La madre es una atrapante y conmovedora historia que cuestiona cuáles son los límites de la soledad, el vacío y la cordura. Que nos hace cuestionarnos cosas como ¿Puede una madre amar demasiado? ¿Existe un límite para ese amor? ¿Qué ocurre cuando un hijo crece y se va? En esta obra, Zeller se plantea si una madre puede amar demasiado. En algún momento, el hijo ha crecido y se marcha del cobijo materno. La madre ha construido su vida alrededor de él y con su partida sufre el síndrome del nido vacío, a la vez que debe analizar el verdadero vínculo con su marido.

Actores: Aitana Sánchez-Gijón, Juan Carlos Vellido, Alex Villazán, Julia Roch
Dirección: Juan Carlos Fisher
Dramaturgia: Florian Zeller
Composición Musical: Joan Miquel Pérez
Diseño de Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)
Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe
Diseño de Vestuario: Elda Noriega (AAPEE)
Fotografía: Sergio Parra
Diseño Gráfico: Eva Ramón
Ayudante de Dirección: Rómulo Assereto

La obra de teatro musical “Mujeres en la Memoria” es una obra que nos transporta a un antes y un después de la guerra civil española.  Mediante la Copla conoceremos a las mujeres pérdidas de una generación. En este caso, seis mujeres que nos contaran, a pecho descubierto, sin peinas, ni volantes, sus vivencias. Vivencias inolvidables que pasaron y pasaran a la historia por su gran carga emocional.

Porque ahondar en la Copla, es hondar en nuestra Cultura, en nuestras raíces. La guionista de esta obra, Pepi Mantas, pretende que el espectador, guarde en su memoria y tenga presente, la lucha, los conflictos, las batallas, por las que tuvieron que lidiar las mujeres de aquella época. Siempre estarán presente en nuestros corazones y guardaremos, todos aquellos pasos que anduvieron, abriendo camino, a un progreso, a una evolución.

El amor es capaz de vencer el tiempo, el olvido y la guerra…

Este grupo de mujeres, pregoneras de sueños de esperanza, de amor…Nos abrirá las puertas a un futuro esperanzador, donde la mujer ha evolucionado y como no, sigue y seguirá creciendo.

Quedan muchos sueños por cumplir…

Pablo Cánovas regresa a la tierra que lo vio nacer, tras su épica gira mundial con el Cirque Du Soleil.

El joven ilusionista más exitoso presenta un espectáculo que ha fascinado a públicos de todo el mundo con ilusiones nunca antes vistas en España.

Después de triunfar en América, Arabia Saudí y Europa, Pablo vuelve a Córdoba para su única función antes de la próxima gira en USA. Prepárate para vivir una noche muy especial y emocionante donde todo es posible.

Edad recomendada +6 años.

Todos los espectáculos de «La Magia está en Córdoba»

El día que tus hijos descubren que Papá y Mamá NO lo saben todo.

El aclamado ilusionista Jorge Blass presenta FLIPAR, su nuevo y esperado espectáculo, en el que lleva más de 2 años trabajando para ofrecernos nuevas ilusiones que harán que nuestra boca y nuestros ojos se abran más de lo que jamás creíamos que podían abrirse. Una experiencia única en la que la magia se adelanta a la tecnología para demostrarnos que no existe lo imposible. 

Jorge Blass va a hacer que lo flipéis de verdad, que dudéis incluso de vuestros sentidos y que os quedéis sin respuestas a los cómo, dónde y por qué de los niños. 

La magia nos conectará más que cualquier red social. Una persona del público se hará invisible cada día. Serás testigo de una tele transportación increíble. Y las ilusiones traspasarán las puertas del teatro dejándote boquiabierto y ojiplático pero, sobre todo, con una sonrisa en la cara. 

Sin duda, una experiencia difícil de olvidar que no dejará indiferente a nadie. 

JORGE BLASS es todo un referente en la magia mundial, creador de innovadoras ilusiones que sorprenden al público del siglo XXI. 

Con apenas 19 años ganó la VARITA DE ORO de Monte Carlo y durante 20 años no ha dejado de recibir los más importantes reconocimientos por parte de la crítica y el público. Su magia ha cautivado a iconos del ilusionismo como DAVID COPPERFIELD ó PENN & TELLER. 

Todos los espectáculos de «La Magia está en Córdoba»

Elektra.25 supone un regreso a la Tragedia Griega para Atalaya. Embelesante, deslumbrante, con unos textos llenos de ritmo y envueltos en un tono emocional, cánticos étnicos y coreografías y escenografía brillantísimas sería la descripción de esta renovada versión de la Electra de Sófocles, Heiner, Mïller y Hoffmansthal con la que Atalaya triunfó hace ya 25 años y con la que consiguió el Premio al Mejor Espectáculo Andaluz. Atalaya ha querido recuperar la esencia de aquel montaje, introduciendo importantes cambios y aportaciones que potencien aún más su valor. Como resultado, el espectáculo no deja un momento de aliento al espectador que, desde el primer al último segundo, se ve embarcado en un mar de emociones gracias a los ocho enormes intérpretes de la tragedia, a un universo lírico y estético en el que no faltan las pasiones humanas que mueven a todos los personajes que la pueblan, a saber, la venganza, el odio, la rabia y la sangre.

Actores: Silvia Garzón, María Sanz, Lidia Mauduit, Raúl Vera, Enmanuel García, Paula Margo, Imasul Rodríguez, Ángela González
Espacio Escénico: Ricardo Iniesta
Coreografía: Juana Casado y Lucía You
Música: Temas populares Balcanes, Italia, Bielorrusia…
Arreglos Musicales: Luis Navarro
Espacio Sonoro: Emilio Morales
Dirección Coral: Marga Reyes y Flores de Giles
Maquillaje y Peluquería: Manolo Cortés
Ayudante de Dirección: Sario Téllez
Dirección y Dramaturgia: Ricardo Iniesta

Basada en la obra teatral Maurine Dallas Watkins

CHICAGO suena a Broadway y a plan perfecto para pasar una tarde o una noche especial en el teatro. Suena a éxito y a recuerdo inolvidable. Y suena a todo ello, con razón. CHICAGO acaba de cumplir 27 años en Broadway. Increíble, ¿verdad? 27 años ininterrumpidos en cartel que lo dicen todo. Si quieres vivir una auténtica experiencia Broadway en tu ciudad ven a CHICAGO, El Musical.

Ven y sumérgete en los míticos años 20. Revive su ambiente mientras degustas una copa de cava o una consumición en nuestros bares de inspiración Art Déco – tranquilo, en nuestro teatro no hay ley seca – y sé testigo de la increíble historia que escandalizó a todo Illinois en 1924. Una historia sobre avaricia, asesinatos y el mundo del espectáculo, repleta de éxitos como «All That Jazz» y «Razzle Dazzle».

Con más de 60 premios internacionales, una partitura mítica y una de las mejores coreografías de la historia, CHICAGO se ha convertido en un fenómeno teatral que no te puedes perder. 34 millones de espectadores ya lo han visto.

SOBRE LAS HOJAS DE HIERBA

Un Homenaje a Walt Whitman

Sobre las hojas de hierba aborda la relación íntima entre música y poesía en homenaje a Walt Whitman, el padre de la poesía estadounidense. La obra exalta el cuerpo y el mundo material, elogia la naturaleza y el papel del individuo humano en ella. Todos los poemas están conectados entre sí y cada uno representa la visión del poeta de su filosofía de la vida y de la humanidad, como si se tratara de su biografía a modo de poemario. El libro de Whitman se caracteriza por su alegría y la alabanza de los sentidos en un momento en el que las manifestaciones en primera persona y la expresión del uno mismo se consideraba inmoral. El poeta utilizó por primera vez imágenes y símbolos inusuales en la poesía y escribió abiertamente sobre la muerte y la sexualidad, incluyendo la prostitución. Tanto el enfoque de la obra como la puesta en escena ayudan a crear una atmósfera idónea, imprescindible para disfrutar de la poesía. La música compuesta para el espectáculo engarza a la perfección con la época en que fue escrita: una mezcla de sonidos sureños donde no falta el blues, el sonido del piano de Nueva Orleans salpicado con la música de un jazz que daba por entonces sus primeros pasos. Con esta música y la voz de Nur Levi y la del Premio Nacional de Teatro en 2021, Juan Diego Botto, nos adentraremos en la época y en la sociedad que vivió el poeta y que tanto influyó en su poesía.

• Reparto: Juan Diego Botto y Nur Levi
• Composición original y músico en escena: Alejandro Pelayo
• Iluminación: Luis del Valle
• Diseño y dirección de Producción: Nur Levi
• Producción: La Rota Producciones
• Dirección: Juan Diego Botto

Querida Ágatha es el último proyecto de Juan Carlos Rubio, en el que explora las vidas de dos personajes absolutamente únicos e imprescindibles: Ágatha Christie y Benito Pérez Galdós. Ágatha se enfrenta a una nueva noche en vela. Los fantasmas de la relación rota con su marido y la reciente pérdida de su madre han hecho mella profunda en su percepción de la realidad, situación agravada por el consumo de alcohol y tranquilizantes. La inesperada visita de un elegante caballero de cierta edad interrumpe sus planes. Él es Benito Pérez Galdós. Entre ambos genios se establece inmediatamente una electrizante conexión, en la que salen a la luz secretos, fobias, deseos y frustraciones.

Querida Ágtha es una comedia dramática donde conviven el humor y la lágrima, el género fantástico, el misterio, la tensión y un final inesperado.

Intérpretes: Carmen Morales, Juan Meseguer, Clara Segura
Escenógrafos: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (Estudio DeDos)
Diseño de iluminación: José Manuel Guerra
Música y diseño sonoro: Miguel Linares
Figurinista: Guadalupe Valero
Fotógrafo y diseñador gráfico: Javier Naval
Asistente fotógrafo: Antonio Moreno
Diseño de Caracterización: Chema Noci
Realización dossier y programa de mano: Luis Miguel Serrano (La Alegría Producciones)
Ayudante de dirección: Manu Baños
Autor y Director: Juan Carlos Rubio

A partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca

Sinopsis

Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas.

Este texto está escrito a partir de las intervenciones del personaje de Poncia en la obra de Federico García Lorca. En un profundo análisis del personaje el autor rescata las intervenciones de Poncia y las convierte en reflexión, en soliloquios, en diálogos con fantasmas y sombras. De este modo se alumbra un nuevo mirar dentro de la casa. En la obra original asistimos a una sucesión de hechos que se desarrollan, aquí, en esta Poncia, no. Ella habla después del shock producido por el suicidio de Adela. Todo ocurre después de su muerte.

La lengua de Poncia se desata en un lugar prohibido para las palabras. Poncia ajusta cuentas con las habitantes que sobreviven dentro. Descubrimos la simpatía de Poncia por la más joven de la casa. La reivindica, Ha muerto una hembra valiente dice, y se culpa así misma de no haber hecho más de lo que hizo para separar a los amantes clandestinos. La Poncia siempre me ha sugestionado como ningún otro personaje de los que habitan en la casa de Bernarda Alba. Los personajes de las criadas encierran un enigma interesante.
Son personajes que son testigos de los avatares de los protagonistas. Conocen la verdad del interior de las casas y poseen la filosofía oculta de las clases populares.
Escuchamos la voz de la criada para iluminar los rincones de la obra de Lorca. La Poncia habla de suicidio, de libertad, de culpa, de clase, de educación, de sexo y lo habla con toda la fuerza de la voz que ha sido maltratada y callada. El alma de la Poncia se abre para insistir en la necesidad de transferir a los demás la idea de amarnos en libertad.

REPARTO

Poncia: Lolita Flores

EQUIPO ARTISTICO
Diseño de espacio escénico: Monica Boromello
Diseño de iluminación: Paco Ariza
Composición de música original: Luis Miguel Cobo
Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Ayudante de dirección: : Álvaro Lizarrondo
Fotografía: Javier Naval

Texto: Luis Luque (A partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca)
Dirección: Luis Luque
Productor: Jesús Cimarro
Producción: Teatro Español y Pentación Espectáculos

Función Accesible (Día 08-11-2024) recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

TRÁPALA 5.0

50 Aniversario

Cia. Trápala Escena

(estreno absoluto)

Trápala, cuyo primer montaje, un Edipo Rey, de Sófocles, data de 1974, puede presumir de ser la Compañía Teatral más antigua de Córdoba. Una antigüedad conseguida con profesionalidad entendida esta no solamente como dedicación plena, sino como rigor en el tratamiento de los textos para llevarlos a un público en su más puro y genuino sentido. Desde entonces la compañía ha montado más de cuarenta títulos y ha tocado prácticamente todos los géneros teatrales, desde la tragedia griega hasta el musical, pasando por la comedia, la farsa, el teatro de vanguardia o el más puro drama naturalista. En 2024, Trápala, celebra su 50 Aniversario y lo hará sobre las tablas del Gran Teatro con un espectáculo creado para la ocasión, “Trápala 5.0”, un espectáculo con historia pero, sobre todo, con alma. Con una dramaturgia que nos recuerde quienes fueron, quienes son y quienes serán. Con la ambición de mostrar trocitos de su historia y de nuestra ciudad, se darán cita en el espectáculo los títulos más emblemáticos de la compañía.

Reparto: Francisco Montero, Juan Carlos Villanueva, Rafael Montero, Carlos Castro, Nieves Palma, Belén Benítez, Marina Castro, Bartolomé García, Carmen Caballero, Mercedes Tirado, Francis de Haro, Marisol Membrillo, Ana Risquez, Ana Castillo

Cante: David Pino

Guitarra: Alfonso Linares

Coro de Ópera de Córdoba

Camerata Gala

Escenografía: M. Ángel Montero

Vestuario: Trápala Teatro – Enrique García

Sonido, iluminación y multimedia: Miguel Ángel Ramos – Arco Visuales

Música Original: Francisco Javier de Haro

Dramaturgia: Juan Carlos Villanueva y Carlos Castro

Dirección Musical: Alejandro Muñoz

Dirección de Escena: Juan Carlos Villanueva

Burro es una tragicomedia inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno. En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro español e inglés, la Ilustración y la Modernidad.

Elenco: Carlos Hipólito, Fran García, Manuel Lavandera, Iballa Rodríguez
Música original: Yayo Cáceres
Escenografía: Ay Teatro y Tatiana de Sarabia
Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia
Diseño de iluminación: Miguel A, Camacho
Diseño gráfico y fotografía: Davis Ruiz
Sastrería: Maribel Rodríguez RH, Alejandro Jaén
Ayudante de dirección: Daniel Migueláñez
Dramaturgia: Álvaro Tato
Dirección: Yayo Cáceres

Función Accesible recomendada para personas con discapacidad auditiva y/o visual.

	Subtitulado adaptado, para personas con discapacidad auditiva.
	Audiodescripción, para personas ciegas o con baja visión.
	Bucle magnético individual, para personas con discapacidad auditiva que utilicen audífonos o implantes cocleares con posición «T».
	Y también sonido amplificado con auriculares para personas con pérdida auditiva.

CÁLLATE CORAZÓN

UN ESPECTÁCULO CON LO MEJOR DE LA ZARZUELA

Cállate, corazón es un homenaje a un género, la zarzuela, y a sus intérpretes, que han defendido un patrimonio que no solo pertenece al pasado, sino que se ha ido transformando a lo largo de los años. Este espectáculo hace un viaje por grandes momentos de este género y también por canciones y números menos conocidos y que son auténticas joyas de nuestro repertorio. La zarzuela barroca, la copla, los números de revista y la canción española tendrán también su espacio en este impresionante viaje musical. Esta peculiar antología de la zarzuela tendrá un hilo conductor abierto y poético, en el que habrá lugar para la comedia y el desamor, la nostalgia y la carcajada.

Milagros Martín o María Rodríguez serán las figuras clave encarnando el personaje de Paloma, una mujer a la que, en un momento de su vida, le llegan recuerdos de su pasado en forma de números musicales.

Reparto:

Josefina: Milagros Martín / María Rodríguez

Paloma: Rebeca Cardiel / Ruth González

Javier: Paco Sánchez /Álvaro Andrés Lara / Ricardo Calderón

Max: Ángel Walter / Juanma Cifuentes

Julián: E. Sánchez-Ramos

Escenografía: R. Sánchez Cuerda

Chelista: Irene Celestino

Percusionista: Iván Mellén

Clarinete: Cecilia Serra

Dirección musical y piano: Miguel Huertas

Dirección: Susana Gómez

Ciclo “Vamos al Teatro”

QUELONIA Y EL MAR

Cia. Teatro Gorakada

Quelonía y el Mar es una historia en forma de canción que habla de amistad y supervivencia, de la búsqueda de un lugar propio en un mundo donde lo que beneficia a unos puede perjudicar a otros y viceversa. La pequeña tortuga nace una noche sin luna en la playa. Su instinto le dice que debe seguir el reflejo de las estrellas sobre el agua para llegar hasta el mar, pero confundida por las luces de la ciudad, la pequeña tortuga se adentra, sin saberlo, en un mundo completamente diferente. Una historia tierna y divertida contada entre los bastidores de un teatro, hilada a través de la música en directo y el teatro de objetos.

Intérprete: Nerea Ariznabarreta

Autoría: Dora Cantero

Composición musical: Fran Lasuen

Música en escena: Maider López

Escenografía y atrezzo: Martí Doy

Vestuario: Paulette San Martín

Diseño de luces: Fermin Izko

Ilustraciones: Alphax

Dirección artística: Alez Díaz

Dirección: Dora Cantero y Alex Diaz

En colaboración con la Delegación de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba.

LA CELESTINA

de Fernando de Rojas

Adaptación de Eduardo Galán

Con esta versión de “La Celestina”, Eduardo Galán pretende acercar la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma  de quienes acudan a verla. Ha buscado el dinamismo de la acción,  el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: “El carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad de disfrutar de la juventud. Para ello ha realizado una labor de síntesis, ya que Fernando de Rojas la escribió a finales el Siglo XV para que fuera leída, no para ser representada.

Calisto, un joven noble apuesto y de preclaro ingenio, penetra persiguiendo a un halcón en la huerta donde se halla a Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si lograba entre todos enamorar a Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia, de lo que Calisto tiene noticia al día siguiente. Los amantes olvidan pronto estos tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la vida del joven caballero. Ante la muerte de su amado, Melibea sube a una torre y se arroja desde ella tras declarar las causas del suicidio a su padre. Termina la obra con el llanto y unas reflexiones morales de Pleberio, padre de Melibea.

Elenco: Anabel Alonso, José Saiz, Víctor Saiz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos, David Huertas

Música original y espacio sonoro: Manuel Solís

Diseño de escenografía: Mónica Teijeiro

Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

Diseño de vestuario: Mónica Teijeiro

Adaptación: Eduardo Galán

Dirección: Antonio C. Guijosa