De la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Calderón de la Barca sabía perfectamente del gran poder del teatro para crear imaginarios hasta ese momento desconocidos. Hijo de la Contrarreforma tenía que satisfacer las necesidades dogmáticas que la Iglesia de su tiempo imponía.

El genio creador de Calderón intentó en innumerables ocasiones conjugar su obediencia a esos principios dogmáticos con elementos que elevasen la consciencia de sus espectadores a espacios más allá de la obediencia ciega y les permitiesen amplias cotas de reflexión, abrazando la humanidad sin distinciones.

El gran teatro del mundo es una obra paradigmática en ese sentido. En ella se conjuga un imaginario escénico inédito en su tiempo y una versificación de una extraordinaria belleza con unas reflexiones espirituales y filosóficas de gran profundidad que proponían a los espectadores del siglo XVII y a nosotros mismos amplias cotas de reflexión sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan.

Por todo ello, El gran teatro del mundo sigue siendo una de las más importantes producciones teatrales del Siglo de Oro.

Lluís Homar

Reparto: Clara Altarriba, José Luis Verguizas, Malena Casado, Antonio Comas, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Jorge Merino,  Aisa Pérez, Chupi Llorente, Pablo Sánchez
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Voz y palabra: Vicente Fuentes
Composición y Dirección musical: Xavier Albertí
Dirección: Lluís Homar

Función Accesible (Día 28-03-2025) recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

Si hay algo que pueda definir la singularidad creativa de María Pagés es, sin duda, su arraigado sentido ético de la cultura. María crea porque está convencida de que el arte lleva en su esencia y en la emoción que lo produce, un profundo compromiso con la vida y con la memoria cultural. Desde la perspectiva de un personaje colectivo, De Sheherezade relata la intrahistoria sentimental de las mujeres. Lo hace sin subterfugios, ni dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construídas por los tópicos. Los personajes que recorren las venas íntimas de De Sheherazade, y los mitos que la sustentan, sirven de base filosófica a esta coreografía femenina. Las mujeres sheheradianas son las amas de casa, las que salen corriendo de la oficina para recoger a los niños, las creadoras, las obreras, las investigadoras… que reinventan continuamente el mundo con su inteligencia sensible y esfuerzo. Esta  De Sheherazade empieza cuando termina el cuento de Las Mil y una noches. En el relato pagesiano el personaje asume la invención para transformar el mundo. La narración no acaba como la tradición lo cuenta. Poderosamente flamenco, este relato quiere restituir el principio femenino y asumirlo como parte fundamental de la naturaleza humana.

FICHA ARTÍSTICA:

Bailaora: María Pagés
Bailaoras: Julia Gimeno, Alicia de Castro, Almudena Roca, Ariana López, Marta Gálvez, Raquel Guillén, Marina Madiedo, Natalia Preisig
Cantaoras: Ana Ramón Muñoz, Cristina Pedrosa
Guitarras: Rubén Levaniegos, Isaac Muñoz
Violín: Graci del Saz
Cello: Sergio Menem
Percusión: Txema Uriarte
Coreografía, diseño de vestuario, dirección musical: María Pagés
Dramaturgia, textos y letras: El Arbi El Harti
Composición musical: Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David Moñiz, María Pagés
Diseño de iluminación: Olga García
Escenografia: María Pagés y El Arbi El Harti
Dirección: María Pagés y El Arbi El Harti

La bailarina y coreógrafa cordobesa, Marta Gálvez, presenta en su ciudad su primer trabajo en solitario: Dama de Noche, un viaje en el que, a través de la oscuridad y las sombras de la noche, nos mostrará el proceso de transformación que sufre esta flor. La artista nos invita a viajar desde el crepúsculo que da comienzo al bello proceso de florecer, transitando todas las etapas que se circunscriben en torno a este fenómeno, como son la maduración, la polinización o el surgir de los frutos que adornarán de rojo y púrpura la opacidad de la noche. Se irán sucediendo escenas creadas a partir de los diferentes lenguajes de la danza española, desde la búsqueda de la belleza a través de la exploración estilística de la escuela bolera hasta el juego de estructuras que se llevará a cabo en las partes más flamencas. Todo ello nos guiará hacia el cierre de la flor, como metáfora cíclica de un nuevo comienzo.

FICHA ARTÍSTICA:

Baile: Marta Gálvez
Guitarra: José Almarcha
Cante: David Lagos
Cello, voz y percusión: Isidora O’Ryan
Dramaturgia: Marta Gálvez
Colaboración coreográfica: La Venidera
Asesor coreográfico y visión externa:  Juan Carlos Avecilla
Música: José Almarcha,  Isidora O’Ryan, Marta Gálvez y Juan Carlos Avecilla
Letras: David Lagos y Marta Gálvez
Diseño de iluminación: Dominique You
Diseño de vestuario: Belén de la Quintana y Marta Gálvez
Sonido: Chipi Cacheda
Producción: Marta Gálvez
Dirección y Coreografía: Marta Gálvez

Agradecimientos a María Pagés y a El Arbi El Harti por ser mis compañeros de viaje en la construcción de la dramaturgia y la dirección coreográfica y escénica de Dama de noche y haberlo hecho desde la vocación generosa de apoyarme en mi reto creativo y la consciencia de que la transmisión de conocimiento y de la buena energía solo se hace desde le respeto y el cariño»

De Rainer Werner Fassbinder.

 Las amargas lágrimas de Petra von Kant, escrita febrilmente durante un vuelo entre Berlín y los Ángeles y estrenada en 1971, pertenece al periodo más brillante de Fassbinder. Esta obra de teatro fue elogiada por la crítica internacional por su estilizado retrato del desamor romántico en un universo puramente femenino. El dramaturgo alemán, que revitalizó la herencia brechtiana con el melodrama norteamericano, despliega toda la artillería para hablarnos de la soledad y la dominación en esta historia de amor sáfico que cree en las elipsis y los silencios. Rakel Camacho versiona, con un pulso renovador cargado de imágenes, este clásico del repertorio europeo sobre las relaciones de poder, la obsesión enfermiza y la necesidad tóxica de vernos aceptados en los ojos de los demás.

Petra von Kant, una exitosa diseñadora que acaba de separarse de su segundo marido, vive con su secretaria Marlene, ayudante y casi esclava. Cuando una de sus mejores amigas le presenta a Karin, una joven oportunista de orígenes humildes, Petra se enamora perdidamente de ella y promete convertirla en una modelo internacional. Las dos mujeres comienzan entonces una tormentosa relación.

FICHA ARTÍSTICA:
Reparto: Ana Torrent, Aura Garrido, Celia Freijero, Julia Monje, María Luisa San José
Diseño de iluminación: Mariano Polo
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro
Diseño de cartel y fotografía: Javier Naval
Dirección: Rakel Camacho

Si adquiriste entradas para el concierto aplazado del 11 de octubre de 2024, éstas serán válidas.

En el mágico cruce de las artes, Miguel Poveda emprende un nuevo viaje sonoro junto al guitarrista Jesús Guerrero para dar vida a los evocadores textos del libro Poema del cante Jondo de Federico García Lorca. Ambos han conseguido crear uno de los mejores discos de flamenco de los últimos años, donde se muestra al Miguel más cantaor que nunca interpretando de manera magistral los textos de su amado y admirado Federico. En cada compás, el álbum revela una cuidadosa amalgama de la rica herencia del cante jondo y la poesía profunda de Federico.

La guitarra de Jesús Guerrero, oriundo de San Fernando, añade una dimensión única, ofreciendo un acompañamiento «flamenquísimo» y que hace las delicias de todo aficionado a la música flamenca. Poema del Cante Jondo no solo es un álbum musical sino un encuentro íntimo con las raíces del flamenco y el amor que cada uno de los protagonistas del álbum han puesto en él a lo largo de sus vidas, a través del cante, la guitarra, percusión, palmas y como no, de la poesía. A este le acompaña una gira junto al maestro Jesús Guerrero donde no solo interpretan el flamenco con maestría, sino que también se sumergen en la esencia lírica de Federico, dando vida a las palabras del poeta a través de su inconfundible voz y volviendo a la esencia más pura y desnuda del estío que lo vio nacer.

Esta fusión de la poesía lorquiana más telúrica y flamenca con la expresividad del cante y la guitarra de estos dos artistas, crea una experiencia única donde la intensidad emocional del cante jondo se entrelaza con las profundas reflexiones de Lorca sobre el alma del flamenco. La gira se convierte así en un encuentro íntimo donde el flamenco más auténtico es el protagonista junto con la riqueza cultural de todos los ingredientes que lo conforman, no dejando a nadie indiferente.

Ahora que Tricicle se toma un descanso indefinido, Carles Sans, después de cuarenta años en silencio, aprovecha en «Por fin solo» para hablar de ocurrentes y divertidas anécdotas profesionales, además de personales, que han sido vividas durante este periodo. Confesiones tan sorprendentes como que antes de convencer a sus socios de formar una compañía, se interesó por sus parejas (las parejas de ellos), o sobre cómo consiguió superar su última colonoscopia mientras la doctora le hablaba de Tricicle. Nos explica también la primera vez que sus padres lo vieron actuar con Joan y Paco en un café-teatro de Barcelona, o cuando les lamieron la oreja cuando estuvieron en Japón, y del memorable ridículo que hizo en un jumbo cuando tenía pánico a volar. Este es el espectáculo que todos los seguidores de Tricicle querrán ver porque se explican los secretos de una compañía muy querida que ha hecho récord de público allí donde ha ido. Por fin solo aparece en el momento más oportuno como si se tratara de un “making of” de la vida de Tricicle.

Es un espectáculo basado en hechos reales que hará reír a aquellos que quieran saber más de una compañía que, según se ha dicho, forma parte de la memoria emocional de nuestro país. Por fin solo no es únicamente un monólogo. Es un espectáculo que combina qué se dice y cómo se dice, a través del gesto y la palabra de Carles Sans, el cual perfila una galería de divertidos y entrañables personajes, de forma que consigue una fantástica empatía entre actor y espectadores. Su expresividad gestual y sus historias harán disfrutar a los “tricicleros”, porque descubrirán vivencias muy divertidas que todavía nadie conoce.

FICHA ARTÍSTICA:

Actor: Carles Sans
Guion: Carles Sans
Fotos: Elena Infante
Diseño Gráfico: Maxianplanet.com
Técnico iluminación y sonido: Ricard Pons
Dirección: José Corbacho y Carles Sans

A partir del capítulo XIV de Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes

Un hombre ha aparecido muerto: Grisóstomo. Una mujer ha sido acusada de su muerte: Marcela. Los pastores sospechan de Marcela. No les gusta su hermosura, ni su orgullo. Estamos en 1605 y todos creen que merece un castigo. Pero Marcela no acata la norma y habla en su propia defensa. Marcela es uno de los personajes más célebres de Cervantes. En pleno arranque del siglo XVII, uno de los autores más importantes de la literatura universal, fue capaz de captar y transmitir de manera poética y contundente algo tan intrísico a la experiencia de ser mujer en un contexto patriarcal. De la mano de tres creadoras actuales, descubriremos los muchos fuegos que iluminan este mito. Marcela nos invita a reflexionar sobre el amor, el poder y el miedo radical a la mujer libre.

FICHA ARTÍSTICA:

Interpretación: Celia Freijeiro
Voz en Off Quijote: Luis María Ansón
Diseño de espacio escénico: Pablo Chaves
Diseño de iluminación: Lola Barroso
Ayudante de iluminación: Elena Alejandre
Diseño de vestuario: Marta Murillo
Diseño de sonido: Pablo Martínez
Dirección: Leticia Dolera

Los lunes al sol nos muestra, de manera realista y conmovedora, las luchas diarias, la frustración y la desesperanza que nos encontramos al intentar encontrar trabajo en un mercado laboral competitivo y en constante cambio. Cómo la falta de oportunidades y la presión social afectan las relaciones personales, la autoestima y la esperanza de un futuro mejor. Los lunes al sol es una poderosa reflexión sobre cómo las circunstancias económicas pueden moldear la identidad y las relaciones humanas. Através de su narrativa sincera, nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Yune Nogueiras, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez, Lidia Navarro
Voz en off: Pepa Pedroche
Diseño de vestuario: Elda Noriega
Música y espacio sonoro: Álvaro Renedo Cabeza
Diseño de escenografía: Ricardo S. Cuerda
Diseño Iluminación: Juan Gómez-Cornejo eIon Anibal
Adaptación: Ignacio del Moral y Javier Hernández-Simón
Ayudante de dirección: Jon Ander Ribote
Dirección: Javier Hernández-Simón