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ESTRENO ABSOLUTO. Antonio Ruz, uno de los los creadores más destacados de la danza contemporánea en España, estrenará esta nueva propuesta coreográfica en el Gran Teatro de Córdoba. ‘NORMA’ propone
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ESTRENO ABSOLUTO.
Antonio Ruz, uno de los los creadores más destacados de la danza contemporánea en España, estrenará esta nueva propuesta coreográfica en el Gran Teatro de Córdoba.
‘NORMA’ propone una reflexión crítica sobre el concepto de normalidad, explorando la interacción de las identidades, representadas a través del filtro del cuerpo. Con el uso de herramientas escénicas como la coreografía en donde la unidad se hace multiplicidad, la voz hablada o cantada, un paisaje sonoro entre lo analógico y lo digital, una escenografía exhibicionista, una dramaturgia viva, un vestuario mutante y una atmósfera entre lo onírico y lo sublime, NORMA genera una poética visual en constante flujo y oscilación en la que el contraste denota a la vez fuerza y sutileza. Un ritual escénico de cinco cuerpos diversos articulados alrededor de la oposición generada entre lo normativo y lo distinto, lo cotidiano y lo raro, lo corriente y lo inesperado, lo bello y lo feo.
Un alegato en pro de la individualidad, lo exótico, lo fuera de lugar. La fiesta del rara avis.
La producción cuenta entre sus apoyos con el del IMAE Córdoba, y su estreno en la ciudad natal del coreógrafo, ocurre al tiempo que impulsa la creación de La Normal Centro Coreográfico de Córdoba, que nace en colaboración con el Ayuntamiento y que inicia su actividad el próximo mes de septiembre.
Ficha artística
Dirección y coreografía: Antonio Ruz
Dramaturgia: Rosabel Huguet
Diseño y realización de vestuario y espacio escénico: Roberto Martínez
Diseño de iluminación: Olga García
Música: Aire
Intérpretes: Begoña Quiñones, Chelís Quinzá, Carlos Carvento, Alicia Narejos y Manuel Martín
Asistente de coreografía: Elia López
Foto y vídeo: Juan Carlos Toledo
Producción: Paola Villegas / Gabriel Blanco – Spectare
Ayudante de producción: Andrea Méndez, Distribución: Valeria Cosi – Tina Agency
Con el apoyo de IMAE Córdoba, Teatro Central Sevilla y Teatros del Canal Madrid y Tanzbiennale Heidelberg**
**Tanzbiennale Heidelberg, a project of the TANZallianz – Cooperation between Theater und Orchester Heidelberg and Unterwegstheater.
Directores artísticos, Holger Schultze, Iván Pérez, Jai González, Bernard Fauser.
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(Viernes) 20:00
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Gran Teatro
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La madre es una atrapante y conmovedora historia que cuestiona cuáles son los límites de la soledad, el vacío y la cordura. Que nos hace cuestionarnos cosas como ¿Puede
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La madre es una atrapante y conmovedora historia que cuestiona cuáles son los límites de la soledad, el vacío y la cordura. Que nos hace cuestionarnos cosas como ¿Puede una madre amar demasiado? ¿Existe un límite para ese amor? ¿Qué ocurre cuando un hijo crece y se va? En esta obra, Zeller se plantea si una madre puede amar demasiado. En algún momento, el hijo ha crecido y se marcha del cobijo materno. La madre ha construido su vida alrededor de él y con su partida sufre el síndrome del nido vacío, a la vez que debe analizar el verdadero vínculo con su marido.
Actores: Aitana Sánchez-Gijón, Juan Carlos Vellido, Alex Villazán, Julia Roch
Dirección: Juan Carlos Fisher
Dramaturgia: Florian Zeller
Composición Musical: Joan Miquel Pérez
Diseño de Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)
Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe
Diseño de Vestuario: Elda Noriega (AAPEE)
Fotografía: Sergio Parra
Diseño Gráfico: Eva Ramón
Ayudante de Dirección: Rómulo Assereto
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(Sabado) 20:00
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Gran Teatro
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Pablo Cánovas regresa a la tierra que lo vio nacer, tras su épica gira mundial con el Cirque Du Soleil. El joven ilusionista más exitoso presenta un espectáculo que ha fascinado a públicos
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Pablo Cánovas regresa a la tierra que lo vio nacer, tras su épica gira mundial con el Cirque Du Soleil.
El joven ilusionista más exitoso presenta un espectáculo que ha fascinado a públicos de todo el mundo con ilusiones nunca antes vistas en España.
Después de triunfar en América, Arabia Saudí y Europa, Pablo vuelve a Córdoba para su única función antes de la próxima gira en USA. Prepárate para vivir una noche muy especial y emocionante donde todo es posible.
Edad recomendada +6 años.
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(Viernes) 20:00
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Teatro Góngora
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SOBRE LAS HOJAS DE HIERBA Un Homenaje a Walt Whitman Sobre las hojas de hierba aborda la relación íntima entre música y poesía en homenaje a Walt Whitman, el padre de la
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SOBRE LAS HOJAS DE HIERBA
Un Homenaje a Walt Whitman
Sobre las hojas de hierba aborda la relación íntima entre música y poesía en homenaje a Walt Whitman, el padre de la poesía estadounidense. La obra exalta el cuerpo y el mundo material, elogia la naturaleza y el papel del individuo humano en ella. Todos los poemas están conectados entre sí y cada uno representa la visión del poeta de su filosofía de la vida y de la humanidad, como si se tratara de su biografía a modo de poemario. El libro de Whitman se caracteriza por su alegría y la alabanza de los sentidos en un momento en el que las manifestaciones en primera persona y la expresión del uno mismo se consideraba inmoral. El poeta utilizó por primera vez imágenes y símbolos inusuales en la poesía y escribió abiertamente sobre la muerte y la sexualidad, incluyendo la prostitución. Tanto el enfoque de la obra como la puesta en escena ayudan a crear una atmósfera idónea, imprescindible para disfrutar de la poesía. La música compuesta para el espectáculo engarza a la perfección con la época en que fue escrita: una mezcla de sonidos sureños donde no falta el blues, el sonido del piano de Nueva Orleans salpicado con la música de un jazz que daba por entonces sus primeros pasos. Con esta música y la voz de Nur Levi y la del Premio Nacional de Teatro en 2021, Juan Diego Botto, nos adentraremos en la época y en la sociedad que vivió el poeta y que tanto influyó en su poesía.
- Reparto: Juan Diego Botto y Nur Levi
- Composición original y músico en escena: Alejandro Pelayo
- Iluminación: Luis del Valle
- Diseño y dirección de Producción: Nur Levi
- Producción: La Rota Producciones
- Dirección: Juan Diego Botto
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(Sabado) 20:00
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Teatro Góngora
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Querida Ágatha es el último proyecto de Juan Carlos Rubio, en el que explora las vidas de dos personajes absolutamente únicos e imprescindibles: Ágatha Christie y Benito Pérez Galdós. Ágatha
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Querida Ágatha es el último proyecto de Juan Carlos Rubio, en el que explora las vidas de dos personajes absolutamente únicos e imprescindibles: Ágatha Christie y Benito Pérez Galdós. Ágatha se enfrenta a una nueva noche en vela. Los fantasmas de la relación rota con su marido y la reciente pérdida de su madre han hecho mella profunda en su percepción de la realidad, situación agravada por el consumo de alcohol y tranquilizantes. La inesperada visita de un elegante caballero de cierta edad interrumpe sus planes. Él es Benito Pérez Galdós. Entre ambos genios se establece inmediatamente una electrizante conexión, en la que salen a la luz secretos, fobias, deseos y frustraciones.
Querida Ágtha es una comedia dramática donde conviven el humor y la lágrima, el género fantástico, el misterio, la tensión y un final inesperado.
Intérpretes: Carmen Morales, Juan Meseguer, Clara Segura
Escenógrafos: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (Estudio DeDos)
Diseño de iluminación: José Manuel Guerra
Música y diseño sonoro: Miguel Linares
Figurinista: Guadalupe Valero
Fotógrafo y diseñador gráfico: Javier Naval
Asistente fotógrafo: Antonio Moreno
Diseño de Caracterización: Chema Noci
Realización dossier y programa de mano: Luis Miguel Serrano (La Alegría Producciones)
Ayudante de dirección: Manu Baños
Autor y Director: Juan Carlos Rubio
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(Viernes) 20:00
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Teatro Góngora
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Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco. Romance Popular en tres estampas. A partir de la obra Mariana Pineda de Federico García Lorca En su primera dirección al frente del Ballet
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Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco.
Romance Popular en tres estampas. A partir de la obra Mariana Pineda de Federico García Lorca
En su primera dirección al frente del Ballet Flamenco de Andalucía, la granadina Patricia Guerrero asume el reto de dar cuerpo y alma a Pineda. Una versión en la que se explora toda la fuerza espiritual y expresiva del poema dramático de Federico García Lorca. Patricia Guerrero nos entrega una Pineda vibrante y con calambre, granadina y universal, y decididamente flamenca. Un poema dramático bailado porque, como decía Federico García Lorca, “la escena no puede ser otra cosa que emoción y poesía: en la palabra, en la acción y en el gesto”.
Dirección artística y coreografía: Patricia Guerrero
Dramaturgia: Alberto Conejero
Dirección musical: Dani de Morón/ Agustín Diassera
Composición musical: Agustín Diassera, dani de Morón y Sergio “El Colorao”
Arreglos musicales: Manuel Busto
Letras: Federico García Lorca de su obra “Mariana Pineda. Romance popular en tres estampas “. 1925
Adaptación de las letras: Alberto Conejero
Adaptación musical de las letras: Sergio “El Colorao”
Coreografía escena “La batalla del Albaicín”: “La Venidera” (Albert Hernández)
Otras coreografías: Eduardo leal y Alfonso Losa
Elenco artístico:
Bailaoras/es: Álvaro Aguilera, Ángel Fariña, Araceli Muñoz, Claudia “La Debla”, Hugo Aguilar, Lucía “La Bronce”, María Carrasco, Pablo Egea y Sofía Suárez.
Artista invitado: Alfonso Losa
Repetidor: Eduardo Leal
Cante: Amparo Lagares y Manuel de Gines
Guitarras: Jesús Rodríguez y José Luis Medina
Percusión: David Chupete
Equipo técnico:
Diseño Vestuario: Pablo Árbol
Diseño Iluminación:Juan Gómez Cornejo (AAI)
Diseño escenografía: Bengoa Vázquez y Laura Ordás (AAPEE)
Diseño espacio sonoro: Rafael Pipió (Bésame Music Producciones)
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(Sabado) 20:00
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Gran Teatro
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A partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca Sinopsis Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de
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A partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca
Sinopsis
Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas.
Este texto está escrito a partir de las intervenciones del personaje de Poncia en la obra de Federico García Lorca. En un profundo análisis del personaje el autor rescata las intervenciones de Poncia y las convierte en reflexión, en soliloquios, en diálogos con fantasmas y sombras. De este modo se alumbra un nuevo mirar dentro de la casa. En la obra original asistimos a una sucesión de hechos que se desarrollan, aquí, en esta Poncia, no. Ella habla después del shock producido por el suicidio de Adela. Todo ocurre después de su muerte.
La lengua de Poncia se desata en un lugar prohibido para las palabras. Poncia ajusta cuentas con las habitantes que sobreviven dentro. Descubrimos la simpatía de Poncia por la más joven de la casa. La reivindica, Ha muerto una hembra valiente dice, y se culpa así misma de no haber hecho más de lo que hizo para separar a los amantes clandestinos. La Poncia siempre me ha sugestionado como ningún otro personaje de los que habitan en la casa de Bernarda Alba. Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante.
Son personajes que son testigos de los avatares de los protagonistas. Conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares.
Escuchamos la voz de la criada para iluminar los rincones de la obra de Lorca. La Poncia habla de suicidio, de libertad, de culpa, de clase, de educación, de sexo y lo habla con toda la fuerza de la voz que ha sido maltratada y callada. El alma de la Poncia se abre para insistir en la necesidad de transferir a los demás la idea de amarnos en libertad.
REPARTO
Poncia: Lolita Flores
EQUIPO ARTISTICO
Diseño de espacio escénico: Monica Boromello
Diseño de iluminación: Paco Ariza
Composición de música original: Luis Miguel Cobo
Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Ayudante de dirección: : Álvaro Lizarrondo
Fotografía: Javier Naval
Texto: Luis Luque (A partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca)
Dirección: Luis Luque
Productor: Jesús Cimarro
Producción: Teatro Español y Pentación Espectáculos
Función Accesible (Día 08-11-2024) recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.
Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva. | |
Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión. | |
Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T». |
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Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva. |
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8 (Viernes) 20:00 - 9 (Sabado) 19:00
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Gran Teatro
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ESTRENO ABSOLUTO. Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco El espectáculo está inspirado en la teoría del “buen salvaje”, expuesta por Jean-Jacques Rosseau, uno de los grandes
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ESTRENO ABSOLUTO. Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco
El espectáculo está inspirado en la teoría del “buen salvaje”, expuesta por Jean-Jacques Rosseau, uno de los grandes representantes de la ilustración, en la que defiende que el hombre es bueno y puro por naturaleza y es la sociedad quien lo pervierte y lo corrompe, que todo lo que no pertenece a la naturaleza sólo puede llevar al desorden físico y moral.
Realizando un paralelismo con el flamenco, un arte que en ocasiones es llevado por la sociedad a puntos que lo alejan de su núcleo, arrastrado por el poder y los intereses propios, recorren las etapas más importantes de la vida del personaje, desde su nacimiento hasta su degeneración más profunda para mostrar cómo, poco a poco, ese ser humano bueno e ingenuo por naturaleza, se va transformando, influenciado por la sociedad, en una persona extremadamente ambiciosa, egocéntrica, a quien sólo le importa el poder. “El mito del buen salvaje” es un espectáculo de flamenco que abarca desde el flamenco más tradicional, a la danza española y otras propuestas más contemporáneas.
Bailarines: Álvaro Paños y Carmen Manzanera
Cantaores: Bernardo Miranda y Miriam Montes
Guitarra: David Caro
Percusión: Javier Rabadán
Diseño de iluminación y escenografía: Tito Osuna
Vestuario: Mercedes Prieto y Carmen Manzanera
Idea Original: Álvaro Paños, Carmen Manzanera, Guillermo Castro
Coreografía: Álvaro Paños, Carmen Manzanera, con la colaboración especial Patricia Guerrero, premio Nacional de Danza 2021
Dirección Musical: Guillermo Castro
Dirección Artística: Álvaro Paños y Carmen Manzanera
Todos los espectáculos del Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco pinchando aquí
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(Viernes) 20:00
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Teatro Góngora
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Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco El IMAE Gran Teatro de Córdoba conmemora el Día Internacional del Flamenco, declarado por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, con
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Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco
El IMAE Gran Teatro de Córdoba conmemora el Día Internacional del Flamenco, declarado por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, con un ciclo de actividades que se desarrollarán a lo largo del mes de noviembre. Arcángel será el protagonista de esta noche, que tras varios proyectos marcados por la inquietud de buscar nuevas vías expresivas mediante el diálogo con otros géneros musicales, se embarca en una fascinante aventura que le lleva a explorar caminos muy diferentes a los que hasta ahora ha transitado. Un viaje desde el flamenco hacia otros géneros musicales que cuenta en la composición de sus temas con grandes artistas del panorama nacional e internacional como Juanes, Andrés Calamaro, Vetusta Morla, Leiva, Vanesa Martín o Rozalén, de los que intenta mantener su estilo, sin aflamencar demasiado las canciones, pero consiguiendo que aún así sea reconocible el flamenco en sus interpretaciones. “Hereje” es el resultado de la fusión de esos nuevos temas con los grandes temas flamencos que le han llevado a ser, sin duda alguna, uno de los mejores cantaores de su generación.
Voz: Arcángel
Guitarras: Francis Gómez y Benito Bernal
Percusiones y batería: Lito Mánez
Teclado: Álvaro Gándul
Coro y palmas: Los Mellis
Todos los espectáculos del Ciclo conmemorativo del Día Internacional del Flamenco pinchando aquí
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(Sabado) 20:00
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Gran Teatro
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LIBRE Nino Bravo , como solo MELOMANS te lo puede contar y cantar de Santiago Sánchez y Víctor Lucas Melomans es un grupo vocal y teatral creado
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LIBRE
Nino Bravo , como solo MELOMANS te lo puede contar y cantar
de Santiago Sánchez y Víctor Lucas
Melomans es un grupo vocal y teatral creado en 2010 por cuatro jóvenes artistas valencianos. Sin más instrumentos que sus propias voces y con el humor como sello distintivo, Melomans se ha vonvertido en un referente de la música a capela en España. “Libre” es su nuevo espectáculo de teatro musical. El homenaje más original al cantante más grande: la historia de Nino Bravo. Melomans nos lleva de viaje por su vida y sus canciones. Y lo hace con su particular y desenfadado sentido del humor. Un recorrido entre anécdotas de su carrera para descubrir su lado más personal y divertido. “Libre” es una revisión de sus 60 canciones en un estilo a capela moderno y actualizado con nuevas técnicas musicales en directo como bucles, secuenciaciones y otros efectos sorprendentes.
Melomans: Edu Escarti, Gonzalo Manglano, Javi Reig, Pau Ferrer
Idea original: Melomans, Santiago Sánchez, Víctor Lucas
Dramaturgia: Santiago Sánchez, Víctor Lucas, Melomans
Producción musical y diseño de sonido: Erik Bosio, Nacho Mañó y Guille Escartí
Arreglos musicales: Moi Bautista, Lorenzo SuBrizi, Erik Bosio, Melomans
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de iluminación: Antonio Castro
Diseño de vestuario: Gabriela Salaverri
Diseño y coach de títere: Edu Borja
Diseño gráfico: Obert Estudi
Videocreación y fotografía: Guille Escartí, Obert Estudi
Música incidental original: Melomans
Coach vocal: Tere Núñez
Dirección musical: Melomans y Víctor Lucas
Dirección de escena: Santiago Sánchez y Víctor Lucas
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(Sabado) 20:00
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Gran Teatro
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Burro es una tragicomedia inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno. En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta
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Burro es una tragicomedia inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno. En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro español e inglés, la Ilustración y la Modernidad.
Elenco: Carlos Hipólito, Fran García, Manuel Lavandera, Iballa Rodríguez
Música original: Yayo Cáceres
Escenografía: Ay Teatro y Tatiana de Sarabia
Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia
Diseño de iluminación: Miguel A, Camacho
Diseño gráfico y fotografía: Davis Ruiz
Sastrería: Maribel Rodríguez RH, Alejandro Jaén
Ayudante de dirección: Daniel Migueláñez
Dramaturgia: Álvaro Tato
Dirección: Yayo Cáceres
Función Accesible recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.
Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva. | |
Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión. | |
Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T». |
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Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva. |
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(Viernes) 20:00
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Gran Teatro
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LAZARILLO ÓPERA DE CAMARA Música de David del Puerto y Texto de Martín Llade Lazarillo de Tormes, uno de los clásicos trascendentales de la lengua castellana, es
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LAZARILLO
ÓPERA DE CAMARA
Música de David del Puerto y Texto de Martín Llade
Lazarillo de Tormes, uno de los clásicos trascendentales de la lengua castellana, es la última ópera del Premio Nacional de Música David del Puerto. La obra presenta una cruda mirada a una España azotada por la miseria, el fanatismo y la explotación, a través de la vida de Lázaro, utilizando tecnología audiovisual para amplificar la experiencia teatral, con una cámara en vivo que capturará las acciones de los cantantes, proyectadas en tiempo real en una pantalla gigante en el escenario. En el Lazarillo de David del Puerto, el protagonista representa el niño, hijo de un ladrón y una concubina, abandonada en el río que vaga por los pueblos ruinosos de una España árida y azotada por el sol. Y, al mismo tiempo, anticipa también un futuro relativamente próximo, donde la ignorancia, el fanatismo y la miseria luchan por sobrevivir tras el desastre climático.
Ruth González, Soprano
Silvia Zorita, Mezzosoprano
Enrique Sánchez-Ramos, Barítono
Antoni Comas, Tenor
Escenografía, Cristina Martín Quintero
Iluminación, Guiomar Martín Sánchez
Orquesta de Cámara: flauta, oboe, fagot, violín, viola, violonchelo y guitarra clásica
Ayudante de dirección, Ruth Rubio
Dirección musical, Lara Diloy
Dirección de escena, Ricardo Campelo
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(Sabado) 20:00
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Teatro Góngora
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Una obra de Mingo Ruano. Basada en el clásico de Charles Dickens Actualizada versión, con tintes de humor y música, de la obra de Charles Dickens, Cuento de Navidad.
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Una obra de Mingo Ruano. Basada en el clásico de Charles Dickens
Actualizada versión, con tintes de humor y música, de la obra de Charles Dickens, Cuento de Navidad. Scrooge, hombre avaro y solitario, es visitado en Nochebuena por tres espíritus que representan su pasado, su presente y su futuro. Una vida contada en una noche, para recordar, tanto al protagonista como al público, la importancia de ser amable y mantener vivo el recuerdo de las escenas más bonitas de nuestra vida.
Dirección: Mingo Ruano
Adaptación: Luis O’Malley
Dramaturgia: Charles Dickens
Ayudante de Dirección: Nuria Hernando
Coach de elenco infantil: Julian Salguero
Diseño de Iluminación: Juani González
Diseño de Sonido: Gaby Melgarejo
Dirección Técnica: Borja Majarrez
Regiduría: Nuria Hernando
Técnicos de Sonido: Pablo Fernandez y Elisa Lorenzo
Técnico de Iluminación:Valentín Donaire
Sastrería: Belu Troncelliti
Producción ejecutiva: Lope García
Equipo de Producción: Elena Canellas y Paloma Amores
Fotografía del Cartel: Lucrecia Díaz
Diseño Cartel: Yasmina Bello Barroso
Adaptaciones Cartel: Juan Lorite
REPARTO:
Fernando Cayo, (Scrooge)
Belén Orihuela
Julián Salguero
Carlos Valledor
Estefanía Rocamora
Javier del Arco
Ángela Rucas
Carmela Martins
Raúl Heredia
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6 (Viernes) 19:30 - 8 (Domingo) 17:00
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Gran Teatro
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CÁLLATE CORAZÓN UN ESPECTÁCULO CON LO MEJOR DE LA ZARZUELA Cállate, corazón es un homenaje a un género, la zarzuela, y a sus intérpretes, que han defendido un
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CÁLLATE CORAZÓN
UN ESPECTÁCULO CON LO MEJOR DE LA ZARZUELA
Cállate, corazón es un homenaje a un género, la zarzuela, y a sus intérpretes, que han defendido un patrimonio que no solo pertenece al pasado, sino que se ha ido transformando a lo largo de los años. Este espectáculo hace un viaje por grandes momentos de este género y también por canciones y números menos conocidos y que son auténticas joyas de nuestro repertorio. La zarzuela barroca, la copla, los números de revista y la canción española tendrán también su espacio en este impresionante viaje musical. Esta peculiar antología de la zarzuela tendrá un hilo conductor abierto y poético, en el que habrá lugar para la comedia y el desamor, la nostalgia y la carcajada.
Milagros Martín o María Rodríguez serán las figuras clave encarnando el personaje de Paloma, una mujer a la que, en un momento de su vida, le llegan recuerdos de su pasado en forma de números musicales.
Reparto:
Josefina: Milagros Martín / María Rodríguez
Paloma: Rebeca Cardiel / Ruth González
Javier: Paco Sánchez /Álvaro Andrés Lara / Ricardo Calderón
Max: Ángel Walter / Juanma Cifuentes
Julián: E. Sánchez-Ramos
Escenografía: R. Sánchez Cuerda
Chelista: Irene Celestino
Percusionista: Iván Mellén
Clarinete: Cecilia Serra
Dirección musical y piano: Miguel Huertas
Dirección: Susana Gómez
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(Sabado) 20:00
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Gran Teatro
Gran Teatro
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LA CELESTINA de Fernando de Rojas Adaptación de Eduardo Galán Con esta versión de “La Celestina”, Eduardo Galán pretende acercar la tragicomedia a públicos más jóvenes y
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LA CELESTINA
de Fernando de Rojas
Adaptación de Eduardo Galán
Con esta versión de “La Celestina”, Eduardo Galán pretende acercar la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma de quienes acudan a verla. Ha buscado el dinamismo de la acción, el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: “El carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad de disfrutar de la juventud. Para ello ha realizado una labor de síntesis, ya que Fernando de Rojas la escribió a finales el Siglo XV para que fuera leída, no para ser representada.
Calisto, un joven noble apuesto y de preclaro ingenio, penetra persiguiendo a un halcón en la huerta donde se halla a Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si lograba entre todos enamorar a Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia, de lo que Calisto tiene noticia al día siguiente. Los amantes olvidan pronto estos tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la vida del joven caballero. Ante la muerte de su amado, Melibea sube a una torre y se arroja desde ella tras declarar las causas del suicidio a su padre. Termina la obra con el llanto y unas reflexiones morales de Pleberio, padre de Melibea.
Elenco: Anabel Alonso, José Saiz, Víctor Saiz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos, David Huertas
Música original y espacio sonoro: Manuel Solís
Diseño de escenografía: Mónica Teijeiro
Diseño de iluminación: José Manuel Guerra
Diseño de vestuario: Mónica Teijeiro
Adaptación: Eduardo Galán
Dirección: Antonio C. Guijosa
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(Viernes) 20:00
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VICENTE AMIGO ANDENES DEL TIEMPO Andenes del Tiempo es el noveno disco de estudio en la carrera del músico y guitarrista Vicente Amigo, considerado una de las figuras de referencia en el
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VICENTE AMIGO
ANDENES DEL TIEMPO
Andenes del Tiempo es el noveno disco de estudio en la carrera del músico y guitarrista Vicente Amigo, considerado una de las figuras de referencia en el panorama de la guitarra y el flamenco actual. Andenes del Tiempo es un disco completamente instrumental en el que Vicente, desde la composición y la interpretación, vuelve a provocar lo que su música lleva demostrando desde siempre, una inconfundible transmisión de sensaciones musicales, belleza melódica y personalidad sonora como muy pocos suelen lograr. Su lenguaje es el flamenco y su instrumento la guitarra. Sin embargo, el contenido estilístico es variado: va de temas clásicos, como la bulería y la soleá, a otros algo menos común de abordar en un disco de guitarra, como los tanguillos de Cádiz, el pasodoble, la rumba, el bolero y el que da nombre al disco, que puedes ser el que más se separe del resto añadiendo un paisaje sonoro casi cinemático por la composición y la tímbrica utilizada.
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(Sabado) 20:00
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Gran Teatro
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