El concierto “Tierra de Fuego y otras canciones” ofrecerá canciones de sus dos discos “Danza Salomé” y “Tierra de Fuego”.

La banda Mapache es liderada por la poetisa Marta Fernández Portillo, alias Marta Mapach, junto a los músicos Leo García, Alberto Pielfort y Marcos Fernández.

Mezcla de rock pantanoso, poesía y lenguaje cinematográfico. Hay en Mapache experimentación y vuelta a los orígenes, intertextualidades y guiños literarios, poesía contada en voz alta para que alcance así sus más profundos significados.

Ficha artística

Marta Mapache (voz, poemas, guitarra)
Leo García (bajo eléctrico)
Alberto Pielfort (viola y guitarras)
Marcos Fernández (batería)

Colaboradores:
Miguel Guinea – Saxofón tenor. Serrucho musical.
Carmen Fernández – Violonchelo.
Rafael Cañete – Teclados.

Por Vaivén Circo.

Esencial es un espectáculo del colectivo Vaivén Circo que explora el tema de las transiciones vitales a través de un lenguaje poético y visual. Cinco personajes protagonizan un viaje de juego, sueños y decisiones, donde lo esencial radica en elegir el camino más simple.

La obra se desarrolla sobre una escenografía inspirada en el Arcoíris Waldorf, una estructura de pilares y arcos que se transforma constantemente, evocando la capacidad humana de cambio y adaptación. Esta arquitectura en movimiento permite crear un espacio mágico donde el equilibrio y la tensión entre caos y armonía son protagonistas.

Dirigido por Javier Parra y con la colaboración escénica de Jokin Oregi (Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2018), el espectáculo cuenta con la dirección artística de Miguel Moreno “Bolo” (Premio Nacional de Circo 2016). Esencial ofrece 55 minutos de belleza y emoción en los que el público se ve reflejado y transportado a un universo onírico.

Idea original y creación circense: Vaivén Circo y Miguel A. Moreno «Bolo»

Director artística: Vaivén Circo y Javier Parra

De Hans Christian Andersen.

Sinopsis:

Gelda y Kai son los mejores amigos, desde su particular jardín se divierten contando cuentos de hadas. La Reina de las Nieves es uno de los cuentos que les une, pero una noche Kai decide burlarse del cuento y de la misteriosa reina. Gelda se preocupa por las consecuencias ya que todos los cuentos tienen algo de realidad… Y así ocurre, Kai es llevado por la Reina de las Nieves a su castillo de hielo. Y así Gelda comienza un viaje iniciático para rescatar a su amigo Kai. Un viaje de ida y vuelta igual que el hermoso viaje de la vida.

Ficha Artística

Elenco:
Huichi Chiu, Irene Camacho, Nacho Zorrilla, Inma Pérez-Quirós, Críspulo Cabezas, Gabi del Castillo.

Dirección, Dramaturgia y Diseño de iluminación: Triana Lorite
Música Original: David Bueno
Creación Coreográfica: Javier del Arco

Este espectáculo cuenta con un descuento para  menores de 13 años: 13 € (butaca y platea)

Se trata de una pieza que habita los códigos de la danza, el teatro de texto y la música en vivo. Habla del ritmo frenético que nos arrastra y la necesidad de la pausa. Bailamos con rabia y con nostalgia esa promesa de modernidad que fue la Expo 92, que luego estalló con la especulación y la burbuja inmobiliaria. Pero no nos abandonamos a la inacción: como propone Donna Haraway, no se trata de empezar desde cero, sino de habitar las ruinas y construir futuro desde ahí. De ahí el subtítulo: Tientos de la ruina futura.

Cinco cuerpos y un gato de cartón habitan estas ruinas futuras. Son los restos de la fiesta prometida, los escombros aún irradian tras la detonación del 92. Unas resbaladeras de metal a modo de techo, la antena del Instituto de Astrofísica de Canarias para mandar mensajes al espacio y la réplica de 70 metros del cohete Ariane 4 apuntando al cielo. Es el Pabellón del Futuro. La vida, cansada del porvenir que no llega, crece en forma de malas yerbas y juncos que rompen el cemento. Y el público, cansado del pasado, entra al patio de butacas porque el teatro augura un presente puro.

Que 2 Proposiciones haya sobrevivido durante 18 años puede calificarse de milagro teatral. Pero hoy, en la celebración de su retrospectiva, la compañía recibirá una orden de desalojo. Y aunque este fenómeno parezca algo aislado, lo cierto es que vivir como extremófilos forma parte de la cotidianidad de la compañía, de la profesión, de toda una generación. Todos los días hay que decidir entre abandonar, inmolarse o resistir. En medio de la catástrofe diaria, ¿cómo entregarse a una causa con coherencia?, ¿cómo resistir sin legitimar la violencia sistémica?, ¿quién te sostendrá cuando yo no esté?, ¿cuál es el límite?, ¿cómo bailar en las ruinas del futuro?, ¿es la esperanza un deseo o un deber?

Ficha artística

Dirección: Raquel Madrid
Textos y Dramaturgia: Ruth Rubio
Intérpretes: Sandra Ortega, Anna París, Raquel Madrid, Cipri López, Arturo Parrilla
Coreografía: Raquel Madrid
Ayudante de dirección y producción: Gloria Díaz Escalera
Concepto escenográfico: Eufrasio Lucena
Música: Bernardo Parrilla, Miguel Marín, Enrique Bunbury, Juana Gaitán
Músicos: Bernardo Parrilla, Juana Gaitán, Pablo Cabra Canela

CON LA COLABORACIÓN DE

Agencia Andaluza de instituciones culturales, Juan Antonio de la Plaza, Isabel Ramírez, Isabel Vázquez, Gestora de Nuevos Proyectos, Danza Mobile, Teatro Clásico de Sevilla, Centro de Creación Coreográfica de Andalucía

Tránsito (Huyendo del ruido) es el nuevo espectáculo de Rosario La Tremendita junto al guitarrista Dani de Morón. Se trata de una obra introspectiva que sirve de preludio a su próximo disco, alejándose del ruido comercial para recuperar la esencia del cante flamenco en su forma más pura. Rosario explora los cantes tradicionales, rescatándolos del olvido y proyectándolos hacia nuevos territorios sonoros, mientras la guitarra de Dani acompaña con precisión y sensibilidad. Tránsito es un espacio de sobriedad y emoción, un acto de resistencia frente al ruido superficial, donde pasado y futuro del flamenco dialogan con autenticidad y profundidad.

Ficha Artística:

Rosario la Tremendita, cante y bajo eléctrico
Dani de Morón, guitarra
Manuel Reina, batería

Idea, creación escénica y musical, Rosario La Tremendita
Composición musical, Rosario La Tremendita y Dani de Morón
Manu Meñaca, Dirección técnica y Sonido
Emilio Morales, Diseño de iluminación
Dirección de producción y regiduría, María Agar Martínez

El reinado de Felipe IV representó el máximo apogeo de las artes en el Imperio español, con figuras como Lope de Vega, Calderón de la Barca, Quevedo y Velázquez brillando en la corte. Sin embargo, también marcó el inicio del declive del imperio, con guerras, corrupción y la decadencia de la Casa de los Habsburgo.

En este contexto, surge un personaje misterioso y fascinante, mezcla de actor, cómico, cantante y bufón, que sirve de hilo conductor en El Rey de la Farándula. A través de este cabaré del Siglo de Oro, este personaje —amante, confidente y espía—transporta al público entre épocas, revelando secretos y anécdotas de la corte de Felipe IV. Con un tono sarcástico, provocador y a la vez conmovedor, nos ofrece una visión humana y emocional del monarca y su tiempo.

Con una estética andrógina y barroca, y acompañado de su inseparable pianista, interpretará canciones renacentistas y barrocas de Monteverdi, José Marín y Juan Hidalgo, además de temas contemporáneos. Recitará poemas de Quevedo e interpretará pasajes de Lope y Calderón, construyendo un espectáculo versátil, vibrante y lleno de gracia, donde el pasado y el presente se funden sin barreras temporales.

Ficha Artística:
Dramaturgia, dirección e interpretación de Ángel Ruiz
Dirección musical y piano: Bru Ferri
Ayudante de dirección: Daniel Migueláñez
Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Diseño de iluminación: Rodrigo Ortega
Diseño de escenografía: Beatriz San Juan y Arantxa López Melero
Diseño de sonido: Kike Mingo
Producción ejecutiva: Jair Souza – Ferreira
Director técnico: Daniel Álcazar
Diseño gráfico: Javier Naval
Distribución: Julio Municio
Dirección de producción: Miguel Cuerdo

Años 50. Con la llegada de cierta mejora económica gracias a los convenios entre el Régimen y los Estados Unidos, un tibio y temeroso aroma de libertad vigilada llega a España. “El Saturno” es un cabaret situado en la Barcelona de la época donde lo mismo desembarca la Sexta Flota estadounidense junto a golfos burgueses y golfos mediopelo, que a su vez se codean con artistas plásticos y cinematográficos que dan a la ciudad el cosmopolitismo que perdió con el golpe de estado, la guerra civil y la posterior y larguísima represalia.

Y en ese espacio de libertad, entrecomillas, se desarrolla el espectáculo “Saturno Cabaret”
Ideado, compuesto, y escrito por Javier Ruibal es un retrato de la época a través de una galería de personajes tratados con el humor y la ternura imprescindibles para hacer de este espectáculo un espejo donde mirar lo que fuimos y cómo supimos salir dignos, aunque no ilesos, de aquel tiempo de oprobio y represión.

Ficha Artística:
Voz y guitarra española: Javier Ruibal
Dirección Musical, batería, percusiones y programaciones: Javi Ruibal
Piano: Manu Sánchez
Guitarras: José Recacha
Bajo: Daniel Escortell
Piano y teclado: Alberto Bocanegra
Violín: David Pablo Bellido
Saxofón y clarinete: Diego Villegas
Trombón: Miguel Barrones
Trompeta y fliscorno: Nacho Botonero
Bailarines: Lucía Ruibal y David Nieto
Idea original, composición musical y letras: Javier Ruibal
Dirección escénica: Juan Echanove y Bernardo Sánchez

De Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm. Adaptado para teatro por Thomas Vinterberg y Claus Flygare

La obra de Thomas Vinterberg invita a reflexionar sobre la dificultad de aceptar la madurez y el uso del alcohol como refugio ante la realidad. Los protagonistas enfrentan la crisis de la mediana edad mientras lidian con sus responsabilidades y frustraciones. Los personajes viven en un cuerpo de 40 o 50 años sin aceptar su edad, experimentan nostalgia por su juventud y buscan refugio en el alcohol. También se cuestionan sobre la creación de una familia y la educación de sus hijos y esta historia aborda el consumo de alcohol en la sociedad occidental.

Un grupo de profesores decide probar un estudio que sugiere que un nivel de alcohol en sangre del 0,5% puede aumentar la creatividad y la relajación. Sin embargo, el experimento pronto se descontrola. Josu, un profesor, se siente monótono en su vida y trabajo y junto a sus colegas, inicia un experimento controlado de consumo de alcohol. El objetivo es mejorar su función profesional y social mediante un bajo consumo diario , pero la euforia inicial se convierte en un consumo excesivo y peligroso.

Ficha artística:

Dirección: Carlos Álvarez Ossorio
Ayudante de dirección: Charo Sojo
Espacio escénico: Carlos Álvarez Ossorio
Música y espacio sonoro: Falín Galán y Jasio Velasco
Actores: Josu Eguskiza, Jasio Velasco, David Montero, Falín Galán
Fotografía y diseño: Álvaro Rodríguez Galán

Una historia de la memoria. El carnaval y el circo.

 El Rámper es un espectáculo músico-teatral creado por Jesús Bienvenido que fusiona canción de autor, carnaval de Cádiz y músicas del mundo en un emotivo y divertido viaje al pasado. Rinde homenaje a «El Rámper», autor carnavalesco de la II República, inspirado en el célebre payaso Ramón Álvarez Escudero. Con ritmos andaluces y sudamericanos, pasodobles y cuplés, el espectáculo combina música, teatro de objetos y escenografía. Acompañado por Pituquete y Raúl Botella, Bienvenido ofrece una propuesta original que trasciende el carnaval, con un estilo propio donde conviven tradición, vanguardia y letras comprometidas, reflexivas y llenas de belleza.

FICHA ARTÍSTICA:

Intérprete: Jesús Bienvenido Sauceda
Autor, compositor y letrista: Jesús Bienvenido Sauceda
Músicos: Andrés Hernández y Raúl Domínguez
Arreglos musicales: Jesús Bienvenido, Andrés Hernández y Raúl Domínguez
Escenografía: Manuel Jesús Sánchez (Artiflex Artesanos)
Vestuario: Maribel y Luisa López Esteve
Iluminación: Nacho de los Ríos
Colaboración creativa: Oligor y Microscopía
Fotografía: Daniel Pradotti
Produce: Jesús Bienvenido

El camino a la Meca, de Athol Fugard, se inspira en una mujer real, Helen Martins, que se rebeló contra todos los estamentos de su época. Un ser que persigue el deseo, la luz de la inspiración que no corresponde a ninguna edad ni a ninguna generación. Alguien que prefiere las preguntas a las certezas, que valora su libertad y su autonomía enfrentando a su tiempo y al mundo que la rodea. El autor al leerla escuchó la voz de Lola latiendo en cada texto. Sin trascendencias flota en el aire las ganas de vivir con libertad y de hacerlo intensamente. Se ha conformado un elenco con el que el viaje fuera enriquecedor y placentero, porque todos sentimos que esta será una experiencia del todo transformadora.

Ficha artística:

Reparto: Lola Herrera, Natalia Dicenta, Carlos Olalla.

Versión: Claudio Tolcachir
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Pablo Menor
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo
Ayudante de dirección: María García de Oteyza
Gerente/Regidor: Leo Granulles
Técnico de sonido: Félix Botanaç
Técnico de iluminación: Javier Gómiz
Maquinista: Alfonso Peñas
Peluquería y sastrería: Gema Moreno
Diseño de cartel: David Sueiro
Fotografía de cartel: Daniel Dicenta
Jefe de producción: Juan Pedro Campoy
Ayudante de producción: Estela Ferrándiz
Jefe técnico: Ignacio Huerta
Dirección: Claudio Tolcachir
Productor: Jesús Cimarro

Función Accesible recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

Desamparao es el nuevo espectáculo de David Palomar. Con la fuerza de quien no se resigna a encajar, Palomar alza la voz como el “último testigo del tiempo incendiado”. Este espectáculo es un pulso al reloj de los tiempos, un combate nostálgico entre lo que fue, lo que pudo haber sido y lo que está por venir. Desamparao es espejo, memoria y latido. Su respiración es la nuestra, su soledad, también. Porque todos, en algún momento, nos sentimos así.

Ficha artística:

Cante: David Palomar
Guitarra: Óscar Lago
Transiciones sonoras: Calde Ramírez
Dirección: José Troncoso
Guion y dramaturgia: José Troncoso y David Palomar
Técnico sonido y luces: Félix Vázquez
Vestuario: Maura y Revuelta

Libreto de Francesco María Piave con material adicional de Andrea Maffei

Basado en la obra homónima de William Shakespeare

Reparto: Javier Franco (Macbeth), Carmen Solís (Lady Macbeth), Alejandro López (Banquo), Santiago Vidal (Macduff – Malcom), Lucía Tavira (Dama de Lady Macbeth),

Orquesta de Córdoba
Coro de Ópera de Córdoba (Director del Coro: Alejandro Muñoz)

Diseño de escenografía y vestuario: Jesús Ruiz
Dirección de escena: José Luis Castro
Dirección musical: Salvador Vázquez

Producción escénica propiedad del Teatro Villamarta (Fundación Cultural Universitaria de las Artes de Jerez, Fundación Pública Local (FUNDARTE))

Producción Musical del IMAE Gran Teatro de Córdoba

De Sergio Rubio, a partir de la obras de Zorrilla y Claramonte. Por la Compañía Jóvenes Clásicos.

Una monja, que se hace llamar a sí misma Doña Inés de Ulloa, vive escondida y olvidada en la celda de un convento donde espacio y tiempo parecen confundirse. Una noche recibe la visita de un viajero interesado en la veracidad del mito de Don Juan. Doña Inés, deberá enfrentarse de nuevo a la eterna sombra de su amado. Inés se ha ganado el derecho de ponerse delante del público para contar la historia con sus propias palabras. El derecho de enfrentarse a quienes siempre adoraron la figura de Don Juan y a quienes otorgaron un mes, durante siglos, para contar su historia. Ahora toca escuchar su voz.

Con referencias de obras imprescindibles como El burlador de Sevilla o Don Juan Tenorio, Jóvenes Clásicos reescribe el mito del Don Juan clásico en una historia intensa y que nos presenta una Inés ansiosa por reivindicar su dignidad y por contar su verdad.
Jóvenes Clásicos quiere que el mes de Marzo, el mes de la Mujer, sea el mes de Doña Inés. Queremos darle la vuelta a una tradición y recorrer la provincia contando la historia, la de ella, de la mejor forma que sabemos hacerlo, sobre los escenarios.

Ficha Artística:
Doña Inés: Lorena Roncero
Voz Off: José Carlos Cuevas
Dirección: Pedro Hofhuis
Texto: Sergio Rubio

Ayte. de dirección: José Carlos Cuevas
Vestuario: Isabel Alba
Espacio Escénico: Jóvenes Clásicos

Rocío Guzmán, cantante y performer, fusiona la tradición flamenca y la electrónica contemporánea en su nuevo proyecto discográfico ETC cante VOL.1.

Con seis temas producidos junto a artistas como Califato 3/4, Ylia o Bromo, la Guzmán reinterpreta el legado andaluz en un diálogo único entre lo clásico y lo moderno. Desde versiones reinventadas como “Mi petenera ”, una versión personal del clásico de Antonio Chacón, reinterpretado por Enrique Morente en su álbum Homenaje a Chacón, hasta originales como “ Vuestro Manuêh ”, coproducido junto a Califato 3/4, una bulería de estructura rítmica tradicional con referentes como el minimalismo de Terry Riley y los lenguajes del free jazz, ETC cante VOL.1 es flamenco deconstruido, footwork, trance y breakbeat.

Un homenaje vibrante y vanguardista, con letras cargadas de dramatismo, que refleja el mapa emocional único de la artista.

Basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, dirigida por Magüi Mira y adaptada por Marta Torres. La obra aborda temas como la lucha entre razón y violencia, el arraigo a la tierra y las tensiones sociales en una comunidad. La obra está estructurada en tres partes: Pasado y presente, Los intrusos y El fuego, que narran la historia de la familia Borrull, la llegada de los intrusos (familia de Batiste) y el trágico desenlace tras la falsa aceptación de los nuevos vecinos.

PASADO Y PRESENTE: En esta primera parte conocemos a la familia Borrull, la historia del desahucio de la familia Barret y el motivo por el cual el resto de la huerta impide que otra familia se instale en la que fue su barraca.

Ficha Artística

Reparto: Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Patricia Ross, Claudia Taboada, Elena Alférez, Jaime Riba

Texto: Vicente Blasco Ibáñez
Dirección: Magüi Mira
Versión: Marta Torres
Composición musical: Santi Martínez
Diseño de escenografía: Curt Allen y Leticia Gañán
Diseño de vestuario: Helena Sanchis
Diseño de iluminación: José Manuel Guerra
Diseño espacio sonoro : Arenas Audio
Producción ejecutiva: Jesús Cimarro
Distribución: Rosa Sainz Pardo, David Ricondo, Eva Esteban,
Jefe técnico: Ignacio Huerta

De Alicia Montesquiu

 Las Hermanas de Manolete es una historia de ficción basada en los personajes reales que rodearon la muerte del torero Manolete en 1947. Un retrato de la sociedad franquista de esos años, en la que las mujeres eran meros objetos que no debían sobresalir sin permiso. Una negra historia de ineptitudes y oscuridad que lleva a la tragedia de varios seres: a un hombre considerado un dios, a un toro y a una actriz enamorada. Poco se sabe todavía de las mujeres que han ido rodeando a los personajes ilustres de épocas pasadas y cuanto más foco se pone en esas mujeres, que han permanecido en segundo plano social, más nos sorprende lo que encontramos. Mujeres valientes, creativas, terribles, mujeres con muchas cosas que aportar, buenas y malas, a la sociedad que las sepultaba en sus casas. En el caso del torero Manolete, la historia de las mujeres que le rodeaban es sorprendente. Se movían haciendo y deshaciendo una tela de araña a su alrededor, en el pequeño espacio que brindaba la sociedad a todo lo femenino. Abordamos esta pequeña historia de amor, sangre y rabos de toro en clave de humor negro, como no podría ser de otro modo.

Ficha Artística:

Intérpretes: Alicia Montesquiu, Alicia Cabrera, Ana Turpin
Producción: El Reló
Dirección: Gabriel Olivares
Iluminación: Carlos Alzueta
Escenografía: Marta Guedán
Distribución: Leo Buenavetura

Iván Morales adapta la trepidante novela que consagró al Premio Nadal Francisco Casavella: una fiesta escénica con música en directo sobre la Barcelona de los últimos treinta años del siglo XX, para entender mejor nuestro mundo de hoy.
El día del Watusi es el retrato alucinado, rítmico y místico de la Transición Española vista desde los ojos y el corazón de los que nosalieron en la foto, una misa pagana dedicada a todos y todas las que cayeron en el camino.

Ficha Artística:
Autor: Francisco Casavella.
Adaptación y dirección: Iván Morales
Intérprete: Guillem Balart; David Climent; Raquel Ferri; Anna Alarcón; Vanessa Segura; Artur Busquets

Dirección Musical: Jordi Busquets
Espacio: Jose Novoa;
Vestuario: Oriol Corral
Iluminación: Ana Rovira
Movimiento: David Climent
Ayudante de dirección: Júlia Barbany
Coordinación técnica: Sara Farré
Dirección de producción: Júlia Simo
Producción ejecutiva: Carlos Perelló y Guilem Albasanz
Fotografías: Juan Miguel Morales y Kiku Piñol
Distribución: Iñaki Díez
Coproducción: Los Montoya, Teatre Lliure y Festival Grec de Barcelona

Función Accesible recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

Cuatro hombres de barrio, auténticos perdedores en todos los aspectos de la vida adulta, han alcanzado su primera gran ilusión y única meta en la vida: ser miembros de la Junta de Gobierno de una hermandad de Semana Santa.

Ante el público, convertidos en esta ficción en los propios nazarenos de la cofradía, se enfrentan a su primer día grande: la primera salida en procesión por las calles de la ciudad. Justo cuando creen que están alcanzando la gloria en su cometido, a minutos de iniciar su estación de penitencia hacia la Catedral, surge un pequeño inconveniente que podría dar al traste con los anhelos de toda una vida…

“FUNCIÓN PRINCIPAL… ¡YO CREO QUE SALIMOS!” Es el espectáculo teatral de “El Palermasso”, la webserie de humor cofrade creada por Antonio Garrido y Ángel Garrido en 2016; convertida en toda una revelación por su forma de tratar, desde el cariño y la risa cómplice, el universo que rodea a las hermandades de nuestra semana santa.

El espectáculo, de 90 minutos de duración, revive alguno de los mejores gags de la serie y los lleva al teatro, generando un espectáculo completo, con un arco narrativo propio y atractivo tanto para los seguidores habituales como para los iniciados, que conocerán de cerca las aventuras y desventuras de este grupo de personajes pintorescos, pero reconocibles: los vecinos del barrio que consiguen obrar auténticos milagros.

Ficha Artística:

Elenco: Antonio Garrido, Juanma Lara, José Luis Penella “Blis”, Isidro Pillín
Una idea original de:Antonio Garrido
Dirección: Julio Fraga
Música: Jesús Duran
Ayudante de Dirección: Mario Copete
Escenografía: Jesús Sánchez
Diseño de Iluminación: Mario Copete
Espacio Sonoro: Jesús Durán
Voz en Off Costalphone: Ana Cristina Leal
Voz Canción Costalphone: María Luisa Tomás
Producción: 16 Escalones Producciones

Este espectáculo quedó aplazado. Su fecha de celebración era el 17 de diciembre de 2025. 

Las entradas adquiridas para esa fecha son válidas automáticamente para esta nueva.

El espectáculo “Normcore” ofrecerá a dos bailarinas que se citan para ofrecernos un trabajo coreográfico basado en el movimiento puro y minimalista sin perder expresividad y narrativa, en la búsqueda de una poética serena, conteniendo un elemento de vacío oculto donde su belleza deviene aún más profunda.

Nos muestra cómo dos intérpretes con apariencia similar pueden encarnar una coreografía de forma diversa según su cuerpo y su espíritu, la imaginación y sus propios misterios. Cómo disfrutar de lo individual que emana de cada una de ellas, cómo trascienden ya desde su simple presencia, a la danza donde alcanzan otro estado del ser.

Para este espectáculo cuenta con el diseño sonoro y la música en directo de Miguel Marín Arbol. Músico y compositor, frecuente colaborador de la coreógrafa, reconocido y admirado a nivel internacional por transformar con sus composiciones espectáculos enteros. Mostrará en esta ocasión una banda sonora basada en las melodías, en la belleza de la música desnuda y en la pureza de la voz.

Ficha artística:
Bailarinas: Lucía Vázquez y Sandra Ortega.
Música en directo original y texto: Miguel Marín Árbol
Idea original, dirección y coreografía: Lucía Vázquez

Esencia, escrita por Ignacio García May, es una obra enigmática que explora la fragilidad de la realidad a través del reencuentro de Pierre y Cecil, dos viejos amigos que conversan mientras esperan a un autor que tal vez nunca llegue… o que quizá estuvo siempre allí.

Entre recuerdos y reflexiones, se despliega un laberinto de percepciones donde lo real se desdibuja. Esencia es una pieza clave en la dramaturgia de García May, una historia que muestra a plena luz las claves de su teatro: pensamiento, belleza y una profunda capacidad de transformación.

Un texto que interpela al espectador desde la inteligencia, sin dogmas ni fórmulas fáciles. La puesta en escena cobra aún más fuerza con la interpretación de dos grandes actores: Juan Echanove y Joaquín Climent, que dan vida a esta obra necesaria e inquietante.

Ficha Artística:

Reparto: Juan Echanove y Joaquín Climent
Dirección: Eduardo Vasco
Escenografía: Carolina González
Iluminación: Miguel Ángel Camacho

Una coproducción de Teatro Español y Entrecajas Producciones Teatrales

El barbero de Picasso es una hilarante comedia que toma como punto de partida la conocida relación de amistad y camaradería que el pintor malagueño mantuvo con su peluquero Eugenio Arias en Vallauris desde 1.948. Choques culturales en aquella Francia de exiliados que discuten animadamente – a la española- sobre toros, política o arte, mientras nos conducen a reflexionar sobre nuestro pasado; sobre nuestra ancestral incapacidad, también muy española, de comunicarnos para construir.

El director la describe como: El barbero de Picasso es una comedia de personajes que viven acaloradamente lo que para cualquiera podría ser una locura. Esto pasa porque son genuinamente españoles. Esa barbería que describe Borja en El barbero de Picasso es un trozo anárquico de España perdido al sur de Francia. Picasso y el Barbero, dentro de este microcosmos, son unos españoles que sienten nostalgia de una patria que ya no existe ni existirá. Una patria que construyen en sus discusiones y costumbres. En sus peleas sobre si un torero es mejor o peor o si una cabra es el regalo adecuado al genio de Picasso o alguien intenta reírse de él.

Un lugar, y un tiempo, donde ser comunista es aún una posibilidad. Esa barbería es un mundo lleno de pasiones y contradicciones que sólo existe entre esas tijeras y brochas. Cruzando sus puertas, en el exterior, Francia, el país de la libertad. Pero un país que nunca será el de este barbero y este pintor. Porque ya no son ni franceses ni españoles. Son los ciudadanos de esa patria inventada que construye cualquier desterrado. Una España que sólo existe cuando el barbero y el pintor discuten sobre ella. Un lugar que no podrán habitar sin el otro.

Ficha Artística:

Dirección: Chiqui Carabante
Reparto: Antonio Molero,  Pepe Viyuela, Mar Calvo, José Ramón Iglesias
Diseño de espacio escénico: Walter Arias
Diseño de vestuario: Salvador Carabante
Diseño de iluminación: Benito Jiménez
Ayudante de dirección: Pablo M. Bravo

Producción del Teatro Español y Amor al Teatro

ESTRENO ABSOLUTO.  Conmemoración Día Internacional de la Danza

De Juana Casado

Yerma, una mujer obsesionada por su deseo de ser madre se manifiesta anómala y señalada, por no haberse sometido al modelo formal que nos impone la sociedad, ya sea en el papel de esposa, o madre, como si aún existiera una fuerza atávica, que determinara el cometido que debe desempeñar la mujer y que se sigue imponiendo en los distintos roles que ejercen las mujeres actuales y de otras épocas.

Yerma, nuestra protagonista ronda la neurosis y el delirio enfermizo, por la imposibilidad de ser madre. En esta actual propuesta «Yo soy Yerma», hemos querido ir un poco más lejos, situando a la protagonista Lorquiana en un psiquiátrico, al límite de la enfermedad mental y en el lugar en el que podrían derivar todos los personajes mencionados anteriormente en su constante lucha con la realidad y lo que verdaderamente desean. “Si yo estuviera enferma, me gustaría que tú me cuidases. Mi mujer, está enferma, voy a matar ese cordero para hacerle un buen guiso de carne (…) Así soy yo, por eso te cuido”, declara la propia Yerma a su esposo en la obra original.

Ficha Artística:
Yerma: Lucía You
Juan: Pedro Lozano
Víctor: Iván Delgado
Coro: Rocío Clavería Rojas, Beatriz Robles Duro, Hanna Herrero Yakuwa y Paulin Nicole Bonat
Dirección, dramaturgia: Juana Casado
Espacio escénico: Dominique You, Juana Casado
Coreografía: Lucia You, Pedro Lozano, Iván Delgado del Río
Diseño de vestuario: Lucía You
Diseño de iluminación: Dominique You
Espacio sonoro: Emilio Morales

AVERNO es un trance sensorial, un viaje en el que el espectador se sumerge de principio a fin, empatizando con los intérpretes, navegando entre la comunidad y lo individual. Un viaje donde se nos revela el poder de la liberación y la desnudez de nuestra entidad.

Este viaje acerca a cada intérprete a su verdadera esencia, a su yo más intuitivo y animal. Por el camino, deben enfrentarse a las versiones más oscuras de sí mismos: sus dudas, miedos y debilidades. Pero también y siempre, existe en ellos una gran fuerza de unidad y conciencia – los siete intérpretes pueden verse como un solo viajero – donde todos se convierten en espejo y paisaje hasta descubrir que pueden encontrar la libertad incluso en los lugares más oscuros y desconocidos.

Averno es un viaje transformador, físico y emocional, que encierra una búsqueda: la reconquista interior.

Marcat Dance es una multipremiada compañía internacional de danza contemporánea con sede en el pueblo de Vilches, Jaén, cofundada en 2016 por el coreógrafo español Mario Bermúdez y la bailarina estadounidense Catherine Coury. A través de la continua investigación sobre la dinámica del cuerpo, apuestan por el poder de la imaginación y los riesgos creativos, buscando inspiración en diferentes culturas, rituales, tradiciones y paisajes del mundo.

Ficha Artística: 

Coreografía y dirección: Mario Bermúdez
Bailarines: Mario Bermúdez, Catherine Coury, Marilisa Gallicchio, Andrea Pérez, Alesia Sinato,
Raúl Melcón, Jeremy Aberge
Directora de ensayos: Catherine Coury
Composición y diseño musical: Jose Pablo Polo
Dramaturgia: Isabel Vázquez
Diseño de vestuario escénico: Moisés Nieto
Diseño de iluminación: Mamen B. Gil

La obra de Agatha Christie con adaptación de Ken Ludwig

Invierno en los años 30, Hércules Poirot viaja en el Orient Express. En plena noche, una tormenta aísla el tren y, a la mañana siguiente, uno de los pasajeros aparece asesinado. Con el asesino aún a bordo, Poirot se enfrenta a uno de los casos más desafiantes de su carrera.
Juanjo Artero protagoniza esta nueva adaptación del clásico Asesinato en el Orient Express’ de Agatha Christie. promete convertirse en una experiencia cautivadora y llena de emoción. Once intérpretes, una brillante caracterización, una puesta en escena impactante y una buena dosis de suspense dan vida al misterio más emblemático de Agatha Christie.

Ficha Artística
JUANJO ARTERO, Hércules Poirot
JAIME VICEDO, Monsieur Bouc
HELENA FONT, Mary Debenham
RICARDO SAIZ, Hector McQueen
JUANAN LUCENA, S. Ratchett / C. Arbuthnot
PACO PELLICER, Michel
MÓNICA ZAMORA, Princesa Dragomiroff
CARMEN HIGUERAS, Greta Ohlsson
CANDELA GRANELL , Condesa Andrenyi
ESTELA MUÑOZ, Helen Hubbard
FIDEL DAVID, Mozo de equipaje

Autoría: Agatha Christie
Adaptada al escenario por Ken Ludwig
Traducción al español, Alicia Serrat
Asistentes de dirección, Kevin Villar y Marta Seguí
Vestuario y caracterización, Fidel David

Dirección: José Saiz

En un local semioculto de un viejo barrio, un grupo de mujeres, lideradas por la misteriosa Dionisia, se reúnen por las tardes en torno a un bingo clandestino. El juego, en el fondo, no es sino una excusa para juntarse, merendar, contarse sus penas, compartir alegrías y preocupaciones y huir de una realidad triste y monótona. Sin embargo, hay un policía que está empeñado en hacerles la vida imposible, permaneciendo siempre al acecho para cerrarles el local con el pretexto de que se trata un bingo ilegal. Ellas buscarán la manera de evitarlo, pero en el camino surgirán sorpresas y encuentros inesperados, que desembocarán en un final trágico y salvaje…

Ficha Artística:
Elenco: Ana López Segovia, Alejandra López, Rocío Segovia, Mer Lozano, Teresa Quintero, José
Troncoso, Fernando Cueto.
Autora: Ana López Segovia
Dirección: José Troncoso
Ayudante de Dirección: Jesús Lavi
Iluminación: Agustín Maza
Espacio Sonoro: Mariano Marín
Vestuario: Miguel Ángel Millán

La Verbena de la Paloma (letra de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón), clásico entre los clásicos, obra maestra de la zarzuela. Aúna lo dramático con lo cómico y esa es la grandeza, escuchar las grandes voces líricas, alternadas con el bullicio y las risas… como la vida misma.

Don Hilarión, la morena y la rubia, pasan de ser personajes de zarzuela para ser patrimonio mismo de nuestro acervo cultural.

Este espectáculo presentado por la compañía MATERLIRICA ESPAÑA ha reunido a las mejores voces, actores y actrices, bailarines y orquesta del panorama nacional. Dirigida por la soprano y directora escénica, María José Molina, pretende, con su ilusionante proyecto, engrandecer y consolidar la Zarzuela como patrimonio cultural de todo el público. En su interés por ofrecer una calidad extraordinaria, cuenta con vestuario y decorados propios, con una escenografía innovadora, pero manteniendo la esencia del género.

Es decir, CULTURA con mayúsculas, la que aúna dramaturgia con la que aúna dramaturgia con danza y música, espectáculo integral que atrae y enamora a público de todas las edades, con la renovación constante de los títulos más clásicos, que acercan a todos, porque hoy en día, los musicales vuelven a apreciarse.

Dentro del desarrollo de la obra se han añadido, debidamente guionizados, números de otras Zarzuelas Madrileñas, como Gran Vía, La Revoltosa o El Bateo.

Compañía Materlírica España

Dirección Musical: José Colomé/ Pablo Gutiérrez.
Orquesta: Filarmónica Materlírica
Dirección Artística: María José Molina
Dirección de escena: Federico Figueroa
Luces y sonido: Jesús Ortega