El grupo Capachos vuelve al Gran Teatro con su nuevo espectáculo músico-teatral «Mi buen Amor», que reúne historias que eternos compositores nos legaron a través de unos arreglos musicales modulados al particular sonido de CAPACHOS.

En el Gran Teatro sonarán temas como el de la chilena Violeta Parra que nos legó en su eterno poema ¨Gracias a la vida¨. Títulos como ¨Me va la vida en ello¨, ¨Aquellas pequeñas cosas¨ o ¨Y sin embargo¨, son ejemplos de algunos de los mejores cantautores en tiempos prohibidos, como son Luis Eduardo Aute, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, respectivamente. Por su parte, Ismael Serrano, con ¨Mi problema¨, nos regala una ranchera que bascula entre el reproche y la súplica.

Vanesa Martín, Juan Gómez ¨El Kanka¨ y María Cristina Plata, forman parte de la nueva generación de cantautores que se mueven entre la espontaneidad del goce y la sinceridad de la caída con ¨Aún no te has ido¨,  ¨Confesión¨, ¨Querría¨ y ¨Lástima¨.

Completan este trabajo el mítico «Fallen» de Lauren Wood y los temas «Mi buen amor» y «Derroche» como dos de las partituras más destacadas de la década musical de los noventa. Y, por último, una nueva grabación de la copla «Te lo juro yo», la cual, al igual que el vino de nuestra Montilla natal, ha ganado en calor y color musicales con el paso del tiempo.

Trece temas musicales con los que miramos cara a cara al amor, a la soledad, al fracaso, al dolor o al recuerdo, en definitiva, nuestra particular manera de entender la música.

Sirva este nuevo trabajo como muestra de gratitud infinita a cuantas personas nos muestran su apoyo, cariño y complicidad.

Dirección Musical: Jose Mª Luque.
Dirección Escénica: Juan Carlos Villanueva.
Guion: Ana Requena

El Ballet Clásico Internacional es una propuesta artística de Tatiana Solovieva Producciones, que lleva 30 años compartiendo los mejores espectáculos con España, respetando y honrando la hermosa tradición del ballet clásico. Sus producciones han sido ampliamente reconocidas por su calidad, con tres galardones al Mejor Espectáculo de Danza del Teatro de Rojas de Toledo (2013, 2015 y 2018).

La Bella Durmiente, estrenado en San Petersburgo en 1890, es un gran ballet con tres grandiosas fiestas de Palacio: la presentación de la recién nacida Princesa Aurora, su 16 cumpleaños y su boda, más el  acto de sueño. La malvada bruja Carabós predice que la Princesa se pinchará y morirá, pero el Hada Lila lo cambia por un sueño. Cien años después el beso del Príncipe Desiré la despertará. En su boda, al lado de los reyes, los cortesanos y las hadas , aparecerán los personajes más famosos de los cuentos de Charles Perrault: la Cenicienta y el Príncipe, el Gato con Botas y su Gatita, la Caperucita Roja y el Lobo, el Pájaro Azul y la Princesa Florina, y los protagonistas bailarán su famoso paso a dos.

FICHA ARTÍSTICA:

Director General: Andrey Sharaev
Solistas: Tatiana Nazarchevich, Nikolay Nazarchevich, Sergey Iliin, Yelizaveta Savina, Denís Dónica
Música: P. Tchaikovsky
Coreografía: M. Petipá (versión A. Sharaev)

El musical más bailado de la historia.

En el espectáculo se cantan en directo, canciones de los más variados estilos, de los años 80 y 90.

6 cantantes y 6 bailarines nos van relatando la historia, apoyados por las gigantescas pantallas de leds transparentes, una iluminación espectacular, vestuario y sonido brutales.

Una comedia muy divertida donde las canciones encajan a la perfección con el argumento.
El Musical estrenado en verano de 2019 en Madrid siendo el primero en su género, cumple ya su tercera temporada en la capital, pasando por Gran Vía y por las principales ciudades de España.

La inauguración de un bar es la excusa perfecta para organizar el reencuentro de los amigos del instituto que terminaron sus estudios hace 25 años, una época que marcó la vida de sus protagonistas, al ritmo de la mejor música de aquella juventud, donde no existían redes sociales.

La Compañía Onbeat , presenta el musical original de una época única, en el que el público compartirá la experiencia de los personajes, cantando, bailando y sintiéndose cómplices de cada uno de ellos.

El mejor pop español de los 80 y 90 se mezcla con éxitos internacionales y con las mejores canciones del verano. Las músicas que marcaron nuestra juventud.

“Seis personajes en busca de autor” es una de las obras más paradigmáticas e influyentes del teatro del siglo XX. Gran parte de la dramaturgia contemporánea, ya sea de una forma consciente o no, se ve
atravesada por ella.

Siendo así, uno se siente tentado a excusarse y decir que sobra cualquier preámbulo. Nos basta con la constatación de que, cada cierto tiempo, inevitablemente, volvemos a ella. A sus preguntas, que nunca han sido contestadas y nunca lo serán.

Sinopsis
Estamos en el inicio de un ensayo, ya van llegando los actores y, poco después, el director. La actriz que siempre llega tarde, por supuesto, llega tarde. La obra que se disponen a ensayar es, curiosamente, de Luigi Pirandello: “El juego de los papeles”, una comedia en torno a un triángulo amoroso. Los actores, estoicamente, soportan el malhumor del director; el director, por su parte, no soporta a casi nadie, ni siquiera a Pirandello, y se muestra quisquilloso con todo y con todos. Hasta que el ensayo se ve interrumpido por una familia de seis individuos que declaran haber nacido personajes y esgrimen una pretensión imposible: que alguien represente su drama. De esa forma, la comedia se mezcla con la tragedia, la fantasía con la realidad y los personajes con los actores.

Reparto: Aiden Botia, Eva Egido, Ruth Gabriel, Nuria Gallardo, Ramón Langa, Chema León, Paula Muñoz, Disier Otaola, Montse Peidro, Fernando Ramallo, Jorge Torres, Lena Vega
Música: Miguel Linares
Composición de canciones: Uma Díaz
Adaptación y Dirección: Antonio Álamo
Dirección: Pepa Gamboa

ESTRENO ABSOLUTO

El Gran Teatro de Córdoba se convierte en el escenario del estreno absoluto de Il Primo Uomo, un espectáculo multidisciplinar que revisita la esencia de los castrati, explorando sus múltiples facetas musicales y escénicas a través de un enfoque contemporáneo.

Este proyecto marca el esperado debut de Manuel Ruiz, contratenor cordobés de gran proyección, y reúne a destacados talentos artísticos como Carlos Mena y Antonio Ruz, en una propuesta innovadora que promete cautivar al público.

Manuel Ruiz interpretará una selección de arias barrocas de Scarlatti, Handel y Vivaldi, cuidadosamente escogidas en colaboración con el aclamado contratenor y director musical Carlos Mena. Estas obras han sido seleccionadas no solo por su virtuosismo vocal, sino también por su capacidad para capturar la complejidad de los roles que los castrati asumían en la ópera barroca. Las arias, que transitan entre la masculinidad heroica, la feminidad idealizada y un estado andrógino único, ofrecen al público una ventana al fascinante legado de estas voces que marcaron la historia de la música.

Antonio Ruz aporta al espectáculo su singular visión como coreógrafo, integrando música, danza y teatro en una narrativa que desafía las convenciones escénicas. Reconocido con el Premio Nacional de Danza 2018 por su capacidad para innovar y emocionar, Ruz traduce en movimiento las polaridades que caracterizaron a los castrati, reforzando el carácter
multidisciplinar y profundamente visual de Il Primo Uomo.

El diseño de vestuario, a cargo del granadino Pablo Árbol, añade una dimensión simbólica al espectáculo, enfatizando la transformación y la ambigüedad que definen a los personajes interpretados por Ruiz. Los contrastes entre lo humano y lo divino, entre lo tangible y lo sublime, se reflejan en una estética pensada para dialogar con la música y la coreografía,
creando una experiencia artística integral.

Mucho más que un recital, Il Primo Uomo se presenta como una experiencia sensorial completa, donde cada detalle está al servicio de una narrativa que une pasado y presente.
Manuel Ruiz, con su voz y presencia escénica, lidera un espectáculo que invita a redescubrir el impacto emocional y estético de los castrati.

Su debut en el Gran Teatro de Córdoba con esta obra supone uno de los hitos culturales más destacados de la temporada, una cita imprescindible para amantes de la música y las artes escénicas.

FICHA ARTÍSTICA
MANUEL RUIZ, contratenor
CARLOS MENA, dirección musical
ANTONIO RUZ, dirección de escena
PABLO ÁRBOL, diseño de vestuario
OLGA GARCÍA, diseño de iluminación

Manolo Morera es sinónimo de humor blanco y garantía de carcajadas y desconexión.

Manuel Jesús Morera Rioja, nace en Cádiz en 1979 y desde muy joven brilla en su ciudad natal por su exitosa participación como autor de Cuartetos en el Concurso Oficial de Agrupaciones del Carnaval de Cádiz, celebrado anualmente en el Gran Teatro Falla de esta ciudad.

Durante seis años consecutivos ha sido ganador de la modalidad de cuartetos, un auténtico hito que le convierte en el rey del ingenio.

A lo largo de estos años ha ido forjando esta faceta humorística, convirtiéndose a día de hoy en un reconocido humorista/monologuista que cuenta en su haber con tres obras de teatro propias, ‘El Belén según Semire’, “Me reí, león (El Musimal)” y “La Vida es un cachondeo” con las que ha cosechado grandes éxitos.

Reparto
Rocío Pérez ( Violeta Valéry), Leonardo Caimi (Alfredo Germont), José Antonio López (Giorgio Germont), Carmen Serrano (Annina), David Sánchez (Dottore Grenvil), Cristina del Barrio (Flora Berboix), Luis Pacetti (Gastone), Pablo López (Barón Douphol), Andrés Merino (Marqués D’Obigny)

Ballet
Orquesta de Córdoba
Coro de Ópera de Córdoba (Director del Coro, Alejandro Muñoz)

Diseño de escenografía vestuario: Jesús Ruiz
Coordinación Ballet: Lola Pérez
Dirección de escena: Francisco López
Dirección musical: Salvador Vázquez

Producción Escénica del Teatro Villamarta de Jerez
Producción Musical del IMAE Gran Teatro de Córdoba

Paloma San Basilio, una de las voces más icónicas y personalidades destacadas en el mundo de la música, se prepara para despedirse de los escenarios con su última gira de conciertos titulada «Gracias», la cual marca el hito de sus 50 años de carrera artística. Con una elegancia inigualable y un talento indiscutible, San Basilio ha dejado una huella imborrable en la industria musical, convirtiéndose en un referente para varias generaciones de seguidores.

 De la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Calderón de la Barca sabía perfectamente del gran poder del teatro para crear imaginarios hasta ese momento desconocidos. Hijo de la Contrarreforma tenía que satisfacer las necesidades dogmáticas que la Iglesia de su tiempo imponía.

El genio creador de Calderón intentó en innumerables ocasiones conjugar su obediencia a esos principios dogmáticos con elementos que elevasen la consciencia de sus espectadores a espacios más allá de la obediencia ciega y les permitiesen amplias cotas de reflexión, abrazando la humanidad sin distinciones.

El gran teatro del mundo es una obra paradigmática en ese sentido. En ella se conjuga un imaginario escénico inédito en su tiempo y una versificación de una extraordinaria belleza con unas reflexiones espirituales y filosóficas de gran profundidad que proponían a los espectadores del siglo XVII y a nosotros mismos amplias cotas de reflexión sobre la naturaleza de nuestra existencia y los valores que la acompañan.

Por todo ello, El gran teatro del mundo sigue siendo una de las más importantes producciones teatrales del Siglo de Oro.

Lluís Homar

Reparto: Clara Altarriba, Pablo Chaves, Malena Casado, Antonio Comas, Carlota Gaviño, Pilar Gómez, Yolanda de la Hoz, Jorge Merino,  Aisa Pérez, Chupi Llorente, Pablo Sánchez
Dramaturgia: Brenda Escobedo
Voz y palabra: Vicente Fuentes
Composición y Dirección musical: Xavier Albertí
Dirección: Lluís Homar

Si hay algo que pueda definir la singularidad creativa de María Pagés es, sin duda, su arraigado sentido ético de la cultura. María crea porque está convencida de que el arte lleva en su esencia y en la emoción que lo produce, un profundo compromiso con la vida y con la memoria cultural. Desde la perspectiva de un personaje colectivo, De Sheherezade relata la intrahistoria sentimental de las mujeres. Lo hace sin subterfugios, ni dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construídas por los tópicos. Los personajes que recorren las venas íntimas de De Sheherazade, y los mitos que la sustentan, sirven de base filosófica a esta coreografía femenina. Las mujeres sheheradianas son las amas de casa, las que salen corriendo de la oficina para recoger a los niños, las creadoras, las obreras, las investigadoras… que reinventan continuamente el mundo con su inteligencia sensible y esfuerzo. Esta  De Sheherazade empieza cuando termina el cuento de Las Mil y una noches. En el relato pagesiano el personaje asume la invención para transformar el mundo. La narración no acaba como la tradición lo cuenta. Poderosamente flamenco, este relato quiere restituir el principio femenino y asumirlo como parte fundamental de la naturaleza humana.

FICHA ARTÍSTICA:

Bailaora: María Pagés
Bailaoras: Julia Gimeno, Alicia de Castro, Almudena Roca, Ariana López, Nuria Díez, Raquel Guillén, Marina Madiedo, Adriana Gómez
Cantaoras: Ana Ramón Muñoz, Cristina Pedrosa
Guitarras: Rubén Levaniegos, Isaac Muñoz
Violín: David Moñiz
Cello: Sergio Menem
Percusión: Txema Uriarte
Coreografía, diseño de vestuario, dirección musical: María Pagés
Dramaturgia, textos y letras: El Arbi El Harti
Composición musical: Rubén Levaniegos, Sergio Menem, David Moñiz, María Pagés
Diseño de iluminación: Olga García
Escenografia: María Pagés y El Arbi El Harti
Dirección: María Pagés y El Arbi El Harti

El grupo Alchemy Project, lleva a los escenarios con exquisita fidelidad de sonido, instrumentación y escenografía, el que es considerado como uno de los directos más relevantes de la historia del Rock, «Alchemy de Dire Straits«, grabado en el Hammersmith Odeon de Londres en 1983, y que será la delicia de todo fan de Dire Straits, y de los amantes del Rock en general, cuya grandeza y virtuosismo reside en que fue grabado tras una gira de 240 conciertos por todo el mundo y en el máximo apogeo de la mítica banda inglesa, y que contiene grandes clásicos como Sultans of Swing,  Romeo & Juliet, Telegraph Road y Tunnel of Love.

Además, en 2025 se cumplen 40 años de uno de los discos más vendidos de la historia, «Brothers in Arms», por lo que en el repertorio de Alchemy Project no faltarán temas emblemáticos como Brothers In Arms, Money for Nothing, Your Latest Trick, The Man’s Too Strong, Walk Of Life y So Far Away, completando un imponente espectáculo de 2:30h. de duración, que goza de excelentes críticas nacionales e internacionales.

De Rainer Werner Fassbinder.

 Las amargas lágrimas de Petra von Kant, escrita febrilmente durante un vuelo entre Berlín y los Ángeles y estrenada en 1971, pertenece al periodo más brillante de Fassbinder. Esta obra de teatro fue elogiada por la crítica internacional por su estilizado retrato del desamor romántico en un universo puramente femenino. El dramaturgo alemán, que revitalizó la herencia brechtiana con el melodrama norteamericano, despliega toda la artillería para hablarnos de la soledad y la dominación en esta historia de amor sáfico que cree en las elipsis y los silencios. Rakel Camacho versiona, con un pulso renovador cargado de imágenes, este clásico del repertorio europeo sobre las relaciones de poder, la obsesión enfermiza y la necesidad tóxica de vernos aceptados en los ojos de los demás.

Petra von Kant, una exitosa diseñadora que acaba de separarse de su segundo marido, vive con su secretaria Marlene, ayudante y casi esclava. Cuando una de sus mejores amigas le presenta a Karin, una joven oportunista de orígenes humildes, Petra se enamora perdidamente de ella y promete convertirla en una modelo internacional. Las dos mujeres comienzan entonces una tormentosa relación.

FICHA ARTÍSTICA:
Reparto: Ana Torrent, Aura Garrido, Celia Freijero, Julia Monje, María Luisa San José
Diseño de iluminación: Mariano Polo
Diseño de escenografía: Luis Crespo
Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro
Diseño de cartel y fotografía: Javier Naval
Dirección: Rakel Camacho

Héctor y Berna son un matrimonio sin hijos, que a lo largo de su vida han reunído una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que la colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá él mismo un examinador, si es que no una pieza de la colección. Es La colección una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: José Sacristán, Ana Marzoa,Ignacio Jiménez, Zaira Montes
Diseño de escenografía: Alessio Meloni
Diseño de Vestuario: Vanessa Actif
Diseño de iluminación: Juan Gómez Coprnejo
Música: Jaume Manresa
Ayudante de dirección: Ana Barceló
Dirección: Juan Mayorga

Ahora que Tricicle se toma un descanso indefinido, Carles Sans, después de cuarenta años en silencio, aprovecha en «Por fin solo» para hablar de ocurrentes y divertidas anécdotas profesionales, además de personales, que han sido vividas durante este periodo. Confesiones tan sorprendentes como que antes de convencer a sus socios de formar una compañía, se interesó por sus parejas (las parejas de ellos), o sobre cómo consiguió superar su última colonoscopia mientras la doctora le hablaba de Tricicle. Nos explica también la primera vez que sus padres lo vieron actuar con Joan y Paco en un café-teatro de Barcelona, o cuando les lamieron la oreja cuando estuvieron en Japón, y del memorable ridículo que hizo en un jumbo cuando tenía pánico a volar. Este es el espectáculo que todos los seguidores de Tricicle querrán ver porque se explican los secretos de una compañía muy querida que ha hecho récord de público allí donde ha ido. Por fin solo aparece en el momento más oportuno como si se tratara de un “making of” de la vida de Tricicle.

Es un espectáculo basado en hechos reales que hará reír a aquellos que quieran saber más de una compañía que, según se ha dicho, forma parte de la memoria emocional de nuestro país. Por fin solo no es únicamente un monólogo. Es un espectáculo que combina qué se dice y cómo se dice, a través del gesto y la palabra de Carles Sans, el cual perfila una galería de divertidos y entrañables personajes, de forma que consigue una fantástica empatía entre actor y espectadores. Su expresividad gestual y sus historias harán disfrutar a los “tricicleros”, porque descubrirán vivencias muy divertidas que todavía nadie conoce.

FICHA ARTÍSTICA:

Actor: Carles Sans
Guion: Carles Sans
Fotos: Elena Infante
Diseño Gráfico: Maxianplanet.com
Técnico iluminación y sonido: Ricard Pons
Dirección: José Corbacho y Carles Sans

Los lunes al sol nos muestra, de manera realista y conmovedora, las luchas diarias, la frustración y la desesperanza que nos encontramos al intentar encontrar trabajo en un mercado laboral competitivo y en constante cambio. Cómo la falta de oportunidades y la presión social afectan las relaciones personales, la autoestima y la esperanza de un futuro mejor. Los lunes al sol es una poderosa reflexión sobre cómo las circunstancias económicas pueden moldear la identidad y las relaciones humanas. Através de su narrativa sincera, nos plantea preguntas sobre la justicia social y el sistema laboral contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre las desigualdades en nuestra sociedad.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Yune Nogueiras, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez, Lidia Navarro
Voz en off: Pepa Pedroche
Diseño de vestuario: Elda Noriega
Música y espacio sonoro: Álvaro Renedo Cabeza
Diseño de escenografía: Ricardo S. Cuerda
Diseño Iluminación: Juan Gómez-Cornejo eIon Anibal
Adaptación: Ignacio del Moral y Javier Hernández-Simón
Ayudante de dirección: Jon Ander Ribote
Dirección: Javier Hernández-Simón