ESTRENO ABSOLUTO

Trápala, cuyo primer montaje, un Edipo Rey, de Sófocles, data de 1974, puede presumir de ser la Compañía Teatral más antigua de Córdoba. Una antigüedad conseguida con profesionalidad entendida esta no solamente como dedicación plena, sino como rigor en el tratamiento de los textos para llevarlos a un público en su más puro y genuino sentido. Desde entonces la compañía ha montado más de cuarenta títulos y ha tocado prácticamente todos los géneros teatrales, desde la tragedia griega hasta el musical, pasando por la comedia, la farsa, el teatro de vanguardia o el más puro drama naturalista.

En 2024, Trápala, celebra su 50 Aniversario y lo hará sobre las tablas del Gran Teatro con un espectáculo creado para la ocasión, “Trápala 5.0”, un espectáculo con historia pero, sobre todo, con alma. Con una dramaturgia que nos recuerde quienes fueron, quienes son y quienes serán. Con la ambición de mostrar trocitos de su historia y de nuestra ciudad, se darán cita en el espectáculo los títulos más emblemáticos de la compañía.

Reparto: Francisco Montero, Juan Carlos Villanueva, Rafael Montero, Carlos Castro, Nieves Palma, Belén Benítez, Marina Castro, Bartolomé García, Carmen Caballero, Mercedes Tirado, Francis de Haro, Marisol Membrillo, Ana Risquez, Ana Castillo, Isabel López, Mario Mouriño

Cante: David Pino

Guitarra: Alfonso Linares

Coro de Ópera de Córdoba

Camerata Gala

Escenografía: M. Ángel Montero

Vestuario: Trápala Teatro – Enrique García

Sonido, iluminación y multimedia: Miguel Ángel Ramos – Arco Visuales

Música Original: Francisco Javier de Haro

Dramaturgia: Juan Carlos Villanueva y Carlos Castro

Dirección Musical: Alejandro Muñoz

Dirección de Escena: Juan Carlos Villanueva

Programa:

F. Schubert   Sonata in A minor op. 42 D845

Schumann Davidsbündlertänze op. 6

Liszt/Volodos Hungarian Rhapsody n. 13 in A minor, S. 244/13

Arcadi Volodos

Nacido en San Petersburgo en 1972, Arcadi Volodos empezó sus estudios musicales recibiendo clases de canto y dirección. No empezó a formarse más seriamente como pianista hasta 1987, en el Conservatorio de San Petersburgo, antes de recibir formación avanzada en el Conservatorio de Moscú, impartida por Galina Egiazarova, en París y en Madrid.

Desde su debut en Nueva York en 1996, Volodos ha actuado por todo el mundo en recitales y con las orquestas y directores más reconocidos. Entre otros, ha trabajado con la Filarmónica de Berlín, Orquesta Filarmónica de Israel, London Philharmonia Orchestra, Orquestas Filarmónicas de Munich y Nueva York, Orquesta Real del Concertgebouw, Orquesta Estatal Sajona de Dresde, Orquesta de París, Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Orquestas Sinfónicas de Boston y Chicago. Por otra parte, ha colaborado con directores como Myung-Whun Chung, Lorin Maazel, Valery Gergiev, James Levine, Zubin Mehta, Seji Ozawa, Jukka-Pekka Saraste, Paavo Järvi, Christoph Eschenbach, Semyon Bychov y Riccardo Chailly.

Los recitales de piano tienen un papel principal en la vida artística de Volodos desde que empezó su carrera. Su repertorio incluye obras destacadas de Schubert, Schumann, Brahms, Beethoven, Liszt, Rachmaninoff, Scriabin, Prokofiev y Ravel junto a piezas menos interpretadas de Mompou, Lecuona y de Falla.

Volodos es invitado frecuentemente a los auditorios más pretigiosos de Europa. La temporada de 2023 incluyó actuaciones en la Filarmónica de París, Concertgebouw de Ámsterdam, Konzerthaus en Viena, Flagey Studio 4 en Bruselas, Auditorio Nacional en Madrid, Fundación Gulbenkian en Lisboa, Konzerthuset en Estocolmo, junto con su participación en el Festival La Roque d´Anthéron, Klavier Festival Ruhr y Festival de Salzburgo.

Desde su recital de debut, ganador del premio Gramophone en el Carnegie Hall de Nueva York y posteriormente publicado por Sony Classical en 1999, Arcadi Volodos ha grabado una serie de álbumes aclamados por la crítica. Estos incluyen interpretaciones reveladoras de sonatas de Schubert y las obras de solista de Rachmaninoff; actuaciones en directo con la Filarmónica de Berlín del Tercer Concierto de Piano de Rachmaninoff, dirigido por James Levine; y el Primer Concierto de Piano de Tchaikovsky, dirigido por Seiji Ozawa. El álbum Volodos Plays Liszt, lanzado en 2007, fue galardonado con múltiples premios, mientras que su recital en el Musikverein de 2010 se lanzó en CD y DVD, siendo de gran aclamo internacional. Su álbum en solitario Volodos Plays Mompou en 2013, dedicado a obras del compositor español Frederic Mompou, recibió un premio Gramophone y el Echo-Preis.

Volodos Plays Brahms es su última grabación publicada en abril de 2017, un álbum de trece piezas de piano de Johannes Brahms, incluyendo Opus 117 y 118 y una selección de op. 76. Considerado inmediatamente álbum de referencia en el mundo de la música, éste fue galardonado con el Premio Edisson Classical en 2017, el Diapason d’ Or y, recientemente, con el prestigioso Premio Gramophone en 2018, como mejor grabación instrumental del año. En octubre de 2019, Sony Classical lanzó su última grabación, Volodos Plays Schubert, en la que se incluye la Sonata D959 y los Minuetos D334, D335 y D600, recibió el Premio Edisson Classical (2020) en la categoría Solo Instrumental.

De Santiago Sánchez y Víctor Lucas

Melomans es un grupo vocal y teatral creado en 2010 por cuatro jóvenes artistas valencianos. Sin más instrumentos que sus propias voces y con el humor como sello distintivo, Melomans se ha convertido en un referente de la música a capela en España. “Libre” es su nuevo espectáculo de teatro musical. El homenaje más original al cantante más grande: la historia de Nino Bravo. Melomans nos lleva de viaje por su vida y sus canciones. Y lo hace con su particular y desenfadado sentido del humor. Un recorrido entre anécdotas de su carrera para descubrir su lado más personal y divertido. “Libre” es una revisión de sus 60 canciones en un estilo a capela moderno y actualizado con nuevas técnicas musicales en directo como bucles, secuenciaciones y otros efectos sorprendentes.

Melomans: Edu Escarti, Gonzalo Manglano, Javi Reig, Pau Ferrer

Idea original: Melomans, Santiago Sánchez, Víctor Lucas
Dramaturgia: Santiago Sánchez, Víctor Lucas, Melomans
Producción musical y diseño de sonido: Erik Bosio, Nacho Mañó y Guille Escartí
Arreglos musicales: Moi Bautista, Lorenzo SuBrizi, Erik Bosio, Melomans
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de iluminación: Antonio Castro
Diseño de vestuario: Gabriela Salaverri
Diseño y coach de títere: Edu Borja
Diseño gráfico: Obert Estudi
Videocreación y fotografía: Guille Escartí, Obert Estudi
Música incidental original: Melomans
Coach vocal: Tere Núñez
Dirección musical: Melomans y Víctor Lucas
Dirección de escena: Santiago Sánchez y Víctor Lucas

Burro es una tragicomedia inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno. En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro español e inglés, la Ilustración y la Modernidad.

Un relato que lucha contra el olvido mientras se acerca el fuego. Una obra que deja huella… de pezuña.

Sinopsis
En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro, la Ilustración y la Modernidad. Un relato que lucha contra el olvido mientras se acerca el fuego. Una obra que deja huella… de pezuña.

Ay Teatro presenta un espectáculo con música en directo inspirado en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno, y protagonizado por uno de los actores esenciales de la historia del teatro español, Carlos Hipólito.

Con escenas y fragmentos de fábulas de Esopo, Iriarte y Samaniego, El asno de oro de Apuleyo, Misa del asno y Testamento del asno (anónimo), Disputa del asno de fray Anselmo de Turmeda, Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes, El sueño de una noche de verano de William Shakespeare y Platero y yo de Juan Ramón Jiménez

Elenco: Carlos Hipólito, Fran García, Manuel Lavandera, Iballa Rodríguez
Música original: Yayo Cáceres
Escenografía: Ay Teatro y Tatiana de Sarabia
Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia
Diseño de iluminación: Miguel A, Camacho
Diseño gráfico y fotografía: Davis Ruiz
Sastrería: Maribel Rodríguez RH, Alejandro Jaén
Ayudante de dirección: Daniel Migueláñez
Dramaturgia: Álvaro Tato
Dirección: Yayo Cáceres

Función Accesible recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

Música de David del Puerto y Texto de Martín Llade

Lazarillo de Tormes, uno de los clásicos trascendentales de la lengua castellana, es la última ópera del Premio Nacional de Música David del Puerto. La obra presenta una cruda mirada a una España azotada por la miseria, el fanatismo y la explotación, a través de la vida de Lázaro, utilizando tecnología audiovisual para amplificar la experiencia teatral, con una cámara en vivo que capturará las acciones de los cantantes, proyectadas en tiempo real en una pantalla gigante en el escenario. En el Lazarillo de David del Puerto, el protagonista representa el niño, hijo de un ladrón y una concubina, abandonado en el río, vaga entre pueblos ruinosos, llenos de esqueletos de edificaciones que alguna vez fueron sueños de progreso de una España árida y azotada por el sol. Y, al mismo tiempo, anticipa también un futuro relativamente próximo, donde la ignorancia, el fanatismo y la miseria luchan por sobrevivir tras el desastre climático.

Ficha artística

Soprano: Ruth González
Mezzo: Blanca Valido
Barítono: Borja Molina
Tenor: Francisco J. Sánchez
Ensemble: Álvaro Vázquez (Violonchelo), Cristina Santirso (Flauta), Andrea Pérez (Fagot), M. Carmen Ruiz (Oboe), Marián Tur (Violín) y Alexander Álvarez Estupiñán (Guitarra)

Dirección musical: Bauti Carmena
Dirección de escena: Ricardo Campelo

Escenografía: Cristina Martín Quintero
Iluminación: Guiomar Martín Sánchez
Ayudantes de dirección: Ruth Rubio e Iratxe Menalbert
Coordinadora de producción (Teatro Xtremo): Cristina Martín Quintero
Coordinador de producción (Euroscena): Jean Paul Peralt
Fotografías: Ricardo Espinosa

Producción: Ruth González y Salvador Collado

Una coproducción de Euroscena y Teatro Xtremo con el apoyo del INAEM, la Comunidad Madrid, el Festival Iberoamericano del Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid, el Teatro Leal de la Laguna, el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial y Proyecto Verdi.

Ismael Serrano, nos vuelve a sorprender con su nuevo espectáculo La Canción de Nuestra Vida; un concierto lleno de poesía, en el que invita al público a disfrutar del privilegio de escuchar, además de sus éxitos de siempre, canciones inéditas. Temas que, sin duda, se convertirán en nuevos himnos para recordar aquel tiempo efervescente en el que nos sentimos intensamente vivos y el futuro era nuestro.

En esta gira, Ismael, ofrecerá a la audiencia una nueva experiencia musical, huyendo del recital convencional, ahondando en la apuesta teatral que ya adelantó en anteriores giras.

Voz y Guitarra: Ismael Serrano
Teclado: Jacob Sureda

1994, es el año de lanzamiento de Mahareta, su disco más emblemático y que catapultó a Siempre Así. La gira de 2024 sirve para celebrar los 32 años del grupo en los escenarios de forma ininterrumpida.

La imagen de la guitarra que creó el gran diseñador Pedro Cabañas para la portada de Mahareta, es algo similar a lo que significa «la lengua» para los Rolling Stones, un icono que los identifica a primera vista. En esta nueva gira, esta imagen de la guitarra vuelve a tomar protagonismo junto a las canciones de Mahareta, álbum al que rinden homenaje y que contiene la mayoría de sus canciones de más éxito: Siempre Así, Para volver a empezar, Se me va, En un rincón del alma o la archiconocida versión de A mi manera que ha dado la vuelta al mundo con el ritmo de la rumba elegante y el sello inconfundible de estos siete andaluces que siguen triunfando allá por donde van.

Biografía

Siempre así son:
Sandra Barón, Mayte Parejo, Mati Carnerero, Paola Prieto, Nacho Sabater, Ángel Rivas y Rafa Almarcha.

Más de 30 años, 16 discos en el mercado y un éxito incontestable: alrededor de un millón de copias vendidas a lo largo de su carrera y más de mil quinientos conciertos entre España y Latinoamérica.

Pero el éxito mayor, es comprobar cómo su repertorio forma parte de la banda sonora de millones de personas, cómo esa rumba con mensaje, alegre y sureña, conservando sus raíces flamencas, se ha hecho imprescindible en cualquier reunión o evento de tipo festivo, cómo han abarrotado y conquistado a públicos de todos los gustos y de varias generaciones en los teatros y auditorios más importantes (Teatro Real, Teatro de la Maestranza, Palau de la Música Catalana, Palau de la Música de Valencia, Plaza de Toros de Las Ventas, Teatro Romano de Mérida, Bogotá, Medellín o Quito, Starlite etc, etc…).

En julio de 2022 viajaron a Roma, junto a más de 400 seguidores que partieron desde distintos lugares de España y Latinoamérica, para celebrar a lo grande su 30 aniversario en la música con un concierto extraordinario acompañados por la «Roma Ensemble Orquesta» en la Iglesia de San Ignazio de Loyola. Al día siguiente, interpretaron ante el altar de la Cátedra de Bernini en la Basílica de San Pedro del Vaticano su Misa de la Alegría en Acción de Gracias, con la presencia de la Embajadora de España ante la Santa Sede y la posterior felicitación del Papa Francisco.

Siempre Así han estado presentes en un gran número de acontecimientos de gran trascendencia mediática en nuestra historia reciente, entre ellos la inauguración del Campeonato Mundial de Atletismo de 1999 celebrado en Sevilla, donde interpretaron el Himno Oficial del mismo, los actos de celebración en Madrid del Campeonato Mundial de Futbol de Sudáfrica 2010, donde España se proclamó campeona, o las bodas de S.A.R. la Infanta Cristina y de Doña Cayetana Fitz-James Stuart, Duquesa de Alba.

En su larga trayectoria, son numerosos los importantes premios, nominaciones y reconocimientos que han recibido, entre ellos la Medalla de Andalucía, que les fue entregada el 28 de febrero de 2023 de manos del presidente de la Junta Juan Manuel Moreno Bonilla.

Actualizada versión, con tintes de humor y música, de la obra de Charles Dickens, Cuento de Navidad. Scrooge, hombre avaro y solitario, es visitado en Nochebuena por tres espíritus que representan su pasado, su presente y su futuro. Una vida contada en una noche, para recordar, tanto al protagonista como al público, la importancia de ser amable y mantener vivo el recuerdo de las escenas más bonitas de nuestra vida.

Dirección, dramaturgia y diseño de luces: Triana Lorite
Música: Manolo Estupiñán
Ayudante de Dirección: Javier del Arco y Belén Orihuela
Vestuario: Nauset Afonso
Escenografía: Ayoset López
Regidora: Nuria Hernando
Técnico de luces: Borja Majarraez
Jefe de producción: Ayoset López
Equipo de producción: Sai & Seda
Productor: Lope García

REPARTO:
Juan Fernández (Scrooge)
Belén Orihuela
Javier del Arco
Ángela Rucas
Estefanía Rocamora
Julián Salguero
Carlos Valledor

«Una noche de Zarzuela» (Cállate, corazón) es una comedia musical construida con lo mejor del repertorio de zarzuela, copla, canción y números de revista unidos por un hilo argumental que bebe directamente de las comedias norteamericanas de los años 50.

Sinopsis

Josefina llega a su camerino tras la última función de La Chulapona con el tiempo justo para cambiarse antes de que de comienzo una sesión golfa de La verbena de la Paloma.

Milagros Martín o María Rodríguez serán las figuras clave encarnando el personaje de Paloma, una mujer a la que, en un momento de su vida, le llegan recuerdos de su pasado en forma de números musicales.

Reparto:

Josefina: Milagros Martín / María Rodríguez
Paloma: Rebeca Cardiel / Ruth González
Javier: Paco Sánchez /Álvaro Andrés Lara / Ricardo Calderón
Max: Ángel Walter / Juanma Cifuentes
Julián: E. Sánchez-Ramos
Escenografía: R. Sánchez Cuerda
Chelista: Irene Celestino
Percusionista: Iván Mellén
Clarinete: Cecilia Serra
Dirección musical y piano: Miguel Huertas
Dirección: Susana Gómez

Por la Cia. Teatro Gorakada

Quelonía y el Mar es una historia en forma de canción que habla de amistad y supervivencia, de la búsqueda de un lugar propio en un mundo donde lo que beneficia a unos puede perjudicar a otros y viceversa. La pequeña tortuga nace una noche sin luna en la playa. Su instinto le dice que debe seguir el reflejo de las estrellas sobre el agua para llegar hasta el mar, pero confundida por las luces de la ciudad, la pequeña tortuga se adentra, sin saberlo, en un mundo completamente diferente. Una historia tierna y divertida contada entre los bastidores de un teatro, hilada a través de la música en directo y el teatro de objetos.

Niveles recomendados: Educación Primaria (De 6 a 12 años)

Intérprete: Nerea Ariznabarreta
Autoría: Dora Cantero
Composición musical: Fran Lasuen
Música en escena: Maider López
Escenografía y atrezzo: Martí Doy
Vestuario: Paulette San Martín
Diseño de luces: Fermin Izko
Ilustraciones: Alphax
Dirección artística: Alez Díaz
Dirección: Dora Cantero y Alex Diaz

En colaboración con la Delegación de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba.

Adaptación de Eduardo Galán

Con esta versión de “La Celestina”, Eduardo Galán pretende acercar la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma  de quienes acudan a verla. Ha buscado el dinamismo de la acción,  el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: “El carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad de disfrutar de la juventud. Para ello ha realizado una labor de síntesis, ya que Fernando de Rojas la escribió a finales el Siglo XV para que fuera leída, no para ser representada.

Calisto, un joven noble apuesto y de preclaro ingenio, penetra persiguiendo a un halcón en la huerta donde se halla a Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si lograba entre todos enamorar a Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia, de lo que Calisto tiene noticia al día siguiente. Los amantes olvidan pronto estos tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la vida del joven caballero. Ante la muerte de su amado, Melibea sube a una torre y se arroja desde ella tras declarar las causas del suicidio a su padre. Termina la obra con el llanto y unas reflexiones morales de Pleberio, padre de Melibea.

Elenco: Anabel Alonso, José Saiz, Víctor Saiz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos, David Huertas
Música original y espacio sonoro: Manuel Solís
Diseño de escenografía: Mónica Teijeiro
Diseño de iluminación: José Manuel Guerra
Diseño de vestuario: Mónica Teijeiro
Adaptación: Eduardo Galán
Dirección: Antonio C. Guijosa

Si adquiriste entradas para el concierto aplazado del 11 de octubre de 2024, éstas serán válidas.

En el mágico cruce de las artes, Miguel Poveda emprende un nuevo viaje sonoro junto al guitarrista Jesús Guerrero para dar vida a los evocadores textos del libro Poema del cante Jondo de Federico García Lorca. Ambos han conseguido crear uno de los mejores discos de flamenco de los últimos años, donde se muestra al Miguel más cantaor que nunca interpretando de manera magistral los textos de su amado y admirado Federico. En cada compás, el álbum revela una cuidadosa amalgama de la rica herencia del cante jondo y la poesía profunda de Federico.

La guitarra de Jesús Guerrero, oriundo de San Fernando, añade una dimensión única, ofreciendo un acompañamiento «flamenquísimo» y que hace las delicias de todo aficionado a la música flamenca. Poema del Cante Jondo no solo es un álbum musical sino un encuentro íntimo con las raíces del flamenco y el amor que cada uno de los protagonistas del álbum han puesto en él a lo largo de sus vidas, a través del cante, la guitarra, percusión, palmas y como no, de la poesía. A este le acompaña una gira junto al maestro Jesús Guerrero donde no solo interpretan el flamenco con maestría, sino que también se sumergen en la esencia lírica de Federico, dando vida a las palabras del poeta a través de su inconfundible voz y volviendo a la esencia más pura y desnuda del estío que lo vio nacer.

Esta fusión de la poesía lorquiana más telúrica y flamenca con la expresividad del cante y la guitarra de estos dos artistas, crea una experiencia única donde la intensidad emocional del cante jondo se entrelaza con las profundas reflexiones de Lorca sobre el alma del flamenco. La gira se convierte así en un encuentro íntimo donde el flamenco más auténtico es el protagonista junto con la riqueza cultural de todos los ingredientes que lo conforman, no dejando a nadie indiferente.