Estreno Absoluto.

Antonio Ruz, uno de los los creadores más destacados de la  danza contemporánea en España, estrenará esta nueva propuesta coreográfica en el Gran Teatro  de Córdoba. 

‘NORMA’ propone una reflexión crítica sobre el concepto de normalidad,  explorando la interacción de las identidades, representadas a través del  filtro del cuerpo. Con el uso de herramientas escénicas como la  coreografía en donde la unidad se hace multiplicidad, la voz hablada o  cantada, un paisaje sonoro entre lo analógico y lo digital, una  escenografía exhibicionista, una dramaturgia viva, un vestuario mutante y  una atmósfera entre lo onírico y lo sublime, NORMA genera una poética visual en constante flujo y oscilación en la que el contraste denota a la  vez fuerza y sutileza. Un ritual escénico de cinco cuerpos diversos articulados alrededor de la oposición generada entre lo normativo y lo  distinto, lo cotidiano y lo raro, lo corriente y lo inesperado, lo bello y lo  feo.

Un alegato en pro de la individualidad, lo exótico, lo fuera de lugar. La  fiesta del rara avis.

La producción cuenta entre sus apoyos con el del IMAE Córdoba, y su estreno en la ciudad natal del coreógrafo, ocurre al tiempo que impulsa la creación de La Normal Centro Coreográfico de Córdoba, que nace en colaboración con el  Ayuntamiento y que inicia su actividad el próximo mes de septiembre.

Ficha artística

Dirección y coreografía: Antonio Ruz
Dramaturgia: Rosabel Huguet
Diseño y  realización de vestuario y espacio escénico: Roberto Martínez
Diseño de  iluminación: Olga García
Música: Aire
Intérpretes: Begoña Quiñones, Chelís  Quinzá, Carlos Carvento, Alicia Narejos y Manuel Martín
Asistente de  coreografía: Elia López
Foto y vídeo: Juan Carlos Toledo
Producción: Paola  Villegas / Gabriel Blanco – Spectare
Ayudante de producción: Andrea Méndez, Distribución: Valeria Cosi – Tina Agency

Con el apoyo de IMAE Córdoba, Teatro Central Sevilla y Teatros del Canal  Madrid y Tanzbiennale Heidelberg**

**Tanzbiennale Heidelberg, a project of the TANZallianz – Cooperation between  Theater und Orchester Heidelberg and Unterwegstheater.
Directores artísticos, Holger  Schultze, Iván Pérez, Jai González, Bernard Fauser.

La madre es una atrapante y conmovedora historia que cuestiona cuáles son los límites de la soledad, el vacío y la cordura. Que nos hace cuestionarnos cosas como ¿Puede una madre amar demasiado? ¿Existe un límite para ese amor? ¿Qué ocurre cuando un hijo crece y se va? En esta obra, Zeller se plantea si una madre puede amar demasiado. En algún momento, el hijo ha crecido y se marcha del cobijo materno. La madre ha construido su vida alrededor de él y con su partida sufre el síndrome del nido vacío, a la vez que debe analizar el verdadero vínculo con su marido.

Actores: Aitana Sánchez-Gijón, Juan Carlos Vellido, Alex Villazán, Julia Roch
Dirección: Juan Carlos Fisher
Dramaturgia: Florian Zeller
Composición Musical: Joan Miquel Pérez
Diseño de Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)
Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe
Diseño de Vestuario: Elda Noriega (AAPEE)
Fotografía: Sergio Parra
Diseño Gráfico: Eva Ramón
Ayudante de Dirección: Rómulo Assereto

Espectáculo de ilusionismo.

Pablo Cánovas regresa a la tierra que lo vio crecer, Córdoba, después de su épica gira internacional con el renombrado Cirque du Soleil (Circo del Sol). Después de 4 años actuando en los mejores escenarios de Estados Unidos, Arabia Saudí, América Latina y Tahití .

En esta ocasión tan especial, Pablo nos presenta una actuación que ha sido galardonada y que ha fascinado al público de todo el mundo.

Una noche, en la que el artista cordobés nos deleitará con el arte de la ilusión. Pablo promete una experiencia inolvidable llena de emociones y sorpresas donde la ilusión se convierte en la protagonista. Prepárate para vivir una noche única y conmovedora, donde los sueños se hacen realidad.

Elektra.25 supone un regreso a la Tragedia Griega para Atalaya. Embelesante, deslumbrante, con unos textos llenos de ritmo y envueltos en un tono emocional, cánticos étnicos y coreografías y escenografía brillantísimas sería la descripción de esta renovada versión de la Electra de Sófocles, Heiner, Mïller y Hoffmansthal con la que Atalaya triunfó hace ya 25 años y con la que consiguió el Premio al Mejor Espectáculo Andaluz. Atalaya ha querido recuperar la esencia de aquel montaje, introduciendo importantes cambios y aportaciones que potencien aún más su valor. Como resultado, el espectáculo no deja un momento de aliento al espectador que, desde el primer al último segundo, se ve embarcado en un mar de emociones gracias a los ocho enormes intérpretes de la tragedia, a un universo lírico y estético en el que no faltan las pasiones humanas que mueven a todos los personajes que la pueblan, a saber, la venganza, el odio, la rabia y la sangre.

Actores: Silvia Garzón, María Sanz, Lidia Mauduit, Raúl Vera, Enmanuel García, Paula Margo, Imasul Rodríguez, Ángela González
Espacio Escénico: Ricardo Iniesta
Coreografía: Juana Casado y Lucía You
Música: Temas populares Balcanes, Italia, Bielorrusia…
Arreglos Musicales: Luis Navarro
Espacio Sonoro: Emilio Morales
Dirección Coral: Marga Reyes y Flores de Giles
Maquillaje y Peluquería: Manolo Cortés
Ayudante de Dirección: Sario Téllez
Dirección y Dramaturgia: Ricardo Iniesta

SOBRE LAS HOJAS DE HIERBA

Un Homenaje a Walt Whitman

Sobre las hojas de hierba aborda la relación íntima entre música y poesía en homenaje a Walt Whitman, el padre de la poesía estadounidense. La obra exalta el cuerpo y el mundo material, elogia la naturaleza y el papel del individuo humano en ella. Todos los poemas están conectados entre sí y cada uno representa la visión del poeta de su filosofía de la vida y de la humanidad, como si se tratara de su biografía a modo de poemario. El libro de Whitman se caracteriza por su alegría y la alabanza de los sentidos en un momento en el que las manifestaciones en primera persona y la expresión del uno mismo se consideraba inmoral. El poeta utilizó por primera vez imágenes y símbolos inusuales en la poesía y escribió abiertamente sobre la muerte y la sexualidad, incluyendo la prostitución. Tanto el enfoque de la obra como la puesta en escena ayudan a crear una atmósfera idónea, imprescindible para disfrutar de la poesía. La música compuesta para el espectáculo engarza a la perfección con la época en que fue escrita: una mezcla de sonidos sureños donde no falta el blues, el sonido del piano de Nueva Orleans salpicado con la música de un jazz que daba por entonces sus primeros pasos. Con esta música y la voz de Nur Levi y la del Premio Nacional de Teatro en 2021, Juan Diego Botto, nos adentraremos en la época y en la sociedad que vivió el poeta y que tanto influyó en su poesía.

• Reparto: Juan Diego Botto y Nur Levi
• Composición original y músico en escena: Alejandro Pelayo
• Iluminación: Luis del Valle
• Diseño y dirección de Producción: Nur Levi
• Producción: La Rota Producciones
• Dirección: Juan Diego Botto

Este 2024 se celebra el  Año Puccini cuando se cumplen 100 años de su fallecimiento ( 29 de noviembre de 1924, a los 66 años de edad). Su innovadora y particular estética revolucionó el panorama musical de su época, y sus óperas  están en la memoria de melómanos y aficionados de este género, por haber sido el creador de algunas de las melodías más míticas de la historia (Tosca, Butterfly, Turandot, Bohème…) . El IMAE se suma también a esta conmemoración con la puesta en escena de “Tosca”, a cargo de la Compañía Lírica 2001, quien ha contado en esta ocasión  con un director de escena de excepción, el prestigioso tenor Aquiles Machado.

Tosca  está ambientada en la Roma de 1800. Mientras pinta un cuadro de La Madonna en la iglesia de Sant’Andrea della Valle, el pintor Mario Cavaradossi, amante de la celosa Tosca, accede a ayudar al prisionero político Angelotti en su fuga. El jefe de la policía, Scarpia, cuyos objetivos políticos ocultan un raro sadismo, se lanza a la persecución y pronto descubre la implicación de Cavaradossi. La única forma de lograr sus fines es utilizar a la bella Tosca, blanco de sus obsesiones. Cavaradossi es detenido. Scarpia cree por un instante poseer a la bella Tosca, justo antes de que ella le apuñale. Aunque Scarpia muere, sus sombríos planes le sobreviven. Cuando Tosca piensa que finalmente puede liberar a su amado Mario, éste es ejecutado, y Tosca, antes de ser capturada, prefiere lanzarse al vacío desde lo más alto del Castillo de Sant’Angelo.

TOSCA, de G. Puccini

COMPAÑÍA LÍRICA ÓPERA 2001

Reparto

• Floria Tosca: Chrystelle DI MARCO / Melanie Moussay / Yeonjoo PARK
• Mario Cavaradossi: David BAÑOS / Jean-François MARRAS / Haruo KAWAKAMI
• El Barón Scarpia: Paolo RUGGIERO
• Cesare Angelotti: Piero DI CATANIA
• Un Sacristán: Giancarlo TOSI
• + Spoletta, Sciarrobe, un Carcelero

*** Este reparto está sujeto a cambios

• Realización Vestuario: Sartoria Arrigo (Milán)
• Calzado:  Miguel para Calzature di Epoca (Milán)
• Pelucas: Artimmagine (Nápoles)
• Diseño  escenografía y vestuario: Alfredo Troisi

Con la participación de la Orquesta Sinfónica de Ópera 2001

Con la colaboración del Coro Lírico Siciliano

• Dirección Musical: Martín Mázik
• Dirección de Escena: Aquiles Machado
• Dirección Artística: Luis Miguel Lainz

Coproducción Ópera 2001 – Opéra de Massy (Paris-Sud)

Querida Ágatha es el último proyecto de Juan Carlos Rubio, en el que explora las vidas de dos personajes absolutamente únicos e imprescindibles: Ágatha Christie y Benito Pérez Galdós. Ágatha se enfrenta a una nueva noche en vela. Los fantasmas de la relación rota con su marido y la reciente pérdida de su madre han hecho mella profunda en su percepción de la realidad, situación agravada por el consumo de alcohol y tranquilizantes. La inesperada visita de un elegante caballero de cierta edad interrumpe sus planes. Él es Benito Pérez Galdós. Entre ambos genios se establece inmediatamente una electrizante conexión, en la que salen a la luz secretos, fobias, deseos y frustraciones.

Querida Ágtha es una comedia dramática donde conviven el humor y la lágrima, el género fantástico, el misterio, la tensión y un final inesperado.

Intérpretes: Carmen Morales, Juan Meseguer, Clara Segura
Escenógrafos: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (Estudio DeDos)
Diseño de iluminación: José Manuel Guerra
Música y diseño sonoro: Miguel Linares
Figurinista: Guadalupe Valero
Fotógrafo y diseñador gráfico: Javier Naval
Asistente fotógrafo: Antonio Moreno
Diseño de Caracterización: Chema Noci
Realización dossier y programa de mano: Luis Miguel Serrano (La Alegría Producciones)
Ayudante de dirección: Manu Baños
Autor y Director: Juan Carlos Rubio

Romance Popular en tres estampas. A partir de la obra Mariana Pineda de Federico García Lorca

En su primera dirección al frente del Ballet Flamenco de Andalucía, la granadina Patricia Guerrero asume el reto de dar cuerpo y alma a Pineda. Una versión en la que se explora toda la fuerza espiritual y expresiva del poema dramático de Federico García Lorca. Patricia Guerrero nos entrega una Pineda vibrante y con calambre, granadina y universal, y decididamente flamenca. Un poema dramático bailado porque, como decía Federico García Lorca, “la escena no puede ser otra cosa que emoción y poesía: en la palabra, en la acción y en el gesto”.

Dirección artística y coreografía: Patricia Guerrero
Dramaturgia: Alberto Conejero
Dirección musical: Dani de Morón/ Agustín Diassera
Composición musical: Agustín Diassera, dani de Morón  y Sergio “El Colorao”
Arreglos musicales: Manuel Busto
Letras: Federico García Lorca de su obra “Mariana Pineda. Romance popular en tres estampas “. 1925
Adaptación de las letras: Alberto Conejero
Adaptación musical de las letras: Sergio “El Colorao”
Coreografía escena “La batalla del Albaicín”: “La Venidera” (Albert Hernández)
Otras coreografías: Eduardo leal y Alfonso Losa

Elenco artístico:
Bailaoras/es: Álvaro Aguilera, Ángel Fariña, Araceli Muñoz, Claudia “La Debla”, Hugo Aguilar, Lucía “La Bronce”, María Carrasco, Pablo Egea y Sofía Suárez.
Artista invitado: Alfonso Losa
Repetidor: Eduardo Leal
Cante: Amparo Lagares y Manuel de Gines
Guitarras: Jesús Rodríguez y José Luis Medina
Percusión: David Chupete

Equipo técnico:
Diseño Vestuario: Pablo Árbol
Diseño Iluminación:Juan Gómez Cornejo (AAI)
Diseño escenografía: Bengoa Vázquez y Laura Ordás (AAPEE)
Diseño espacio sonoro: Rafael Pipió (Bésame Music Producciones)

PONCIA

De Luis Luque

A partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca

Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas.

REPARTO

Poncia: Lolita Flores

EQUIPO ARTISTICO
Diseño de espacio escénico: Monica Boromello
Diseño de iluminación: Paco Ariza
Composición de música original: Luis Miguel Cobo
Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Ayudante de dirección: : Álvaro Lizarrondo
Fotografía: Javier Naval

Texto: Luis Luque (A partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca)
Dirección: Luis Luque
Productor: Jesús Cimarro
Producción: Teatro Español y Pentación Espectáculos

EL MITO DEL BUEN SALVAJE

Cía. Flamenca Cordanza

(estreno absoluto)

(Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco)

El espectáculo está inspirado en la teoría del “buen salvaje”, expuesta por Jean-Jacques Rosseau, uno de los grandes representantes de la ilustración, en la que defiende que el hombre es bueno y puro por naturaleza y es la sociedad quien lo pervierte y lo corrompe, que todo lo que mo pertenece a la naturaleza sólo puede llevar al desorden físico y moral. Realizando un paralelismo con el flamenco, un arte que en ocasiones es llevado por la sociedad a puntos que lo alejan de su núcleo, arrastrado por el poder y los intereses propios, recorren las etapas más importantes de la vida del personaje, desde su nacimiento hasta su degeneración más profunda para mostrar cómo, poco a poco, ese ser humano bueno e ingenuo por naturaleza, se va transformando, influenciado por la sociedad, en una persona extremadamente ambiciosa, egocéntrica, a quien sólo le importa el poder. “El mito del buen salvaje” es un espectáculo de flamenco que abarca desde el flamenco más tradicional, a la danza española y otras propuestas más contemporáneas.

Bailarines: Álvaro Paños y Carmen Manzanera

Cantaores: Bernardo Miranda y Mirian Montes

Guitarra: David Caro

Percusión: Javier Rabadán

Diseño de iluminación y escenografía: Tito Osuna

Vestuario: Mercedes Prieto y Carmen Manzanera

Idea Original: Álvaro Paños, Carmen Manzanera, Guillermo Castro

Coreografía: Álvaro Paños, Carmen Manzanera, con la colaboración especial Patricia Guerrero, premio Nacional de Danza 2021

Dirección Musical: Guillermo Castro

Dirección Artística: Álvaro Paños y Carmen Manzanera

ARCÁNGEL

HEREJE

(Conmemoración del Día Internacional del Flamenco)

El IMAE Gran Teatro de Córdoba conmemora el Día Internacional del Flamenco, declarado por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, con un ciclo de actividades que se desarrollarán a lo largo del mes de noviembre. Arcángel será el protagonista de esta noche, que tras varios proyectos marcados por la inquietud de buscar nuevas vías expresivas mediante el diálogo con otros géneros musicales, se embarca en una fascinante aventura que le lleva a explorar caminos muy diferentes a los que hasta ahora ha transitado. Un viaje desde el flamenco hacia otros géneros musicales que cuenta en la composición de sus temas con grandes artistas del panorama nacional e internacional como Juanes, Andrés Calamaro, Vetusta Morla, Leiva, Vanesa Martín o Rozalén, de los que intenta mantener su estilo, sin aflamencar demasiado las canciones, pero consiguiendo que aún así sea reconocible el flamenco en sus interpretaciones. “Hereje” es el resultado de la fusión de esos nuevos temas con los grandes temas flamencos que le han llevado a ser, sin duda alguna, uno de los mejores cantaores de su generación.

Arcángel, Voz

Guitarras: Francis Gómez y Benito Bernal

Percusiones y batería: Lito Mánez

Teclado: Álvaro Gándul

Coro y palmas: Los MellisV

TRÁPALA 5.0

50 Aniversario

Cia. Trápala Escena

(estreno absoluto)

Trápala, cuyo primer montaje, un Edipo Rey, de Sófocles, data de 1974, puede presumir de ser la Compañía Teatral más antigua de Córdoba. Una antigüedad conseguida con profesionalidad entendida esta no solamente como dedicación plena, sino como rigor en el tratamiento de los textos para llevarlos a un público en su más puro y genuino sentido. Desde entonces la compañía ha montado más de cuarenta títulos y ha tocado prácticamente todos los géneros teatrales, desde la tragedia griega hasta el musical, pasando por la comedia, la farsa, el teatro de vanguardia o el más puro drama naturalista. En 2024, Trápala, celebra su 50 Aniversario y lo hará sobre las tablas del Gran Teatro con un espectáculo creado para la ocasión, “Trápala 5.0”, un espectáculo con historia pero, sobre todo, con alma. Con una dramaturgia que nos recuerde quienes fueron, quienes son y quienes serán. Con la ambición de mostrar trocitos de su historia y de nuestra ciudad, se darán cita en el espectáculo los títulos más emblemáticos de la compañía.

Reparto: Francisco Montero, Juan Carlos Villanueva, Rafael Montero, Carlos Castro, Nieves Palma, Belén Benítez, Marina Castro, Bartolomé García, Carmen Caballero, Mercedes Tirado, Francis de Haro, Marisol Membrillo, Ana Risquez, Ana Castillo

Cante: David Pino

Guitarra: Alfonso Linares

Coro de Ópera de Córdoba

Camerata Gala

Escenografía: M. Ángel Montero

Vestuario: Trápala Teatro – Enrique García

Sonido, iluminación y multimedia: Miguel Ángel Ramos – Arco Visuales

Música Original: Francisco Javier de Haro

Dramaturgia: Juan Carlos Villanueva y Carlos Castro

Dirección Musical: Alejandro Muñoz

Dirección de Escena: Juan Carlos Villanueva

LIBRE

Nino Bravo , como solo MELOMANS te lo puede contar y cantar

de Santiago Sánchez y Víctor Lucas

Melomans es un grupo vocal y teatral creado en 2010 por cuatro jóvenes artistas valencianos. Sin más instrumentos que sus propias voces y con el humor como sello distintivo, Melomans se ha vonvertido en un referente de la música a capela en España. “Libre” es su nuevo espectáculo de teatro musical. El homenaje más original al cantante más grande: la historia de Nino Bravo. Melomans nos lleva de viaje por su vida y sus canciones. Y lo hace con su particular y desenfadado sentido del humor. Un recorrido entre anécdotas de su carrera para descubrir su lado más personal y divertido. “Libre” es una revisión de sus 60 canciones en un estilo a capela moderno y actualizado con nuevas técnicas musicales en directo como bucles, secuenciaciones y otros efectos sorprendentes.

Melomans: Edu Escarti, Gonzalo Manglano, Javi Reig, Pau Ferrer

Idea original: Melomans, Santiago Sánchez, Víctor Lucas

Dramaturgia: Santiago Sánchez, Víctor Lucas, Melomans

Producción musical y diseño de sonido: Erik Bosio, Nacho Mañó y Guille Escartí

Arreglos musicales: Moi Bautista, Lorenzo SuBrizi, Erik Bosio, Melomans

Diseño de escenografía: Luis Crespo

Diseño de iluminación: Antonio Castro

Diseño de vestuario: Gabriela Salaverri

Diseño y coach de títere: Edu Borja

Diseño gráfico: Obert Estudi

Videocreación y fotografía: Guille Escartí, Obert Estudi

Música incidental original: Melomans

Coach vocal: Tere Núñez

Dirección musical: Melomans y Víctor Lucas

Dirección de escena: Santiago Sánchez y Víctor Lucas

BURRO

Basado en textos clásicos sobre asnos

Dramaturgia de Álvaro Tato

Cia. Ay Teatro

Burro es una tragicomedia inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno. En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro español e inglés, la Ilustración y la Modernidad.

Elenco: Carlos Hipólito, Fran García, Manuel Lavandera, Iballa Rodríguez

Música original: Yayo Cáceres

Escenografía: Ay Teatro y Tatiana de Sarabia

Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia

Diseño de iluminación: Miguel A, Camacho

Diseño gráfico y fotografía: Davis Ruiz

Sastrería: Maribel Rodríguez RH, Alejandro Jaén

Ayudante de dirección: Daniel Migueláñez

Dramaturgia: Álvaro Tato

Dirección: Yayo Cáceres

LAZARILLO

ÓPERA DE CAMARA

Música de David del Puerto y Texto de Martín Llade

Lazarillo de Tormes, uno de los clásicos trascendentales de la lengua castellana, es la última ópera del Premio Nacional de Música David del Puerto. La obra presenta una cruda mirada a una España azotada por la miseria, el fanatismo y la explotación, a través de la vida de Lázaro, utilizando tecnología audiovisual para amplificar la experiencia teatral, con una cámara en vivo que capturará las acciones de los cantantes, proyectadas en tiempo real en una pantalla gigante en el escenario. En el Lazarillo de David del Puerto, el protagonista representa el niño, hijo de un ladrón y una concubina, abandonada en el río que vaga por los pueblos ruinosos de una España árida y azotada por el sol. Y, al mismo tiempo, anticipa también un futuro relativamente próximo, donde la ignorancia, el fanatismo y la miseria luchan por sobrevivir tras el desastre climático.

Ruth González, Soprano

Silvia Zorita, Mezzosoprano

Enrique Sánchez-Ramos, Barítono

Antoni Comas, Tenor

Escenografía, Cristina Martín Quintero

Iluminación, Guiomar Martín Sánchez

Orquesta de Cámara: flauta, oboe, fagot, violín, viola, violonchelo y guitarra clásica

Ayudante de dirección, Ruth Rubio

Dirección musical, Lara Diloy

Dirección de escena, Ricardo Campelo

CÁLLATE CORAZÓN

UN ESPECTÁCULO CON LO MEJOR DE LA ZARZUELA

Cállate, corazón es un homenaje a un género, la zarzuela, y a sus intérpretes, que han defendido un patrimonio que no solo pertenece al pasado, sino que se ha ido transformando a lo largo de los años. Este espectáculo hace un viaje por grandes momentos de este género y también por canciones y números menos conocidos y que son auténticas joyas de nuestro repertorio. La zarzuela barroca, la copla, los números de revista y la canción española tendrán también su espacio en este impresionante viaje musical. Esta peculiar antología de la zarzuela tendrá un hilo conductor abierto y poético, en el que habrá lugar para la comedia y el desamor, la nostalgia y la carcajada.

Milagros Martín o María Rodríguez serán las figuras clave encarnando el personaje de Paloma, una mujer a la que, en un momento de su vida, le llegan recuerdos de su pasado en forma de números musicales.

Reparto:

Josefina: Milagros Martín / María Rodríguez

Paloma: Rebeca Cardiel / Ruth González

Javier: Paco Sánchez /Álvaro Andrés Lara / Ricardo Calderón

Max: Ángel Walter / Juanma Cifuentes

Julián: E. Sánchez-Ramos

Escenografía: R. Sánchez Cuerda

Chelista: Irene Celestino

Percusionista: Iván Mellén

Clarinete: Cecilia Serra

Dirección musical y piano: Miguel Huertas

Dirección: Susana Gómez

LA CELESTINA

de Fernando de Rojas

Adaptación de Eduardo Galán

Con esta versión de “La Celestina”, Eduardo Galán pretende acercar la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma  de quienes acudan a verla. Ha buscado el dinamismo de la acción,  el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: “El carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad de disfrutar de la juventud. Para ello ha realizado una labor de síntesis, ya que Fernando de Rojas la escribió a finales el Siglo XV para que fuera leída, no para ser representada.

Calisto, un joven noble apuesto y de preclaro ingenio, penetra persiguiendo a un halcón en la huerta donde se halla a Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si lograba entre todos enamorar a Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia, de lo que Calisto tiene noticia al día siguiente. Los amantes olvidan pronto estos tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la vida del joven caballero. Ante la muerte de su amado, Melibea sube a una torre y se arroja desde ella tras declarar las causas del suicidio a su padre. Termina la obra con el llanto y unas reflexiones morales de Pleberio, padre de Melibea.

Elenco: Anabel Alonso, José Saiz, Víctor Saiz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos, David Huertas

Música original y espacio sonoro: Manuel Solís

Diseño de escenografía: Mónica Teijeiro

Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

Diseño de vestuario: Mónica Teijeiro

Adaptación: Eduardo Galán

Dirección: Antonio C. Guijosa

VICENTE AMIGO

ANDENES DEL TIEMPO

Andenes del Tiempo es el noveno disco de estudio en la carrera del músico y guitarrista Vicente Amigo, considerado una de las figuras de referencia en el panorama de la guitarra y el flamenco actual. Andenes del Tiempo es un disco completamente instrumental en el que Vicente, desde la composición y la interpretación, vuelve a provocar lo que su música lleva demostrando desde siempre, una inconfundible transmisión de sensaciones musicales, belleza melódica y personalidad sonora como muy pocos suelen lograr. Su lenguaje es el flamenco y su instrumento la guitarra. Sin embargo, el contenido estilístico es variado: va de temas clásicos, como la bulería y la soleá,  a otros  algo menos común de abordar en un disco de guitarra, como los tanguillos de Cádiz, el pasodoble, la rumba, el bolero y el que da nombre al disco, que puedes ser el que más se separe del resto añadiendo un paisaje sonoro casi cinemático por la composición y la tímbrica utilizada.