Reparto: Ernesto Alterio, Marta Belenguer y Mélida Molina

Dirección: Beatriz Argüello

SINOPSIS

Anna, amiga de juventud de Kate, visita la casa donde ésta ultima vive con Deeley, su marido. La inesperada aparición de la mujer, veinte años después, detona un juego de sospechas, celos, deseo y dudas, donde la frontera entre la realidad y la fantasía se desdibuja. Viejos tiempos es una de las obras cumbre de la dramaturgia de Harold Pinter, un ejemplo de cómo la imaginación y el recuerdo pueden afectar a nuestra visión del pasado y a la forma de vivir el presente. Escrita en 1971, fue estrenada por la Royal Shakespeare Company bajo la dirección de Peter Hall.

Tornaviaje musical entre el reino de Nápoles y la España del siglo XVII Esta larga relación recíproca llega a uno de sus momentos culminantes en el Barroco del Siglo XVII, en pleno Siglo de Oro Español.
La influencia española en Italia es tan importante que incluso el compositor Juan Hidalgo se convierte en una de las influencias más importantes para el gran Alessandro Scarlatti.
Hoy sabemos que Hidalgo jugó un papel muy importante en la evolución de los “tonos humanos y divinos” recibiendo y percibiendo influencias italianas, y a su vez emanándolas en la misma medida.
Ese tornaviaje, se convierte en este cóctel italoespañol, en el que a través del viaje de Hidalgo por esa Italia del XVII nos va descubriendo esas nuevas ariettas amorosas a través de los distintos compositores italianos que se entrelazan con sus propios Tonos Humanos, dando lugar a estas: Trómpicavalas Amor.
El trío formado por los solistas Prego, García-López y Obregón se reúne de manera excepcional para recuperar el mapa de este viaje musical por el barroco.

Ficha artística
Ignacio Prego, Clave
Pablo García-López, Tenor
Josetxu Obregón, Cello Barroco

Programa:

VIAJE POR MAR
Juan Hidalgo (1614–1685) – Trompicávalas, La noche tenebrosa.
Claudio Monteverdi (1567–1643) – Quel aguardo sdegnosetto
Anónimo, colección de Martín i Coll, Flores de Música – Folias de España; Xácara

ITALIA
Claudio Monteverdi (1567–1643) – La violetta che in sull’erbetta
Girolamo Frescobaldi (1583–1643) – Se l’aura spira
Giacomo Carissimi (1605–1674) – Non posso vivere
Largo & Allegretto de la Sonata No 1 en re menor para violoncello y continuo
Giacomo Antonio Perti (1661–1756) –  Sperar io non dovrei
Bernardo Pasquini (1637–1710) – Bella Boca
Francesco Paolo Supriano (1678–1753) – Amoroso & Allegro de la Sinfonía acello solo
Alessandro Scarlatti (1660–1725) – Toglietemi la vita ancor; La speranza, Le violette

TORNAVIAJE
Antonio de Cabezón (1510–1566) –  El Canto del Cavallero Pavana con sus  Glossas
Juan Hidalgo – Esperar, sentir, morir
Anónimo – Tanta Copia de Hermosura
Juan Hidalgo – Trompicávalas, Amo

Companhia do Chapitó presenta “Julio César”,una creación teatral basada en eventos de la vida de este personaje histórico, inmortalizado por los grandes narradores, desde Plutarco a Shakespeare. La 39ª creación colectiva de su repertorio sigue explorando la comedia como lenguaje para reinventar la historia.

Julio César fue un general y estadista romano. Miembro del Primer Triunvirato, dirigió los ejércitos romanos en la conquista de la Galia antes de derrotar a su rival político, Pompeyo, en el contexto de la guerra civil. Más tarde se proclamó dictador perpetuo de Roma, cargo que ocupó poco tiempo, ya que fue asesinado por un grupo de senadores que lo consideraron una amenaza para la República.

Inspirado en la imaginación popular de las representaciones de Roma y la notable figura que fue Julio César, explorando las inconsistencias históricas y tomándose libertades en el tratamiento de hechos documentados – con la falta de rigor que ya caracteriza a la Companhia do Chapitô – he aquí la desconsagración de otro monstruo histórico: Julio César.

Entre la reconstrucción histórica, el documental y la parodia, aquí tenemos otra creación original de la Companhia do Chapitó.

Creación colectiva de la Companhia do Chapitô

Dirigida por: José C. García y Cláudia Nóvoa

Interpretación: Jorge Cruz, Pedro Diogo y Susana Nunes

Dirección de Producción: Tânia Melo Rodrigues

Diseño de luces: Bruno Boaro y José C. García

Diseñador Gráfico: Silvio Rosado

Comunicación: Cristina Carvalho

Audiovisuales: Frank Saalfeld

Distribución: César Arias – MARMÔRE

En este directo Cristian de Moret desafía los límites de las formas y los ritmos flamencos siendo este tercer trabajo discográfico el más arriesgado de cara al directo, dada la sonoridad mixta tanto flamenca como electrónica de dicho trabajo. Cuenta en esta ocasión con un maestro de la guitarra flamenca, Juan Campos, y un percusionista de increíble versatilidad flamenca y electrónica como es Fernando Maya. La mezcla de sonidos y universos culturales de raíz americana y del norte africano/andaluz y el cante flamenco de Cristian de Moret son de forma completamente rompedora en esta nueva apuesta musical del artista.

Ficha artística
Cristian de Moret (voz, teclados y guitarra eléctrica)
Juan Campos (guitarra flamenca)
Fernando Maya (percusión)

Tras la muerte de la matriarca, sus tres hijas se reúnen en la casa del pueblo. Pepa, la hija menor que vivió y cuidó a su madre hasta sus últimos días, se encuentra ilusionada ante este reencuentro; su intención es recuperar el amor entre las hermanas perdido con los años. Al mismo tiempo, Pepa quiere conservar y seguir viviendo en la casa y que las hermanas vengan siempre que quieran, como punto de unión entre ellas. Pero Reme y Lola tienen otros planes, vender la casa, repartirse el dinero y vivir cada una su vida. Los planes de cada una de ellas se verán alterados cuando, reunidas tras el entierro de su madre, secretos, verdades y mentiras salen a la luz en lo que se considera una noche de catarsis familiar. Como si de un aquelarre se tratara, las hermanas nos llevarán por unos laberintos de emociones, dramas, comedias, y situaciones grotescas que se funden con el costumbrismo más español, las galletas de marihuana, los fantasmas que habitan en la casa, el orujo del pueblo y la búsqueda de una ruptura hacia una modernidad donde las mujeres quieren destruir lo establecido, liberarse y empoderarse. Una obra de mujeres, para mujeres y necesaria para hombres.

Ficha artística
Reparto: Carmen Fierro, Cristina Marabotto, Gema Giménez
Escenografía: Francisco García Torrado
Vestuario: A Rajatabla Teatro
Iluminación: Nolasco Díaz Alcalde
Dirección: Francisco García Torrado

El espectáculo “Normcore” ofrecerá a dos bailarinas que se citan para ofrecernos un trabajo coreográfico basado en el movimiento puro y minimalista sin perder expresividad y narrativa, en la búsqueda de una poética serena, conteniendo un elemento de vacío oculto donde su belleza deviene aún más profunda.

Nos muestra cómo dos intérpretes con apariencia similar pueden encarnar una coreografía de forma diversa según su cuerpo y su espíritu, la imaginación y sus propios misterios. Cómo disfrutar de lo individual que emana de cada una de ellas, cómo trascienden ya desde su simple presencia, a la danza donde alcanzan otro estado del ser.

Para este espectáculo cuenta con el diseño sonoro y la música en directo de Miguel Marín Arbol. Músico y compositor, frecuente colaborador de la coreógrafa, reconocido y admirado a nivel internacional por transformar con sus composiciones espectáculos enteros. Mostrará en esta ocasión una banda sonora basada en las melodías, en la belleza de la música desnuda y en la pureza de la voz.

Ficha artística:

Bailarinas: Lucía Vázquez y Sandra Ortega.
Música en directo original y texto: Miguel Marín Árbol
Idea original, dirección y coreografía: Lucía Vázquez

El concierto “Tierra de Fuego y otras canciones” ofrecerá canciones de sus dos discos “Danza Salomé” y “Tierra de Fuego”.

La banda Mapache es liderada por la poetisa Marta Fernández Portillo, alias Marta Mapach, junto a los músicos Leo García, Alberto Pielfort y Marcos Fernández.

Mezcla de rock pantanoso, poesía y lenguaje cinematográfico. Hay en Mapache experimentación y vuelta a los orígenes, intertextualidades y guiños literarios, poesía contada en voz alta para que alcance así sus más profundos significados.

Ficha artística

Marta Mapache (voz, poemas, guitarra)
Leo García (bajo eléctrico)
Alberto Pielfort (viola y guitarras)
Marcos Fernández (batería)

Colaboradores:
Miguel Guinea – Saxofón tenor. Serrucho musical.
Carmen Fernández – Violonchelo.
Rafael Cañete – Teclados.

14.4 pretende explorar, desde un lenguaje descarnadamente realista y a la vez indisimuladamente lírico y poético, el viaje que separa dos mundos que viven a tan solo 14.4 kilómetros de distancia. Sigue la historia de Ahmed, un niño que escapa del maltrato familiar para habitar las calles de Tánger.

Allí, en las calles de la ciudad portuaria, llegarán aventuras, sueños y desventuras y una obsesión que lo recorre todo… cruzar a España. Una España que es vista como el paraíso en la tierra, el final del camino, la Ítaca con la que sueña todo viajero.

Ahmed consigue cruzar con 9 años a la península escondido en los bajos de un camión. Y aquí, en la tierra prometida llegará otra odisea que se aleja de lo soñado pero que no está exenta de sentido del humor, aventuras, redes de solidaridad y finales inesperados.

14.4 es, no solo necesaria por lo que cuenta, sino también un homenaje a todas y todos los que “tutorizan”, ayudan acogen y cuidan de esos niños que hoy en día conocemos como Menas y que, como en el caso de Ahmed, llevan en la calle desde muy temprana edad huyendo del infierno de su propio hogar, soñando con el espejismo de una Europa que está muy lejos aún de, ni tan siquiera, tenerlos en cuenta

Ficha artística

Elenco: Ahmed Younoussi
Diseño de Escenografía: Alessi Meloni (AAPEE)
Diseño de Iluminación: Javier Ruiz de Alegía
Diseño de Vestuario: Elda Noriega (AAPEE)
Diseño de Videoescena: Ezequiel Romero
Composición Musical: Joan Miquel Pérez
Diseño Artístico: Eva Ramón
Fotografía: Sergio Parra
Dramaturgia: Juan Diego Botto, Sergio Peris-Mencheta y Ahmed Younoussi
Dirección:  Sergio Peris-Mencheta

Se trata de una pieza que habita los códigos de la danza, el teatro de texto y la música en vivo. Habla del ritmo frenético que nos arrastra y la necesidad de la pausa. Bailamos con rabia y con nostalgia esa promesa de modernidad que fue la Expo 92, que luego estalló con la especulación y la burbuja inmobiliaria. Pero no nos abandonamos a la inacción: como propone Donna Haraway, no se trata de empezar desde cero, sino de habitar las ruinas y construir futuro desde ahí. De ahí el subtítulo: Tientos de la ruina futura.

Cinco cuerpos y un gato de cartón habitan estas ruinas futuras. Son los restos de la fiesta prometida, los escombros aún irradian tras la detonación del 92. Unas resbaladeras de metal a modo de techo, la antena del Instituto de Astrofísica de Canarias para mandar mensajes al espacio y la réplica de 70 metros del cohete Ariane 4 apuntando al cielo. Es el Pabellón del Futuro. La vida, cansada del porvenir que no llega, crece en forma de malas yerbas y juncos que rompen el cemento. Y el público, cansado del pasado, entra al patio de butacas porque el teatro augura un presente puro.

Que 2 Proposiciones haya sobrevivido durante 18 años puede calificarse de milagro teatral. Pero hoy, en la celebración de su retrospectiva, la compañía recibirá una orden de desalojo. Y aunque este fenómeno parezca algo aislado, lo cierto es que vivir como extremófilos forma parte de la cotidianidad de la compañía, de la profesión, de toda una generación. Todos los días hay que decidir entre abandonar, inmolarse o resistir. En medio de la catástrofe diaria, ¿cómo entregarse a una causa con coherencia?, ¿cómo resistir sin legitimar la violencia sistémica?, ¿quién te sostendrá cuando yo no esté?, ¿cuál es el límite?, ¿cómo bailar en las ruinas del futuro?, ¿es la esperanza un deseo o un deber?

Ficha artística

Dirección: Raquel Madrid
Textos y Dramaturgia: Ruth Rubio
Intérpretes: Sandra Ortega, Anna París, Raquel Madrid, Cipri López, Arturo Parrilla
Coreografía: Raquel Madrid
Ayudante de dirección y producción: Gloria Díaz Escalera
Concepto escenográfico: Eufrasio Lucena
Música: Bernardo Parrilla, Miguel Marín, Enrique Bunbury, Juana Gaitán
Músicos: Bernardo Parrilla, Juana Gaitán, Pablo Cabra Canela

CON LA COLABORACIÓN DE

Agencia Andaluza de instituciones culturales, Juan Antonio de la Plaza, Isabel Ramírez, Isabel Vázquez, Gestora de Nuevos Proyectos, Danza Mobile, Teatro Clásico de Sevilla, Centro de Creación Coreográfica de Andalucía

De Fernando Fernán Gómez, El tiempo amarillo 1921-1943

Si el escritor Delibes me enseñó a mirar, el cómico Fernán-Gómez, a escuchar.
Durante unos cuantos años tuve el privilegio de estar cerca de él y escucharle. Escucharle, entre otras, la historia de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela,
de la que heredó el color de pelo y que era de Valdelaguna, un pueblo al lado de Chinchón, el mío. Y de Carolina Gómez, costurera, la abuela que cuidó de su infancia como Natividad López, sus labores, cuidó de la mía.
Intercambiamos y compartimos coincidencias en otras tantas historias.
Historias de supervivencia, de ausencias, miedos, esperanzas, sueños: de libertad, de “llegar a ser alguien”, de ser ¿por qué no? Jackie Cooper, “el de La isla del tesoro”, y también “escritor de novelas de Salgari”.
Firme, orgullosamente resuelta en su melancolía, sonaba la voz de Fernando al recordar aquellos tiempos, al recordarse.
Ecos de Baroja, Galdós, Barea… merodeaban por aquella memoria.
También, a través de la de Fernando, se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta aficionada a la poesía, la de Florentina y el “joder que piernas” de su novio.
La voz del niño soñador, la del meritorio con su puñadito de castañas pilongas en el bolsillo, la del joven enamorado y con prisa, con mucha prisa…
Voces en una sola voz.
Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él
el nieto de la costurera el hijo de la cómica.
José Sacristán