De la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Calderón de la Barca sabía perfectamente del gran poder del teatro para crear imaginarios hasta ese momento desconocidos. Hijo de la Contrarreforma tenía que satisfacer las necesidades dogmáticas que la Iglesia de su tiempo imponía.

El genio creador de Calderón intentó en innumerables ocasiones conjugar su obediencia a esos principios dogmáticos con elementos que elevasen la consciencia de sus espectadores a espacios más allá de la obediencia ciega y les permitiesen amplias cotas de reflexión, abrazando la humanidad sin distinciones.

El gran teatro del mundo es una obra paradigmática en ese sentido. En ella se conjuga un imaginario escénico inédito en su tiempo y una versificación de una extraordinaria belleza con unas reflexiones espirituales y filosóficas de gran profundidad que proponían a los espectadores del siglo XVII y a nosotros mismos amplias cotas de reflexión sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan.

Por todo ello, El gran teatro del mundo sigue siendo una de las más importantes producciones teatrales del Siglo de Oro.

Lluís Homar

Reparto: Clara Altarriba, José Luis Verguizas, Malena Casado, Antonio Comas, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Jorge Merino,  Aisa Pérez, Chupi Llorente, Pablo Sánchez
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Voz y palabra: Vicente Fuentes
Composición y Dirección musical: Xavier Albertí
Dirección: Lluís Homar

Función Accesible (Día 28-03-2025) recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

Si hay algo que pueda definir la singularidad creativa de María Pagés es, sin duda, su arraigado sentido ético de la cultura. María crea porque está convencida de que el arte lleva en su esencia y en la emoción que lo produce, un profundo compromiso con la vida y con la memoria cultural. Desde la perspectiva de un personaje colectivo, De Sheherezade relata la intrahistoria sentimental de las mujeres. Lo hace sin subterfugios, ni dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construídas por los tópicos. Los personajes que recorren las venas íntimas de De Sheherazade, y los mitos que la sustentan, sirven de base filosófica a esta coreografía femenina. Las mujeres sheheradianas son las amas de casa, las que salen corriendo de la oficina para recoger a los niños, las creadoras, las obreras, las investigadoras… que reinventan continuamente el mundo con su inteligencia sensible y esfuerzo. Esta  De Sheherazade empieza cuando termina el cuento de Las Mil y una noches. En el relato pagesiano el personaje asume la invención para transformar el mundo. La narración no acaba como la tradición lo cuenta. Poderosamente flamenco, este relato quiere restituir el principio femenino y asumirlo como parte fundamental de la naturaleza humana.

FICHA ARTÍSTICA:

Bailaora: María Pagés
Bailaoras: Julia Gimeno, Alicia de Castro, Almudena Roca, Ariana López, Marta Gálvez, Raquel Guillén, Marina Madiedo, Natalia Preisig
Cantaoras: Ana Ramón Muñoz, Cristina Pedrosa
Guitarras: Rubén Levaniegos, Isaac Muñoz
Violín: Graci del Saz
Cello: Sergio Menem
Percusión: Txema Uriarte
Coreografía, diseño de vestuario, dirección musical: María Pagés
Dramaturgia, textos y letras: El Arbi El Harti
Composición musical: Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David Moñiz, María Pagés
Diseño de iluminación: Olga García
Escenografia: María Pagés y El Arbi El Harti
Dirección: María Pagés y El Arbi El Harti

La bailarina y coreógrafa cordobesa, Marta Gálvez, presenta en su ciudad su primer trabajo en solitario: Dama de Noche, un viaje en el que, a través de la oscuridad y las sombras de la noche, nos mostrará el proceso de transformación que sufre esta flor. La artista nos invita a viajar desde el crepúsculo que da comienzo al bello proceso de florecer, transitando todas las etapas que se circunscriben en torno a este fenómeno, como son la maduración, la polinización o el surgir de los frutos que adornarán de rojo y púrpura la opacidad de la noche. Se irán sucediendo escenas creadas a partir de los diferentes lenguajes de la danza española, desde la búsqueda de la belleza a través de la exploración estilística de la escuela bolera hasta el juego de estructuras que se llevará a cabo en las partes más flamencas. Todo ello nos guiará hacia el cierre de la flor, como metáfora cíclica de un nuevo comienzo.

FICHA ARTÍSTICA:

Baile: Marta Gálvez
Guitarra: José Almarcha
Cante: David Lagos
Cello, voz y percusión: Isidora O’Ryan
Dramaturgia: Marta Gálvez
Colaboración coreográfica: La Venidera
Asesor coreográfico y visión externa:  Juan Carlos Avecilla
Música: José Almarcha,  Isidora O’Ryan, Marta Gálvez y Juan Carlos Avecilla
Letras: David Lagos y Marta Gálvez
Diseño de iluminación: Dominique You
Diseño de vestuario: Belén de la Quintana y Marta Gálvez
Sonido: Chipi Cacheda
Producción: Marta Gálvez
Dirección y Coreografía: Marta Gálvez

Agradecimientos a María Pagés y a El Arbi El Harti por ser mis compañeros de viaje en la construcción de la dramaturgia y la dirección coreográfica y escénica de Dama de noche y haberlo hecho desde la vocación generosa de apoyarme en mi reto creativo y la consciencia de que la transmisión de conocimiento y de la buena energía solo se hace desde le respeto y el cariño»

De Rainer Werner Fassbinder.

 Las amargas lágrimas de Petra von Kant, escrita febrilmente durante un vuelo entre Berlín y los Ángeles y estrenada en 1971, pertenece al periodo más brillante de Fassbinder. Esta obra de teatro fue elogiada por la crítica internacional por su estilizado retrato del desamor romántico en un universo puramente femenino. El dramaturgo alemán, que revitalizó la herencia brechtiana con el melodrama norteamericano, despliega toda la artillería para hablarnos de la soledad y la dominación en esta historia de amor sáfico que cree en las elipsis y los silencios. Rakel Camacho versiona, con un pulso renovador cargado de imágenes, este clásico del repertorio europeo sobre las relaciones de poder, la obsesión enfermiza y la necesidad tóxica de vernos aceptados en los ojos de los demás.

Petra von Kant, una exitosa diseñadora que acaba de separarse de su segundo marido, vive con su secretaria Marlene, ayudante y casi esclava. Cuando una de sus mejores amigas le presenta a Karin, una joven oportunista de orígenes humildes, Petra se enamora perdidamente de ella y promete convertirla en una modelo internacional. Las dos mujeres comienzan entonces una tormentosa relación.

FICHA ARTÍSTICA:
Reparto: Ana Torrent, Aura Garrido, Celia Freijero, Julia Monje, María Luisa San José
Diseño de iluminación: Mariano Polo
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro
Diseño de cartel y fotografía: Javier Naval
Dirección: Rakel Camacho

Héctor y Berna son un matrimonio sin hijos, que a lo largo de su vida han reunído una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que la colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá él mismo un examinador, si es que no una pieza de la colección. Es La colección una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: José Sacristán, Ana Marzoa,Ignacio Jiménez, Zaira Montes
Diseño de escenografía: Alessio Meloni
Diseño de Vestuario: Vanessa Actif
Diseño de iluminación: Juan Gómez Coprnejo
Música: Jaume Manresa
Ayudante de dirección: Ana Barceló
Dirección: Juan Mayorga

Ahora que Tricicle se toma un descanso indefinido, Carles Sans, después de cuarenta años en silencio, aprovecha en «Por fin solo» para hablar de ocurrentes y divertidas anécdotas profesionales, además de personales, que han sido vividas durante este periodo. Confesiones tan sorprendentes como que antes de convencer a sus socios de formar una compañía, se interesó por sus parejas (las parejas de ellos), o sobre cómo consiguió superar su última colonoscopia mientras la doctora le hablaba de Tricicle. Nos explica también la primera vez que sus padres lo vieron actuar con Joan y Paco en un café-teatro de Barcelona, o cuando les lamieron la oreja cuando estuvieron en Japón, y del memorable ridículo que hizo en un jumbo cuando tenía pánico a volar. Este es el espectáculo que todos los seguidores de Tricicle querrán ver porque se explican los secretos de una compañía muy querida que ha hecho récord de público allí donde ha ido. Por fin solo aparece en el momento más oportuno como si se tratara de un “making of” de la vida de Tricicle.

Es un espectáculo basado en hechos reales que hará reír a aquellos que quieran saber más de una compañía que, según se ha dicho, forma parte de la memoria emocional de nuestro país. Por fin solo no es únicamente un monólogo. Es un espectáculo que combina qué se dice y cómo se dice, a través del gesto y la palabra de Carles Sans, el cual perfila una galería de divertidos y entrañables personajes, de forma que consigue una fantástica empatía entre actor y espectadores. Su expresividad gestual y sus historias harán disfrutar a los “tricicleros”, porque descubrirán vivencias muy divertidas que todavía nadie conoce.

FICHA ARTÍSTICA:

Actor: Carles Sans
Guion: Carles Sans
Fotos: Elena Infante
Diseño Gráfico: Maxianplanet.com
Técnico iluminación y sonido: Ricard Pons
Dirección: José Corbacho y Carles Sans

A partir del capítulo XIV de Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes

Un hombre ha aparecido muerto: Grisóstomo. Una mujer ha sido acusada de su muerte: Marcela. Los pastores sospechan de Marcela. No les gusta su hermosura, ni su orgullo. Estamos en 1605 y todos creen que merece un castigo. Pero Marcela no acata la norma y habla en su propia defensa. Marcela es uno de los personajes más célebres de Cervantes. En pleno arranque del siglo XVII, uno de los autores más importantes de la literatura universal, fue capaz de captar y transmitir de manera poética y contundente algo tan intrísico a la experiencia de ser mujer en un contexto patriarcal. De la mano de tres creadoras actuales, descubriremos los muchos fuegos que iluminan este mito. Marcela nos invita a reflexionar sobre el amor, el poder y el miedo radical a la mujer libre.

FICHA ARTÍSTICA:

Interpretación: Celia Freijeiro
Voz en Off Quijote: Luis María Ansón
Diseño de espacio escénico: Pablo Chaves
Diseño de iluminación: Lola Barroso
Ayudante de iluminación: Elena Alejandre
Diseño de vestuario: Marta Murillo
Diseño de sonido: Pablo Martínez
Dirección: Leticia Dolera

De Andrea Jiménez

En esta irreverente adaptación de Rey Lear, de W. Shakespeare, Andrea Jiménez investiga los cruces entre ficción y realidad, teatro y performance dirigiendo en directo a un actor distinto cada noche en el rol de Lear, abriendo así un espacio de encuentro con todo una generación de actores y hombres para reflexionar sobre la paternidad, el amor y el perdón, en un ejercicio teatral tan valiente como lúdico. Esta versión-simulacro de Rey Lear aspira a ser una puerta abierta para pensar cómo nos relacionamos con nuestros padres, los biológicos, pero también los metafóricos. Es una autoficción a partir de un clásico o un clásico autoficcionado. Es una pieza sobre el origen, sobre cómo lo que vino antes nos persigue, aunque queramos ignorarlo. Sobre cómo nos construyen quienes nos preceden. Sobre cómo inventar una vida que te pertenezca sin olvidar el pasado. Sobre cómo imaginar otros finales posibles. Es también una audición, o un ensayo, eso que sucede antes de que todo suceda, el lugar justo antes de que algo tome su forma exacta. El momento exacto en el que aún todo es posible.

FICHA ARTÍSTICA:
Elenco: Andrea Jiménez, Juan Paños y un actor diferente cada noche
Creación y texto: Andrea Jiménez
Dramaturgia: Andrea Jiménez y Olga Iglesias
Diseño de escenografía e iluminación: Judit Colomer
Espacio sonoro: Lucas Ariel
Diseño de vestuario: Yaiza Pinillos
Movimiento: Inés Narváez y Amaya Galeote
Ayudante de dirección: Oscar Martínez-Gil
Dirección: Andrea Jiménez y Úrsula Martínez

La Compañía Sevillana de Zarzuela se ha ido consolidando desde su creación en 2009  en el seno institucional de la Universidad de Sevilla con el objetivo de incrementar la producción músico-teatral de la zarzuela. Además, desde 2016, viene desarrollando una importante labor de rescate y restauración de vestuarios y escenografías históricas, posicionándose en la actualidad como uno de los grandes proyectos institucionales de interpretación y recuperación científica de este género musical.

El Dúo de la Africana ha sido la obra elegida como proyecto de recuperación patrimonial para el curso 2024/2025. En esta ocasión, han trabajado en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla para crear y restaurar material escenográfico con técnicas pictóricas del S. XIX, como la creación de un telón inspirado en el Teatro Apolo de Madrid, donde se estrenó la obra o la frestauración de un telón antiguo de una pagoda hindú.

Música de Manuel Fernández Caballero
Libreto de Miguel Echegaray
Estrenada en el Teatro Apolo de Madrid el 13 de mayo de 1893

FICHA ARTÍSTICA:

Querubini, Amando Martín
La Antonelli, Carmen Jiménez
Giussepini, Paco Sánchez
Amina, Marta G-M
El bajo, Julio Nomdedeu
Pérez, Juan Antonio Ortiz
Doña Serafina, Alicia Naranjo
Un Inspector, Javier Sánchez-Rivas

Orquesta y Coro titular de la Compañía Sevillana de Zarzuela

Asistencia técnica de dirección, Alejandro Rull de las Heras
Maquillaje, Lucía Torrero
Iluminación, Vestuario y escenografía históricas de la Compañía

Dirección de escena,  Marta García Morales
Dirección Musical, Elena Martínez Delgado 

PRODUCCIÓN COMPAÑÍA SEVILLANA DE ZARZUELA

Los lunes al sol nos muestra, de manera realista y conmovedora, las luchas diarias, la frustración y la desesperanza que nos encontramos al intentar encontrar trabajo en un mercado laboral competitivo y en constante cambio. Cómo la falta de oportunidades y la presión social afectan las relaciones personales, la autoestima y la esperanza de un futuro mejor. Los lunes al sol es una poderosa reflexión sobre cómo las circunstancias económicas pueden moldear la identidad y las relaciones humanas. Através de su narrativa sincera, nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Yune Nogueiras, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez, Lidia Navarro
Voz en off: Pepa Pedroche
Diseño de vestuario: Elda Noriega
Música y espacio sonoro: Álvaro Renedo Cabeza
Diseño de escenografía: Ricardo S. Cuerda
Diseño Iluminación: Juan Gómez-Cornejo eIon Anibal
Adaptación: Ignacio del Moral y Javier Hernández-Simón
Ayudante de dirección: Jon Ander Ribote
Dirección: Javier Hernández-Simón

Grupos participantes:

Renacimiento

T-Reviento

Ciclón

HAMLET

El Festival GRITA CÓRDOBA llega a su cuarta edición y lo hace con el mismo espíritu de siempre, pero con aires renovados. Se mantiene como seña de identidad la finalidad de hacer llegar el rock y el metal hecho en nuestra ciudad y ponerlo al alcance de todos los públicos y en un entorno como el Teatro de la Axerquía, donde se desarrolló la extinta Muestra Pop Rockera.

Cada año más fuertes y concienciados de que la labor de promoción del rock hecho aquí, siempre acompañado de una banda de primer nivel es necesaria para poner en valor el trabajo de tantísimos músicos.