorio Superior de música Victoria Eugenia deGranada. Debido a su polivalencia, entra en la escena de Granada con Bandas como Funkdacion, RadioCrooner, The Jump Club entre otras. Ha trabajado en production Shows en lujosas compañías de crucero. Actualmente se encuentra en el último curso de sus estudios superiores en piano jazz en el Conservatorio Superior de Música de Málaga.

Jose Romero (batería)
Es un baterista granadino de amplia trayectoria, versátil y especializado en funk. Su estilo se caracteriza por un groove potente y preciso, adaptándose a géneros como jazz, rock y soul. Ha trabajado con numerosos artistas, consolidándose como uno de los referentes rítmicos en la escena musical de su ciudad.

Ahinara Egea (bajista y cantante)
Originaria de Almería, su viaje musical comenzó con un bajo en las manos y una voz que resonaba con el alma de R&B y soul. A lo largo de los años, Ahinara ha perfeccionado su arte, fusionando estos géneros con los ritmos vibrantes y enérgicos del Afrobeat, jazz y funk. Su dedicación la ha llevado a escenarios importantes con distintas agrupaciones en las que trabaja como Alonso, Akiba Afrobeat …

Alberto Martín (trompetista).
Alberto Martín, trompetista apasionado por la música de raíz, estilos como el Soul, el Jazz y la música latina. Con un profundo compromiso hacia estos géneros, ha desarrollado un estilo único que fusiona tradición y modernidad. Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas como Roko, Amparanoia, O’funk’illo, etc…

Alicia Hernández (cantante corista)
Cantante y corista, especializada en flamenco pop, pero con una versatilidad que le permite moverse con naturalidad en géneros como el soul y el r&b. Su pasión por la música la ha llevado a colaborar con grandes artistas, y actualmente es parte del equipo de coristas de Pitingo, Lya y Anita de Lois.

Antonio Álamo es el director y autor de este guion con el que ganó el Premio Autoría Teatral en la novena edición de los Premios Lorca Artes Escénicas de Andalucía (2023)

Sí a todo podría presentarse como un “thriller médico” que trata un tema duro (la enfermedad, la muerte) en tono de Carnaval de Cádiz, sin condescendencia, provocando la emoción y la risa en el público. Sí a todo es la historia de un amigo, de un actor. Escrita tras conocer la historia de ese amigo que tuvo que enfrentarse a una terrible enfermedad. Y quién mejor que ese amigo, quién mejor que ese actor para contarlo. Así Abel Mora, ese actor gaditano, afronta en este espectáculo, lleno de humor y música, su experiencia con la enfermedad.

FICHA ARTÍSTICA:

Interpretación: Abel Mora, Maka Rey
Letras de las canciones: Juan Manuel Braza Benítez, Juan Carlos Aragón, Abel Mora y Antonio Álamo
Espacio sonoro: Maka Rey
Espacio escénico: Antonio Álamo / Antonio Marín
Iluminación: Manuel Colchero / José Mende
Movimiento escénico: Juan Luis Matilla
Foto/Vídeo: Agustín Hurtado
Dirección y dramaturgia: Antonio Álamo

El bar nuestro de cada día es un monólogo musical en clave de humor, en el que se reivindican los bares, no solo como lugar de ocio, sino también como lugares de culto a la vida y a nosotros mismos. Con el teatro transformado en taberna, “Chipi”, camarero de “El bar nuestro de cada día” se ve obligado a cumplir la última voluntad del difunto “Malandro”, un asiduo cliente que ha preferido dejar una fiesta pagada en el bar a un entierro convencional de tanatorio. Chipi improvisa una ceremonia pagana para “Malandro” convirtiendo el velorio, tal como le pidió el difunto, en una fiesta para celebrar su vida en vez de llorar su muerte. Durante el espectáculo, entre anécdotas y canciones, nos va desgranando su vida y su historia, con sus luces y sus sombras. El público, convertido en parroquianos del bar, es también partícipe de esta fiesta sanadora que a través de la música, la palabra y el humor, nos reconcilia con la muerte y nos invita a disfrutar de la vida.

FICHA ARTÍSTICA:
Camarero: Antonio Romera “Chipi”
Banda: Javier Galiana de la Rosa (piano), Bernardo Parrilla (vientos), David León (percusiones)
Música: Javier Galiana de la Rosa y Antonio Romera “Chipi”
Diseño Técnico de sonido: Curro Ureba “Trafalgar Estudios”
Diseño y Técnico de Iluminación: Rafa Gómez
Escenografía: Libibirloque
Vestuario: Telita Confecciones
Autor: Antonio Romera “Chipi”

Reparto
Rocío Pérez ( Violeta Valéry), Leonardo Caimi (Alfredo Germont), José Antonio López (Giorgio Germont), Carmen Serrano (Annina), David Sánchez (Dottore Grenvil), Cristina del Barrio (Flora Berboix), Luis Pacetti (Gastone), Pablo López (Barón Douphol), Andrés Merino (Marqués D’Obigny)

Ballet
Orquesta de Córdoba
Coro de Ópera de Córdoba (Director del Coro, Alejandro Muñoz)

Diseño de escenografía vestuario: Jesús Ruiz
Coordinación Ballet: Lola Pérez
Dirección de escena: Francisco López
Dirección musical: Salvador Vázquez

Producción Escénica del Teatro Villamarta de Jerez
Producción Musical del IMAE Gran Teatro de Córdoba

Una madre de película es un monólogo que habla sobre el nido vacío, ese irremediable y temido momento en que los hijos echan a volar y a las madres y padres les toca lidiar con una ausencia y unos miedos que la presencia de sus retoños había desdibujado.

Eva María recibe un audio de Nicolás, su único hijo: debe entrar en su habitación y buscar en el cajón superior izquierdo de su mesa de trabajo una carpeta roja que contiene un documento que necesita con urgencia. Urgente es “ya, ahora, sin perder un instante, mamá”. Para abrir el cajón necesita la clave del candado. Eso es todo: cajón, clave, carpeta roja, saca documento. Le hace una foto con el móvil y se la envía. Después, vuelve a desandar el camino, mete documento, carpeta roja, clave, cajón y sale de su dormitorio. Nicolás es extremadamente celoso de su intimidad y le advierte de que no caiga en la humana (y especialmente maternal) tentación de hurgar en sus enseres. Eva María promete a su hijo cumplir a rajatabla su cometido, pero una vez inmersa en el encargo… ¿Quién está libre de pecado? El recuerdo de su vida y la visión de ese provocador nido vacío harán deslizarse a María por una divertida espiral, transformando su cotidiana realidad en una auténtica aventura de película.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Toni Acosta

Diseño Escenografía: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (EstudioDeDos)

Espacio Sonoro y Música: Nicolás Fischtel

Vestuario: La leona alegre

Dirección: Juan Carlos Rubio

Una Producción de Pentación Espectáculos, Leona Madre y La Alegría Producciones

 De la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Calderón de la Barca sabía perfectamente del gran poder del teatro para crear imaginarios hasta ese momento desconocidos. Hijo de la Contrarreforma tenía que satisfacer las necesidades dogmáticas que la Iglesia de su tiempo imponía.

El genio creador de Calderón intentó en innumerables ocasiones conjugar su obediencia a esos principios dogmáticos con elementos que elevasen la consciencia de sus espectadores a espacios más allá de la obediencia ciega y les permitiesen amplias cotas de reflexión, abrazando la humanidad sin distinciones.

El gran teatro del mundo es una obra paradigmática en ese sentido. En ella se conjuga un imaginario escénico inédito en su tiempo y una versificación de una extraordinaria belleza con unas reflexiones espirituales y filosóficas de gran profundidad que proponían a los espectadores del siglo XVII y a nosotros mismos amplias cotas de reflexión sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan.

Por todo ello, El gran teatro del mundo sigue siendo una de las más importantes producciones teatrales del Siglo de Oro.

Lluís Homar

Reparto: Clara Altarriba, Pablo Chaves, Malena Casado, Antonio Comas, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Jorge Merino,  Aisa Pérez, Chupi Llorente, Pablo Sánchez
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Voz y palabra: Vicente Fuentes
Composición y Dirección musical: Xavier Albertí
Dirección: Lluís Homar

Si hay algo que pueda definir la singularidad creativa de María Pagés es, sin duda, su arraigado sentido ético de la cultura. María crea porque está convencida de que el arte lleva en su esencia y en la emoción que lo produce, un profundo compromiso con la vida y con la memoria cultural. Desde la perspectiva de un personaje colectivo, De Sheherezade relata la intrahistoria sentimental de las mujeres. Lo hace sin subterfugios, ni dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construídas por los tópicos. Los personajes que recorren las venas íntimas de De Sheherazade, y los mitos que la sustentan, sirven de base filosófica a esta coreografía femenina. Las mujeres sheheradianas son las amas de casa, las que salen corriendo de la oficina para recoger a los niños, las creadoras, las obreras, las investigadoras… que reinventan continuamente el mundo con su inteligencia sensible y esfuerzo. Esta  De Sheherazade empieza cuando termina el cuento de Las Mil y una noches. En el relato pagesiano el personaje asume la invención para transformar el mundo. La narración no acaba como la tradición lo cuenta. Poderosamente flamenco, este relato quiere restituir el principio femenino y asumirlo como parte fundamental de la naturaleza humana.

FICHA ARTÍSTICA:

Bailaora: María Pagés
Bailaoras: Julia Gimeno, Alicia de Castro, Almudena Roca, Ariana López, Nuria Díez, Raquel Guillén, Marina Madiedo, Adriana Gómez
Cantaoras: Ana Ramón Muñoz, Cristina Pedrosa
Guitarras: Rubén Levaniegos, Isaac Muñoz
Violín: David Moñiz
Cello: Sergio Menem
Percusión: Txema Uriarte
Coreografía, diseño de vestuario, dirección musical: María Pagés
Dramaturgia, textos y letras: El Arbi El Harti
Composición musical: Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David Moñiz, María Pagés
Diseño de iluminación: Olga García
Escenografia: María Pagés y El Arbi El Harti
Dirección: María Pagés y El Arbi El Harti

La bailarina y coreógrafa cordobesa, Marta Gálvez, presenta en su ciudad su primer trabajo en solitario: Dama de Noche, un viaje en el que, a través de la oscuridad y las sombras de la noche, nos mostrará el proceso de transformación que sufre esta flor. La artista nos invita a viajar desde el crepúsculo que da comienzo al bello proceso de florecer, transitando todas las etapas que se circunscriben en torno a este fenómeno, como son la maduración, la polinización o el surgir de los frutos que adornarán de rojo y púrpura la opacidad de la noche. Se irán sucediendo escenas creadas a partir de los diferentes lenguajes de la danza española, desde la búsqueda de la belleza a través de la exploración estilística de la escuela bolera hasta el juego de estructuras que se llevará a cabo en las partes más flamencas. Todo ello nos guiará hacia el cierre de la flor, como metáfora cíclica de un nuevo comienzo.

FICHA ARTÍSTICA:

Baile: Marta Gálvez
Guitarra: José Almarcha
Voz: David Lagos
Cello, voz y percusión: Isidora O’Ryan
Dramaturgia: Marta Gálvez (asesor El Arbi El Harti)
Coreógrafos invitados: La Venidera
Asesores coreográficos y visión externa: David Coria y Juan Carlos Avecilla
Música: David Lagos, José Almarcha e Isidora O’Ryan
Diseño de iluminación: Dominique You
Diseño de vestuario: Yaiza Pinillos y Marta Gálvez
Asistencia dirección: María Pagés
Dirección y Coreografía: Marta Gálvez

De Rainer Werner Fassbinder.

 Las amargas lágrimas de Petra von Kant, escrita febrilmente durante un vuelo entre Berlín y los Ángeles y estrenada en 1971, pertenece al periodo más brillante de Fassbinder. Esta obra de teatro fue elogiada por la crítica internacional por su estilizado retrato del desamor romántico en un universo puramente femenino. El dramaturgo alemán, que revitalizó la herencia brechtiana con el melodrama norteamericano, despliega toda la artillería para hablarnos de la soledad y la dominación en esta historia de amor sáfico que cree en las elipsis y los silencios. Rakel Camacho versiona, con un pulso renovador cargado de imágenes, este clásico del repertorio europeo sobre las relaciones de poder, la obsesión enfermiza y la necesidad tóxica de vernos aceptados en los ojos de los demás.

Petra von Kant, una exitosa diseñadora que acaba de separarse de su segundo marido, vive con su secretaria Marlene, ayudante y casi esclava. Cuando una de sus mejores amigas le presenta a Karin, una joven oportunista de orígenes humildes, Petra se enamora perdidamente de ella y promete convertirla en una modelo internacional. Las dos mujeres comienzan entonces una tormentosa relación.

FICHA ARTÍSTICA:
Reparto: Ana Torrent, Aura Garrido, Celia Freijero, Julia Monje, María Luisa San José
Diseño de iluminación: Mariano Polo
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro
Diseño de cartel y fotografía: Javier Naval
Dirección: Rakel Camacho

Héctor y Berna son un matrimonio sin hijos, que a lo largo de su vida han reunído una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que la colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá él mismo un examinador, si es que no una pieza de la colección. Es La colección una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: José Sacristán, Ana Marzoa,Ignacio Jiménez, Zaira Montes
Diseño de escenografía: Alessio Meloni
Diseño de Vestuario: Vanessa Actif
Diseño de iluminación: Juan Gómez Coprnejo
Música: Jaume Manresa
Ayudante de dirección: Ana Barceló
Dirección: Juan Mayorga

Si adquiriste entradas para el concierto aplazado del 11 de octubre de 2024, éstas serán válidas.

En el mágico cruce de las artes, Miguel Poveda emprende un nuevo viaje sonoro junto al guitarrista Jesús Guerrero para dar vida a los evocadores textos del libro Poema del cante Jondo de Federico García Lorca. Ambos han conseguido crear uno de los mejores discos de flamenco de los últimos años, donde se muestra al Miguel más cantaor que nunca interpretando de manera magistral los textos de su amado y admirado Federico. En cada compás, el álbum revela una cuidadosa amalgama de la rica herencia del cante jondo y la poesía profunda de Federico.

La guitarra de Jesús Guerrero, oriundo de San Fernando, añade una dimensión única, ofreciendo un acompañamiento «flamenquísimo» y que hace las delicias de todo aficionado a la música flamenca. Poema del Cante Jondo no solo es un álbum musical sino un encuentro íntimo con las raíces del flamenco y el amor que cada uno de los protagonistas del álbum han puesto en él a lo largo de sus vidas, a través del cante, la guitarra, percusión, palmas y como no, de la poesía. A este le acompaña una gira junto al maestro Jesús Guerrero donde no solo interpretan el flamenco con maestría, sino que también se sumergen en la esencia lírica de Federico, dando vida a las palabras del poeta a través de su inconfundible voz y volviendo a la esencia más pura y desnuda del estío que lo vio nacer.

Esta fusión de la poesía lorquiana más telúrica y flamenca con la expresividad del cante y la guitarra de estos dos artistas, crea una experiencia única donde la intensidad emocional del cante jondo se entrelaza con las profundas reflexiones de Lorca sobre el alma del flamenco. La gira se convierte así en un encuentro íntimo donde el flamenco más auténtico es el protagonista junto con la riqueza cultural de todos los ingredientes que lo conforman, no dejando a nadie indiferente.

Ahora que Tricicle se toma un descanso indefinido, Carles Sans, después de cuarenta años en silencio, aprovecha en «Por fin solo» para hablar de ocurrentes y divertidas anécdotas profesionales, además de personales, que han sido vividas durante este periodo. Confesiones tan sorprendentes como que antes de convencer a sus socios de formar una compañía, se interesó por sus parejas (las parejas de ellos), o sobre cómo consiguió superar su última colonoscopia mientras la doctora le hablaba de Tricicle. Nos explica también la primera vez que sus padres lo vieron actuar con Joan y Paco en un café-teatro de Barcelona, o cuando les lamieron la oreja cuando estuvieron en Japón, y del memorable ridículo que hizo en un jumbo cuando tenía pánico a volar. Este es el espectáculo que todos los seguidores de Tricicle querrán ver porque se explican los secretos de una compañía muy querida que ha hecho récord de público allí donde ha ido. Por fin solo aparece en el momento más oportuno como si se tratara de un “making of” de la vida de Tricicle.

Es un espectáculo basado en hechos reales que hará reír a aquellos que quieran saber más de una compañía que, según se ha dicho, forma parte de la memoria emocional de nuestro país. Por fin solo no es únicamente un monólogo. Es un espectáculo que combina qué se dice y cómo se dice, a través del gesto y la palabra de Carles Sans, el cual perfila una galería de divertidos y entrañables personajes, de forma que consigue una fantástica empatía entre actor y espectadores. Su expresividad gestual y sus historias harán disfrutar a los “tricicleros”, porque descubrirán vivencias muy divertidas que todavía nadie conoce.

FICHA ARTÍSTICA:

Actor: Carles Sans
Guion: Carles Sans
Fotos: Elena Infante
Diseño Gráfico: Maxianplanet.com
Técnico iluminación y sonido: Ricard Pons
Dirección: José Corbacho y Carles Sans

A partir del capítulo XIV de Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes

Un hombre ha aparecido muerto: Grisóstomo. Una mujer ha sido acusada de su muerte: Marcela. Los pastores sospechan de Marcela. No les gusta su hermosura, ni su orgullo. Estamos en 1605 y todos creen que merece un castigo. Pero Marcela no acata la norma y habla en su propia defensa. Marcela es uno de los personajes más célebres de Cervantes. En pleno arranque del siglo XVII, uno de los autores más importantes de la literatura universal, fue capaz de captar y transmitir de manera poética y contundente algo tan intrísico a la experiencia de ser mujer en un contexto patriarcal. De la mano de tres creadoras actuales, descubriremos los muchos fuegos que iluminan este mito. Marcela nos invita a reflexionar sobre el amor, el poder y el miedo radical a la mujer libre.

FICHA ARTÍSTICA:

Interpretación: Celia Freijeiro
Voz en Off Quijote: Luis María Ansón
Diseño de espacio escénico: Pablo Chaves
Diseño de iluminación: Lola Barroso
Ayudante de iluminación: Elena Alejandre
Diseño de vestuario: Marta Murillo
Diseño de sonido: Pablo Martínez
Dirección: Leticia Dolera

Los lunes al sol nos muestra, de manera realista y conmovedora, las luchas diarias, la frustración y la desesperanza que nos encontramos al intentar encontrar trabajo en un mercado laboral competitivo y en constante cambio. Cómo la falta de oportunidades y la presión social afectan las relaciones personales, la autoestima y la esperanza de un futuro mejor. Los lunes al sol es una poderosa reflexión sobre cómo las circunstancias económicas pueden moldear la identidad y las relaciones humanas. Através de su narrativa sincera, nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Yune Nogueiras, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez, Lidia Navarro
Voz en off: Pepa Pedroche
Diseño de vestuario: Elda Noriega
Música y espacio sonoro: Álvaro Renedo Cabeza
Diseño de escenografía: Ricardo S. Cuerda
Diseño Iluminación: Juan Gómez-Cornejo eIon Anibal
Adaptación: Ignacio del Moral y Javier Hernández-Simón
Ayudante de dirección: Jon Ander Ribote
Dirección: Javier Hernández-Simón