El violinista español de origen libanés y ascendencia armenia vuelve a tierras cordobesas tras 2 años de ausencia. Esta nueva gira es el resultado de ver crecer a su hijo y del crecimiento del propio Ara con su hijo. Sonidos y melodías que intentan dar forma a lo que ha sentido e inspirado y de ver la vida a través de él. Es un reencuentro con ese niño que nunca fue y hubiera soñado ser, un homenaje a las almas libres.

Su nuevo espectáculo estará lleno de dinosaurios, calamares robóticos, máquinas del tiempo, pianos voladores y mimos bilingües. Un reencuentro con su yo de la infancia que había olvidado. La magia de encontrar fascinante cada día y cada senda, traigan lo que traigan.

El talento de Ara Malikian fue reconocido a muy temprana edad a pesar de las circunstancias que le rodeaban en plena guerra civil libanesa en el que le tocó estudiar y pasar largos periodos en refugios antiaéreos. A los 12 años dio su primer concierto y a los 14 el gobierno alemán le otorgó una beca para estudiar en la ilustre Hochschule für Musik  und Yeatre Hannover.

Ha recibido clases de los más prestigiosos músicos del mundo y se ha labrado una exitosa carrera a lo largo de los años congregando más de 175.000 espectadores en más de 150 conciertos en su gira “15”. Con “The Incredible History of Violin” alcanzó un prestigio a nivel mundial recorriendo las principales capitales del globo.

En concierto.

Raúle (Raúl Rubiales, Jerez de la Frontera, 1984) es un músico, compositor y cantante independiente que fusiona flamenco, pop y funk. Sus inicios en la música se remontan a su adolescencia, formando parte de agrupaciones musicales y posteriormente en varios grupos de su localidad.

Fue en 2017 cuando, tras varios años preparando canciones en solitario y compartiéndolas en redes sociales, lanzó su primer álbum llamado Sin Protocolo.

Raúle toma el relevo del flamenco pop en la era digital. Aunque el jerezano prefiere no ponerle una «etiqueta» a su música, la verdad es que con él, el flamenco ha pasado al siguiente nivel contagiando a varias generaciones con la frescura que el cantante aporta a este género.

Gospel & Soul es el show, año a año renovado, del Coro Gospel Córdoba. Canciones clásicas y modernas del gospel ligadas a un hilo conductor sobre la trayectoria del grupo y cómo no, junto a canciones de otros estilos como el Rock y el Pop pero orientadas al sonido más soul y gospel.

Aretha, Beyoncé, Jackson, Abba, decenas de tributos tanto a grandes artistas como a temas consagrados como Happy Day, I Will Follow Him o Nearer my God To Thee.

Una hora y media de espectáculo que no querrás que termine.

70 voces tanto de Córdoba como de 4 nacionalidades distintas, bajo la dirección musical de Nacho Lozano y la producción musical de Nicolás Barrena.

Con más de 30 millones de discos vendidos, Los Chichos se despiden de los escenarios con Hasta Aquí Hemos Llegado, una gira muy especial que recorrerá toda la geografía española en la que el grupo conmemora sus 50 años de carrera artística y que marca el cierre de una era inolvidable. 

Hasta Aquí Hemos Llegado es una oportunidad única para revivir por todo lo alto la música que ha sido la banda sonora de varias generaciones en la historia de este país y celebrar el reencuentro con unos Chichos que dicen adiós, pero con unas canciones que serán eternas. 

Antonio Caballero Molina, nacido en 1988, conocido popularmente como Antoñito Molina es un joven cantautor gaditano nacido en Rota (Cádiz). Amante del Carnaval, de la Semana Santa, de las cosas sencillas de la vida y de la cultura de su tierra, Andalucía. Antoñito se dio a conocer con el dúo El Tren de los Sueños, que fundó en 2006 y del que formó parte 12 años hasta que decidió apostar por su carrera en solitario. Este roteño de 33 años, encuentra en la música su camino para llegar al corazón de la gente convirtiendo la carretera y los escenarios en su modo de vida.

Tras un respiro en su carrera y una clara evolución en su forma de componer e interpretar sus canciones, en 2017 graba su primer álbum en solitario Déjame que te cuente compuesto por diez canciones creadas únicamente por él, en letra y música.

Yo soy pa ti fue el primer single escogido para la promoción de su lanzamiento nacional y que, hoy en día, supera los 5 millones de visualizaciones en Youtube.

En 2020 regresó con más fuerza que nunca con el lanzamiento de un nuevo sencillo, Ya no me muero por nadie, trabajo al que se sumaban Dicen que el mundo se acaba y Me estoy volviendo loco, que han visto la luz en la primera mitad de 2021. En este mismo año fue galardonado como artista revelación por Área Andalucía (Asociación de Representantes de Espectáculos de Andalucía).

En 2022, concretamente el 4 de febrero, lanzó al mercado su segundo trabajo discográfico, La Ley de mi naturaleza, tras cinco años de su álbum debut. Un disco formado por ocho canciones, todas de su autoría, entre las que se incluyen dos temas inéditos y varios de los singles publicados durante los dos últimos años como Y te voy a querer o Supongo con una gran acogida entre sus seguidores.

En 2023, vuelve a los escenarios para presentarnos en directo su nueva gira El Club de los Soñadores con la que realizó más de 30 fechas por los escenarios de toda España. Antoñito Molina que es ya una de las futuras promesas en el panorama musical español, demuestra una avanzadísima capacidad creativa en sus letras y su música, donde pone todo el corazón y presume de un directo que te hace bailar y cantar «como loco» desde el primer acorde. Tras superar los 800 mil oyentes mensuales en Spotify, estar dentro del ranking Top 200 artistas de Spotify y del éxito de su último single Por si mañana con el que ha estado durante meses en Top virales España, Antoñito Molina presenta su nuevo single La aventura que estará disponible el próximo 24 de noviembre en todas las plataformas digitales. Este nuevo sencillo es una invitación a lanzarse a la aventura con la persona que más quieres, sin pensarlo demasiado. Es una canción pop, con toques latinos, aportados por el ritmo, la percusión y los coros.

En concierto con su gira «Aunque estemos muertos».

Este último trabajo es un disco inmersivo por la atmósfera que tiene y por el orden en cómo se desarrolla, según cuenta el artista. 

“Somos frágiles, esto un día se acabará y es mejor vivir a tope y sacarle algo a la vida”. De esta situación nace Aunque estemos muertos, con una corriente de tristeza y de oscuridad pero, paradójicamente, también de luz y luminosidad… 

Como teloneros, actuará la banda cordobesa Bonier.

En el mágico cruce de las artes, Miguel Poveda emprende un nuevo viaje sonoro junto al guitarrista Jesús Guerrero para dar vida a los evocadores textos del libro Poema del cante Jondo de Federico García Lorca. Ambos han conseguido crear uno de los mejores discos de flamenco de los últimos años, donde se muestra al Miguel más cantaor que nunca interpretando de manera magistral los textos de su amado y admirado Federico. En cada compás, el álbum revela una cuidadosa amalgama de la rica herencia del cante jondo y la poesía profunda de Federico.

La guitarra de Jesús Guerrero, oriundo de San Fernando, añade una dimensión única, ofreciendo un acompañamiento «flamenquísimo» y que hace las delicias de todo aficionado a la música flamenca. Poema del Cante Jondo no solo es un álbum musical sino un encuentro íntimo con las raíces del flamenco y el amor que cada uno de los protagonistas del álbum han puesto en él a lo largo de sus vidas, a través del cante, la guitarra, percusión, palmas y como no, de la poesía. A este le acompaña una gira junto al maestro Jesús Guerrero donde no solo interpretan el flamenco con maestría, sino que también se sumergen en la esencia lírica de Federico, dando vida a las palabras del poeta a través de su inconfundible voz y volviendo a la esencia más pura y desnuda del estío que lo vio nacer.

Esta fusión de la poesía lorquiana más telúrica y flamenca con la expresividad del cante y la guitarra de estos dos artistas, crea una experiencia única donde la intensidad emocional del cante jondo se entrelaza con las profundas reflexiones de Lorca sobre el alma del flamenco. La gira se convierte así en un encuentro íntimo donde el flamenco más auténtico es el protagonista junto con la riqueza cultural de todos los ingredientes que lo conforman, no dejando a nadie indiferente.

Cada año más fuertes y concienciados de que la labor de promoción del rock hecho aquí, siempre acompañado de una banda de primer nivel es necesaria para poner en valor el trabajo de tantísimos músicos.

Renacimiento es una banda de rock formada en 2023 en Córdoba. Aunque se puede considerar una formación novel cuenta con músicos de dilatada trayectoria, de bandas como Levántate Lázaro, Alpha Centaury o Inmemoriam, formaciones de estilos muy variados dentro del Rock como son el heavy metal, el metal progresivo o el urbano.

T-Reviento es una banda cordobesa con influencias del thrash y el punk desde 1999, debutando en concierto en el año 2000. Tras varias entradas y salidas de componentes, el grupo sigue interpretando temas propios haciendo temblar el escenario.

Ciclón, con más de 17 años de trayectoria y numerosos conciertos, muchos de ellos en festivales compartiendo escenario con bandas nacionales e internacionales como Kiss, Helloween, Deep Purple, Europe, Ciclón presenta su nuevo trabajo Magia.

Hamlet, hace ya más de tres décadas que la banda madrileña de metal sigue en activo. Un hito en la escena alternativa estatal. Celebran su valía este año con una fusión de los grandes temas de sus tres mejores álbumes: Revolución 12.111, Insomnio y el Infierno.

LUCÍA REY: NÓMADAS

Liderado por la pianista y compositora Lucía Rey, este proyecto que comenzó su camino en 2017, cuenta con una dilatada experiencia en los circuitos, salas y festivales de jazz más importantes, desde su primer álbum «Reflexión».

Lucía Rey fusiona con maestría diferentes estilos con profundas raíces culturales (incluyendo flamenco, latin jazz, música mediterránea, clásica y contemporánea) desde la perspectiva del jazz moderno.

El grupo está formado por Lucía Rey (piano), Michael Olivera (batería), Ander García (bajo), Juan Carlos Aracil (flauta) y Marina Lledó (voz).

Las composiciones de su nuevo álbum, Nómadas (2024) exploran un imaginario musical ecléctico, tanto en lo rítmico como en lo melódico, generando un panorama creativo compacto y rico en matices. La pianista y compositora Lucía Rey, se aventura en este nuevo viaje, junto a Michael Olivera a la batería, y Ander García al contrabajo, además de contar con la participación de músicos invitados de la talla de Jorge Pardo y Juan Carlos Aracil.

La propuesta indaga en lo más profundo del Mediterráneo, sumergiéndose en el folclore de los países que lo costean, a través de la fusión de lenguajes jazzísticos, música contemporánea y texturas electrónicas.

Todos los espectáculos del Qurtubajazz pinchando aquí.

PATRICK CORNELIUS QUARTET

• PATRICK CORNELIUS – saxo alto
• JAMES FRANCIES – piano
• MICHAEL JANISCH – contrabajo
• RUDY ROYSTON – batería

Este cuarteto norteamericano formado por músicos de primera fila se embarca en su primera gira europea, liderado por el galardonado músico neoyorquino Patrick Cornelius.

El saxofonista y compositor Patrick Cornelius, descrito por la revista JazzWise como «un músico seguro de sí mismo y muy completo, con un sonido contundente que no deja indiferentes», ha publicado 10 álbumes y trabajado con artistas consagrados de varias generaciones, como Kendrick Scott, Carl Allen, Gerald Clayton, Jonathan Blake y Ben Allison.

El pianista y artista del sello Blue Note James Francies ha girado y grabado con algunos de los nombres más influyentes de la música moderna: Pat Metheny, Jeff Tain Watts, Chris Potter, Stefan Harris y Chance the Rapper. Fue nombrado «Rising Star Keyboardist» por la encuesta de críticos de Downbeat Magazine y ha publicado 2 álbumes en Blue Note Records.

El prolífico bajista y productor Michael Janisch ha colaborado con Lee Konitz, Kurt Rosenwinkel, Walter Smith III, Kenny Wheeler, John Taylor y fundó Whirlwind Recordings, la discográfica indie con sede en el Reino Unido.

Además de girar con pesos pesados como Bill Frisell, JD Allen, Dave Douglas y Tia Fuller, el virtuoso de la batería Rudy Royston ha tenido una prolífica carrera como director de orquesta y compositor, liderando su quinteto en el histórico Village Vanguard de Nueva York y publicando 5 álbumes en el sello Greenleaf Music de Douglas.

Todos los espectáculos del Qurtubajazz pinchando aquí.

Desde su debut profesional en su carrera musical, Galván Real ha conseguido llegar a millones de personas de todo el mundo, cantándole al romanticismo más puro con su peculiar voz rasgada que tanto lo caracteriza.

Logrando millones de visualizaciones y posicionándose en el TOP TENDENCIAS en cada uno de sus trabajos, al artista le han sido otorgados varios DISCOS DE ORO y PLATINO en muchos de sus éxitos más conocidos.

Llenando cada uno de sus conciertos, miles de personas acompañan al artista ovacionando al compás de cada una de sus canciones.

Malú está arrasando, y es que, su gira aniversario “A todo si – 25 años de aprendiz” está siendo un éxito rotundo. Una gira que hace un repaso a sus 25 años de carrera con un repertorio de canciones que todo el mundo ha cantado alguna vez.

Como ya anunció Malú hace unas semanas, esta gira tendrá una continuidad a lo largo de todo este año. Tras estas primeras presentaciones que está teniendo en lugares tan emblemáticos, la gira “A Todo Si – 25 años de Aprendiz”, dará el salto a recintos más grandes y festivales por todo el territorio nacional.

Este aniversario supone un reencuentro con un catálogo de canciones que han acompañado a Malú a lo largo de estos 25 años de carrera. Una historia que comenzó con la publicación de su primer disco “Aprendiz” posicionándola desde el primer instante en la cima del éxito y que ha sabido mantener a lo largo de todos estos años. En esta ocasión ha querido acercarse al público de una manera muy especial creando una atmósfera y una sinergia única en cada concierto, algo que está consiguiendo cada noche.

Este 2024 se celebra el Año Puccini cuando se cumplen 100 años de su fallecimiento (29 de noviembre de 1924, a los 66 años de edad). Su innovadora y particular estética revolucionó el panorama musical de su época, y sus óperas  están en la memoria de melómanos y aficionados de este género, por haber sido el creador de algunas de las melodías más míticas de la historia (Tosca, Butterfly, Turandot, Bohème…).

El IMAE se suma también a esta conmemoración con la puesta en escena de “Tosca”, a cargo de la Compañía Lírica 2001, quien ha contado en esta ocasión  con un director de escena de excepción, el prestigioso tenor Aquiles Machado.

Tosca está ambientada en la Roma de 1800. Mientras pinta un cuadro de La Madonna en la iglesia de Sant’Andrea della Valle, el pintor Mario Cavaradossi, amante de la celosa Tosca, accede a ayudar al prisionero político Angelotti en su fuga. El jefe de la policía, Scarpia, cuyos objetivos políticos ocultan un raro sadismo, se lanza a la persecución y pronto descubre la implicación de Cavaradossi. La única forma de lograr sus fines es utilizar a la bella Tosca, blanco de sus obsesiones. Cavaradossi es detenido. Scarpia cree por un instante poseer a la bella Tosca, justo antes de que ella le apuñale. Aunque Scarpia muere, sus sombríos planes le sobreviven. Cuando Tosca piensa que finalmente puede liberar a su amado Mario, éste es ejecutado, y Tosca, antes de ser capturada, prefiere lanzarse al vacío desde lo más alto del Castillo de Sant’Angelo.

TOSCA, de G. Puccini

COMPAÑÍA LÍRICA ÓPERA 2001

Reparto

• Floria Tosca: Chrystelle DI MARCO /  Yeonjoo PARK
• Mario Cavaradossi: David BAÑOS / Jean-François MARRAS / Haruo KAWAKAMI
• El Barón Scarpia: Paolo RUGGIERO / Mamuka Lomidze
• Cesare Angelotti: Piero DI CATANIA
• Un Sacristán: Giancarlo TOSI
• + Spoletta, Sciarrobe, un Carcelero

*** Este reparto está sujeto a cambios

• Realización Vestuario: Sartoria Arrigo (Milán)
• Calzado:  Miguel para Calzature di Epoca (Milán)
• Pelucas: Artimmagine (Nápoles)
• Diseño  escenografía y vestuario: Alfredo Troisi

Con la participación de la Orquesta Sinfónica de Ópera 2001

Con la colaboración del Coro Lírico Siciliano

• Dirección Musical: Martín Mázik
• Dirección de Escena: Aquiles Machado
• Dirección Artística: Luis Miguel Lainz

Coproducción Ópera 2001 – Opéra de Massy (Paris-Sud)

Arkadi Volodos, piano

Programa:

F. Schubert
Sonata in A minor op. 42 D 845
Moderato
Andante, poco mosso
Scherzo. Allegro vivace. Trio, un poco più lento
Rondò. Allegro vivace

Schumann
Davidsbündlertänze op. 6

Liszt/Volodos
Hungarian Rhapsody n. 13 in A minor, S. 244/13

Arcadi Volodos

Nacido en San Petersburgo en 1972, Arcadi Volodos arrancó sus estudios musicales recibiendo clases de canto y dirección. No empezó a formarse seriamente como pianista hasta 1987 en el Conservatorio de San Petersburgo antes de recibir formación avanzada en el Conservatorio de Moscú de la mano de Galina Egiazarova, en París y en Madrid.

Desde su debut en Nueva York en 1996, Volodos ha actuado por todo el mundo en recitales y con las orquestas y directores de mayor renombre. Entre otros, ha trabajado con la Berliner Philharmoniker, la Orquesta Filarmónica de Israel, la London Philharmonia Orchestra, las Orquestas Filarmónicas de Munich y Nueva York, la Royal Concertgebouw Orchestra, la Dresden Staatsapelle, Orchestre de Paris, Leipzig Gewandhausorchester, Zurich Tonhalle Orchestra y las Orquestas Sinfónicas de Boston y Chicago. En otro orden de cosas, ha colaborado con directores como Myung-Whun Chung, Lorin Maazel, Valery Gergiev, James Levine, Zubin Mehta, Seji Ozawa, Jukka-Pekka Saraste, Paavo Järvi, Christoph Eschenbach, Semyon Bychov y Riccardo Chailly.

Los recitales de piano tienen un papel principal en la vida artística de Volodos desde que empezó su carrera. Su repertorio incluye obras destacables de Schubert, Schumann, Brahms, Beethoven, Liszt, Rachmaninoff, Scriabin, Prokofiev y Ravel junto a piezas menos interpretadas de Mompou, Lecuona y de Falla.

Volodos es un invitado frecuente de los auditorios más pretigiosos de Europa. La temporada de 2023 incluye actuaciones en la Philharmonie de Paris, Concertgebouw de Ámsterdam, Konzerthaus en Viena, Flagey Studio 4 en Bruselas, Auditorio Nacional en Madrid, Fundación Gulbenkian en Lisboa, Konzerthuset en Estocolmo, junto con su participación en el Festival La Roque d´Anthéron, Klavier Festival Ruhr y Festival de Salzburgo.

Desde su recital de debut ganador del premio Gramophone en el Carnegie Hall de Nueva York, publicada por Sony Classical en 1999, Arcadi Volodos ha grabado una serie de álbumes aclamados por la críticas. Estos incluyen interpretaciones reveladoras de sonatas de Schubert y las piezas de solista de Rachmaninoff, y actuaciones en directo con la Berliner Philharmoniker del Tercer Concierto de Piano de Rachmaninoff, dirigido por James Levine, y el Primer Concierto de Piano de Tchaikovsky dirigido por Seiji Ozawa. Volodos Plays Liszt, lanzado en 2007, fue galardonado con múltiples premios, mientras que su recital Musikverein de 2010 se lanzó en CD y DVD siendo de extático aclamo internacional. Su álbum en solitario Volodos Plays Mompou en 2013, dedicado a obras del compositor español Frederic Mompou recibió un premio Gramophone y el Echo-Preis.

Volodos Plays Brahms es su última grabación publicada en abril de 2017, un álbum de trece piezas de piano de Johannes Brahms, incluyendo Opus 117 y 118 y una selección de op. 76. Inmediatamente considerado álbum de referencia en el mundo clásico, éste fue galardonado con el Premio Edisson Classical en 2017 y el Diapason d’ Or y recientemente con el prestigioso premio Gramophone en 2018 como mejor grabación instrumental del año. En octubre de 2019 Sony Classical lanzó su última grabación Volodos Plays Schubert incluyendo la Sonata D959 y los Minuetos D334, D335 y D600, que recibió el Premio Edisson Classical (2020) en la categoría Solo Instrumental.

CONCIERTO TRIBUTO A PINK FLOYD

THE OTHER SIDE

Concierto homenaje a Pink Floyd a cargo de la banda “The Other  Side”, en el que repasan sus grandes éxitos a través de una esmerada selección de temas. Volveremos a sentir la esencia del rock progresivo, psicodélico y sinfónico. Un concierto que nos  transportará al universo Pink Floyd.

Pere Moll: batería

Marc Bosch: saxo

Toni Olmedo: bajo

Judith Uris, Joana Melià: voces

Simó Bosch: guitarra, voz

Pedro Sánchez: guitarra, voz

Shanti Gordi: teclados, voz

SIEMPRE ASÍ PRESENTA:

SIEMPRE MAHARETA

1994, es el año de lanzamiento de Mahareta, su disco más emblemático y que catapultó a Siempre Así. La gira de 2024 sirve para celebrar los 32 años del grupo en los escenarios de forma ininterrumpida.

La imagen de la guitarra que creó el gran diseñador Pedro Cabañas para la portada de Mahareta, es algo similar a lo que significa «la lengua» para los Rolling Stones, un icono que los identifica a primera vista. En esta nueva gira, esta imagen de la guitarra vuelve a tomar protagonismo junto a las canciones de Mahareta, álbum al que rinden homenaje y que contiene la mayoría de sus canciones de más éxito: Siempre Así, Para volver a empezar, Se me va, etc., al ritmo de la rumba elegante y el sello inconfundible de estos siete andaluces.

Sandra Barón, Mayte Parejo, Mati Carnerero, Paola Prieto,Nacho Sabater, Ángel Rivas y Rafa Almarcha.

Ciclo “Vamos al Teatro”

QUELONIA Y EL MAR

Cia. Teatro Gorakada

Quelonía y el Mar es una historia en forma de canción que habla de amistad y supervivencia, de la búsqueda de un lugar propio en un mundo donde lo que beneficia a unos puede perjudicar a otros y viceversa. La pequeña tortuga nace una noche sin luna en la playa. Su instinto le dice que debe seguir el reflejo de las estrellas sobre el agua para llegar hasta el mar, pero confundida por las luces de la ciudad, la pequeña tortuga se adentra, sin saberlo, en un mundo completamente diferente. Una historia tierna y divertida contada entre los bastidores de un teatro, hilada a través de la música en directo y el teatro de objetos.

Intérprete: Nerea Ariznabarreta

Autoría: Dora Cantero

Composición musical: Fran Lasuen

Música en escena: Maider López

Escenografía y atrezzo: Martí Doy

Vestuario: Paulette San Martín

Diseño de luces: Fermin Izko

Ilustraciones: Alphax

Dirección artística: Alez Díaz

Dirección: Dora Cantero y Alex Diaz

En colaboración con la Delegación de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba.

VICENTE AMIGO

ANDENES DEL TIEMPO

Andenes del Tiempo es el noveno disco de estudio en la carrera del músico y guitarrista Vicente Amigo, considerado una de las figuras de referencia en el panorama de la guitarra y el flamenco actual. Andenes del Tiempo es un disco completamente instrumental en el que Vicente, desde la composición y la interpretación, vuelve a provocar lo que su música lleva demostrando desde siempre, una inconfundible transmisión de sensaciones musicales, belleza melódica y personalidad sonora como muy pocos suelen lograr. Su lenguaje es el flamenco y su instrumento la guitarra. Sin embargo, el contenido estilístico es variado: va de temas clásicos, como la bulería y la soleá,  a otros  algo menos común de abordar en un disco de guitarra, como los tanguillos de Cádiz, el pasodoble, la rumba, el bolero y el que da nombre al disco, que puedes ser el que más se separe del resto añadiendo un paisaje sonoro casi cinemático por la composición y la tímbrica utilizada.