Estreno Absoluto.

Antonio Ruz, uno de los los creadores más destacados de la  danza contemporánea en España, estrenará esta nueva propuesta coreográfica en el Gran Teatro  de Córdoba. 

‘NORMA’ propone una reflexión crítica sobre el concepto de normalidad,  explorando la interacción de las identidades, representadas a través del  filtro del cuerpo. Con el uso de herramientas escénicas como la  coreografía en donde la unidad se hace multiplicidad, la voz hablada o  cantada, un paisaje sonoro entre lo analógico y lo digital, una  escenografía exhibicionista, una dramaturgia viva, un vestuario mutante y  una atmósfera entre lo onírico y lo sublime, NORMA genera una poética visual en constante flujo y oscilación en la que el contraste denota a la  vez fuerza y sutileza. Un ritual escénico de cinco cuerpos diversos articulados alrededor de la oposición generada entre lo normativo y lo  distinto, lo cotidiano y lo raro, lo corriente y lo inesperado, lo bello y lo  feo.

Un alegato en pro de la individualidad, lo exótico, lo fuera de lugar. La  fiesta del rara avis.

La producción cuenta entre sus apoyos con el del IMAE Córdoba, y su estreno en la ciudad natal del coreógrafo, ocurre al tiempo que impulsa la creación de La Normal Centro Coreográfico de Córdoba, que nace en colaboración con el  Ayuntamiento y que inicia su actividad el próximo mes de septiembre.

Ficha artística

Dirección y coreografía: Antonio Ruz
Dramaturgia: Rosabel Huguet
Diseño y  realización de vestuario y espacio escénico: Roberto Martínez
Diseño de  iluminación: Olga García
Música: Aire
Intérpretes: Begoña Quiñones, Chelís  Quinzá, Carlos Carvento, Alicia Narejos y Manuel Martín
Asistente de  coreografía: Elia López
Foto y vídeo: Juan Carlos Toledo
Producción: Paola  Villegas / Gabriel Blanco – Spectare
Ayudante de producción: Andrea Méndez, Distribución: Valeria Cosi – Tina Agency

Con el apoyo de IMAE Córdoba, Teatro Central Sevilla y Teatros del Canal  Madrid y Tanzbiennale Heidelberg**

**Tanzbiennale Heidelberg, a project of the TANZallianz – Cooperation between  Theater und Orchester Heidelberg and Unterwegstheater.
Directores artísticos, Holger  Schultze, Iván Pérez, Jai González, Bernard Fauser.

La madre es una atrapante y conmovedora historia que cuestiona cuáles son los límites de la soledad, el vacío y la cordura. Que nos hace cuestionarnos cosas como ¿Puede una madre amar demasiado? ¿Existe un límite para ese amor? ¿Qué ocurre cuando un hijo crece y se va? En esta obra, Zeller se plantea si una madre puede amar demasiado. En algún momento, el hijo ha crecido y se marcha del cobijo materno. La madre ha construido su vida alrededor de él y con su partida sufre el síndrome del nido vacío, a la vez que debe analizar el verdadero vínculo con su marido.

Actores: Aitana Sánchez-Gijón, Juan Carlos Vellido, Alex Villazán, Julia Roch
Dirección: Juan Carlos Fisher
Dramaturgia: Florian Zeller
Composición Musical: Joan Miquel Pérez
Diseño de Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)
Diseño de Iluminación: Pedro Yagüe
Diseño de Vestuario: Elda Noriega (AAPEE)
Fotografía: Sergio Parra
Diseño Gráfico: Eva Ramón
Ayudante de Dirección: Rómulo Assereto

El día que tus hijos descubren que Papá y Mamá NO lo saben todo.

El aclamado ilusionista Jorge Blass presenta FLIPAR, su nuevo y esperado espectáculo, en el que lleva más de 2 años trabajando para ofrecernos nuevas ilusiones que harán que nuestra boca y nuestros ojos se abran más de lo que jamás creíamos que podían abrirse. Una experiencia única en la que la magia se adelanta a la tecnología para demostrarnos que no existe lo imposible. 

Jorge Blass va a hacer que lo flipéis de verdad, que dudéis incluso de vuestros sentidos y que os quedéis sin respuestas a los cómo, dónde y por qué de los niños. 

La magia nos conectará más que cualquier red social. Una persona del público se hará invisible cada día. Serás testigo de una tele transportación increíble. Y las ilusiones traspasarán las puertas del teatro dejándote boquiabierto y ojiplático pero, sobre todo, con una sonrisa en la cara. 

Sin duda, una experiencia difícil de olvidar que no dejará indiferente a nadie. 

JORGE BLASS es todo un referente en la magia mundial, creador de innovadoras ilusiones que sorprenden al público del siglo XXI. 

Con apenas 19 años ganó la VARITA DE ORO de Monte Carlo y durante 20 años no ha dejado de recibir los más importantes reconocimientos por parte de la crítica y el público. Su magia ha cautivado a iconos del ilusionismo como DAVID COPPERFIELD ó PENN & TELLER. 

Elektra.25 supone un regreso a la Tragedia Griega para Atalaya. Embelesante, deslumbrante, con unos textos llenos de ritmo y envueltos en un tono emocional, cánticos étnicos y coreografías y escenografía brillantísimas sería la descripción de esta renovada versión de la Electra de Sófocles, Heiner, Mïller y Hoffmansthal con la que Atalaya triunfó hace ya 25 años y con la que consiguió el Premio al Mejor Espectáculo Andaluz. Atalaya ha querido recuperar la esencia de aquel montaje, introduciendo importantes cambios y aportaciones que potencien aún más su valor. Como resultado, el espectáculo no deja un momento de aliento al espectador que, desde el primer al último segundo, se ve embarcado en un mar de emociones gracias a los ocho enormes intérpretes de la tragedia, a un universo lírico y estético en el que no faltan las pasiones humanas que mueven a todos los personajes que la pueblan, a saber, la venganza, el odio, la rabia y la sangre.

Actores: Silvia Garzón, María Sanz, Lidia Mauduit, Raúl Vera, Enmanuel García, Paula Margo, Imasul Rodríguez, Ángela González
Espacio Escénico: Ricardo Iniesta
Coreografía: Juana Casado y Lucía You
Música: Temas populares Balcanes, Italia, Bielorrusia…
Arreglos Musicales: Luis Navarro
Espacio Sonoro: Emilio Morales
Dirección Coral: Marga Reyes y Flores de Giles
Maquillaje y Peluquería: Manolo Cortés
Ayudante de Dirección: Sario Téllez
Dirección y Dramaturgia: Ricardo Iniesta

Basada en la obra teatral Maurine Dallas Watkins

CHICAGO suena a Broadway y a plan perfecto para pasar una tarde o una noche especial en el teatro. Suena a éxito y a recuerdo inolvidable. Y suena a todo ello, con razón. CHICAGO acaba de cumplir 27 años en Broadway. Increíble, ¿verdad? 27 años ininterrumpidos en cartel que lo dicen todo. Si quieres vivir una auténtica experiencia Broadway en tu ciudad ven a CHICAGO, El Musical.

Ven y sumérgete en los míticos años 20. Revive su ambiente mientras degustas una copa de cava o una consumición en nuestros bares de inspiración Art Déco – tranquilo, en nuestro teatro no hay ley seca – y sé testigo de la increíble historia que escandalizó a todo Illinois en 1924. Una historia sobre avaricia, asesinatos y el mundo del espectáculo, repleta de éxitos como «All That Jazz» y «Razzle Dazzle».

Con más de 60 premios internacionales, una partitura mítica y una de las mejores coreografías de la historia, CHICAGO se ha convertido en un fenómeno teatral que no te puedes perder. 34 millones de espectadores ya lo han visto.

Este 2024 se celebra el  Año Puccini cuando se cumplen 100 años de su fallecimiento ( 29 de noviembre de 1924, a los 66 años de edad). Su innovadora y particular estética revolucionó el panorama musical de su época, y sus óperas  están en la memoria de melómanos y aficionados de este género, por haber sido el creador de algunas de las melodías más míticas de la historia (Tosca, Butterfly, Turandot, Bohème…) . El IMAE se suma también a esta conmemoración con la puesta en escena de “Tosca”, a cargo de la Compañía Lírica 2001, quien ha contado en esta ocasión  con un director de escena de excepción, el prestigioso tenor Aquiles Machado.

Tosca  está ambientada en la Roma de 1800. Mientras pinta un cuadro de La Madonna en la iglesia de Sant’Andrea della Valle, el pintor Mario Cavaradossi, amante de la celosa Tosca, accede a ayudar al prisionero político Angelotti en su fuga. El jefe de la policía, Scarpia, cuyos objetivos políticos ocultan un raro sadismo, se lanza a la persecución y pronto descubre la implicación de Cavaradossi. La única forma de lograr sus fines es utilizar a la bella Tosca, blanco de sus obsesiones. Cavaradossi es detenido. Scarpia cree por un instante poseer a la bella Tosca, justo antes de que ella le apuñale. Aunque Scarpia muere, sus sombríos planes le sobreviven. Cuando Tosca piensa que finalmente puede liberar a su amado Mario, éste es ejecutado, y Tosca, antes de ser capturada, prefiere lanzarse al vacío desde lo más alto del Castillo de Sant’Angelo.

TOSCA, de G. Puccini

COMPAÑÍA LÍRICA ÓPERA 2001

Reparto

• Floria Tosca: Chrystelle DI MARCO / Melanie Moussay / Yeonjoo PARK
• Mario Cavaradossi: David BAÑOS / Jean-François MARRAS / Haruo KAWAKAMI
• El Barón Scarpia: Paolo RUGGIERO
• Cesare Angelotti: Piero DI CATANIA
• Un Sacristán: Giancarlo TOSI
• + Spoletta, Sciarrobe, un Carcelero

*** Este reparto está sujeto a cambios

• Realización Vestuario: Sartoria Arrigo (Milán)
• Calzado:  Miguel para Calzature di Epoca (Milán)
• Pelucas: Artimmagine (Nápoles)
• Diseño  escenografía y vestuario: Alfredo Troisi

Con la participación de la Orquesta Sinfónica de Ópera 2001

Con la colaboración del Coro Lírico Siciliano

• Dirección Musical: Martín Mázik
• Dirección de Escena: Aquiles Machado
• Dirección Artística: Luis Miguel Lainz

Coproducción Ópera 2001 – Opéra de Massy (Paris-Sud)

Romance Popular en tres estampas. A partir de la obra Mariana Pineda de Federico García Lorca

En su primera dirección al frente del Ballet Flamenco de Andalucía, la granadina Patricia Guerrero asume el reto de dar cuerpo y alma a Pineda. Una versión en la que se explora toda la fuerza espiritual y expresiva del poema dramático de Federico García Lorca. Patricia Guerrero nos entrega una Pineda vibrante y con calambre, granadina y universal, y decididamente flamenca. Un poema dramático bailado porque, como decía Federico García Lorca, “la escena no puede ser otra cosa que emoción y poesía: en la palabra, en la acción y en el gesto”.

Dirección artística y coreografía: Patricia Guerrero
Dramaturgia: Alberto Conejero
Dirección musical: Dani de Morón/ Agustín Diassera
Composición musical: Agustín Diassera, dani de Morón  y Sergio “El Colorao”
Arreglos musicales: Manuel Busto
Letras: Federico García Lorca de su obra “Mariana Pineda. Romance popular en tres estampas “. 1925
Adaptación de las letras: Alberto Conejero
Adaptación musical de las letras: Sergio “El Colorao”
Coreografía escena “La batalla del Albaicín”: “La Venidera” (Albert Hernández)
Otras coreografías: Eduardo leal y Alfonso Losa

Elenco artístico:
Bailaoras/es: Álvaro Aguilera, Ángel Fariña, Araceli Muñoz, Claudia “La Debla”, Hugo Aguilar, Lucía “La Bronce”, María Carrasco, Pablo Egea y Sofía Suárez.
Artista invitado: Alfonso Losa
Repetidor: Eduardo Leal
Cante: Amparo Lagares y Manuel de Gines
Guitarras: Jesús Rodríguez y José Luis Medina
Percusión: David Chupete

Equipo técnico:
Diseño Vestuario: Pablo Árbol
Diseño Iluminación:Juan Gómez Cornejo (AAI)
Diseño escenografía: Bengoa Vázquez y Laura Ordás (AAPEE)
Diseño espacio sonoro: Rafael Pipió (Bésame Music Producciones)

PONCIA

De Luis Luque

A partir de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca

Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas.

REPARTO

Poncia: Lolita Flores

EQUIPO ARTISTICO
Diseño de espacio escénico: Monica Boromello
Diseño de iluminación: Paco Ariza
Composición de música original: Luis Miguel Cobo
Diseño de vestuario: Almudena Rodríguez Huertas
Ayudante de dirección: : Álvaro Lizarrondo
Fotografía: Javier Naval

Texto: Luis Luque (A partir de La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca)
Dirección: Luis Luque
Productor: Jesús Cimarro
Producción: Teatro Español y Pentación Espectáculos

ARCÁNGEL

HEREJE

(Conmemoración del Día Internacional del Flamenco)

El IMAE Gran Teatro de Córdoba conmemora el Día Internacional del Flamenco, declarado por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, con un ciclo de actividades que se desarrollarán a lo largo del mes de noviembre. Arcángel será el protagonista de esta noche, que tras varios proyectos marcados por la inquietud de buscar nuevas vías expresivas mediante el diálogo con otros géneros musicales, se embarca en una fascinante aventura que le lleva a explorar caminos muy diferentes a los que hasta ahora ha transitado. Un viaje desde el flamenco hacia otros géneros musicales que cuenta en la composición de sus temas con grandes artistas del panorama nacional e internacional como Juanes, Andrés Calamaro, Vetusta Morla, Leiva, Vanesa Martín o Rozalén, de los que intenta mantener su estilo, sin aflamencar demasiado las canciones, pero consiguiendo que aún así sea reconocible el flamenco en sus interpretaciones. “Hereje” es el resultado de la fusión de esos nuevos temas con los grandes temas flamencos que le han llevado a ser, sin duda alguna, uno de los mejores cantaores de su generación.

Arcángel, Voz

Guitarras: Francis Gómez y Benito Bernal

Percusiones y batería: Lito Mánez

Teclado: Álvaro Gándul

Coro y palmas: Los MellisV

TRÁPALA 5.0

50 Aniversario

Cia. Trápala Escena

(estreno absoluto)

Trápala, cuyo primer montaje, un Edipo Rey, de Sófocles, data de 1974, puede presumir de ser la Compañía Teatral más antigua de Córdoba. Una antigüedad conseguida con profesionalidad entendida esta no solamente como dedicación plena, sino como rigor en el tratamiento de los textos para llevarlos a un público en su más puro y genuino sentido. Desde entonces la compañía ha montado más de cuarenta títulos y ha tocado prácticamente todos los géneros teatrales, desde la tragedia griega hasta el musical, pasando por la comedia, la farsa, el teatro de vanguardia o el más puro drama naturalista. En 2024, Trápala, celebra su 50 Aniversario y lo hará sobre las tablas del Gran Teatro con un espectáculo creado para la ocasión, “Trápala 5.0”, un espectáculo con historia pero, sobre todo, con alma. Con una dramaturgia que nos recuerde quienes fueron, quienes son y quienes serán. Con la ambición de mostrar trocitos de su historia y de nuestra ciudad, se darán cita en el espectáculo los títulos más emblemáticos de la compañía.

Reparto: Francisco Montero, Juan Carlos Villanueva, Rafael Montero, Carlos Castro, Nieves Palma, Belén Benítez, Marina Castro, Bartolomé García, Carmen Caballero, Mercedes Tirado, Francis de Haro, Marisol Membrillo, Ana Risquez, Ana Castillo

Cante: David Pino

Guitarra: Alfonso Linares

Coro de Ópera de Córdoba

Camerata Gala

Escenografía: M. Ángel Montero

Vestuario: Trápala Teatro – Enrique García

Sonido, iluminación y multimedia: Miguel Ángel Ramos – Arco Visuales

Música Original: Francisco Javier de Haro

Dramaturgia: Juan Carlos Villanueva y Carlos Castro

Dirección Musical: Alejandro Muñoz

Dirección de Escena: Juan Carlos Villanueva

LIBRE

Nino Bravo , como solo MELOMANS te lo puede contar y cantar

de Santiago Sánchez y Víctor Lucas

Melomans es un grupo vocal y teatral creado en 2010 por cuatro jóvenes artistas valencianos. Sin más instrumentos que sus propias voces y con el humor como sello distintivo, Melomans se ha vonvertido en un referente de la música a capela en España. “Libre” es su nuevo espectáculo de teatro musical. El homenaje más original al cantante más grande: la historia de Nino Bravo. Melomans nos lleva de viaje por su vida y sus canciones. Y lo hace con su particular y desenfadado sentido del humor. Un recorrido entre anécdotas de su carrera para descubrir su lado más personal y divertido. “Libre” es una revisión de sus 60 canciones en un estilo a capela moderno y actualizado con nuevas técnicas musicales en directo como bucles, secuenciaciones y otros efectos sorprendentes.

Melomans: Edu Escarti, Gonzalo Manglano, Javi Reig, Pau Ferrer

Idea original: Melomans, Santiago Sánchez, Víctor Lucas

Dramaturgia: Santiago Sánchez, Víctor Lucas, Melomans

Producción musical y diseño de sonido: Erik Bosio, Nacho Mañó y Guille Escartí

Arreglos musicales: Moi Bautista, Lorenzo SuBrizi, Erik Bosio, Melomans

Diseño de escenografía: Luis Crespo

Diseño de iluminación: Antonio Castro

Diseño de vestuario: Gabriela Salaverri

Diseño y coach de títere: Edu Borja

Diseño gráfico: Obert Estudi

Videocreación y fotografía: Guille Escartí, Obert Estudi

Música incidental original: Melomans

Coach vocal: Tere Núñez

Dirección musical: Melomans y Víctor Lucas

Dirección de escena: Santiago Sánchez y Víctor Lucas

BURRO

Basado en textos clásicos sobre asnos

Dramaturgia de Álvaro Tato

Cia. Ay Teatro

Burro es una tragicomedia inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno. En una finca vacía, un burro atado a una estaca le cuenta su vida a su sombra mientras se acerca un incendio forestal. Se inicia así un viaje tragicómico, divertido, tierno, poético y profundo que explora los grandes textos clásicos sobre el asno y la intensa relación entre el animal y el ser humano. La música en directo y el teatro más puro acompañan a este asno sin nombre, de seis mil años de edad, en un recorrido por sus aventuras, desventuras y peripecias a lo largo de la Grecia y la Roma clásicas, la Edad Media festiva y carnavalesca, el Siglo de Oro español e inglés, la Ilustración y la Modernidad.

Elenco: Carlos Hipólito, Fran García, Manuel Lavandera, Iballa Rodríguez

Música original: Yayo Cáceres

Escenografía: Ay Teatro y Tatiana de Sarabia

Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia

Diseño de iluminación: Miguel A, Camacho

Diseño gráfico y fotografía: Davis Ruiz

Sastrería: Maribel Rodríguez RH, Alejandro Jaén

Ayudante de dirección: Daniel Migueláñez

Dramaturgia: Álvaro Tato

Dirección: Yayo Cáceres

CONCIERTO TRIBUTO A PINK FLOYD

THE OTHER SIDE

Concierto homenaje a Pink Floyd a cargo de la banda “The Other  Side”, en el que repasan sus grandes éxitos a través de una esmerada selección de temas. Volveremos a sentir la esencia del rock progresivo, psicodélico y sinfónico. Un concierto que nos  transportará al universo Pink Floyd.

Pere Moll: batería

Marc Bosch: saxo

Toni Olmedo: bajo

Judith Uris, Joana Melià: voces

Simó Bosch: guitarra, voz

Pedro Sánchez: guitarra, voz

Shanti Gordi: teclados, voz

SIEMPRE ASÍ PRESENTA:

SIEMPRE MAHARETA

1994, es el año de lanzamiento de Mahareta, su disco más emblemático y que catapultó a Siempre Así. La gira de 2024 sirve para celebrar los 32 años del grupo en los escenarios de forma ininterrumpida.

La imagen de la guitarra que creó el gran diseñador Pedro Cabañas para la portada de Mahareta, es algo similar a lo que significa «la lengua» para los Rolling Stones, un icono que los identifica a primera vista. En esta nueva gira, esta imagen de la guitarra vuelve a tomar protagonismo junto a las canciones de Mahareta, álbum al que rinden homenaje y que contiene la mayoría de sus canciones de más éxito: Siempre Así, Para volver a empezar, Se me va, etc., al ritmo de la rumba elegante y el sello inconfundible de estos siete andaluces.

Sandra Barón, Mayte Parejo, Mati Carnerero, Paola Prieto,Nacho Sabater, Ángel Rivas y Rafa Almarcha.

CÁLLATE CORAZÓN

UN ESPECTÁCULO CON LO MEJOR DE LA ZARZUELA

Cállate, corazón es un homenaje a un género, la zarzuela, y a sus intérpretes, que han defendido un patrimonio que no solo pertenece al pasado, sino que se ha ido transformando a lo largo de los años. Este espectáculo hace un viaje por grandes momentos de este género y también por canciones y números menos conocidos y que son auténticas joyas de nuestro repertorio. La zarzuela barroca, la copla, los números de revista y la canción española tendrán también su espacio en este impresionante viaje musical. Esta peculiar antología de la zarzuela tendrá un hilo conductor abierto y poético, en el que habrá lugar para la comedia y el desamor, la nostalgia y la carcajada.

Milagros Martín o María Rodríguez serán las figuras clave encarnando el personaje de Paloma, una mujer a la que, en un momento de su vida, le llegan recuerdos de su pasado en forma de números musicales.

Reparto:

Josefina: Milagros Martín / María Rodríguez

Paloma: Rebeca Cardiel / Ruth González

Javier: Paco Sánchez /Álvaro Andrés Lara / Ricardo Calderón

Max: Ángel Walter / Juanma Cifuentes

Julián: E. Sánchez-Ramos

Escenografía: R. Sánchez Cuerda

Chelista: Irene Celestino

Percusionista: Iván Mellén

Clarinete: Cecilia Serra

Dirección musical y piano: Miguel Huertas

Dirección: Susana Gómez

LA CELESTINA

de Fernando de Rojas

Adaptación de Eduardo Galán

Con esta versión de “La Celestina”, Eduardo Galán pretende acercar la tragicomedia a públicos más jóvenes y rozar la piel del alma  de quienes acudan a verla. Ha buscado el dinamismo de la acción,  el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: “El carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad de disfrutar de la juventud. Para ello ha realizado una labor de síntesis, ya que Fernando de Rojas la escribió a finales el Siglo XV para que fuera leída, no para ser representada.

Calisto, un joven noble apuesto y de preclaro ingenio, penetra persiguiendo a un halcón en la huerta donde se halla a Melibea, de quien queda profundamente enamorado. Ante el rechazo de ésta y aconsejado por su criado Sempronio, decide encomendar su cuidado a Celestina, para lograr por medio de ella el amor de Melibea. La alcahueta consigue mediante artimañas que Melibea se enamore de Calisto. Los criados de éste intentan explotar un beneficio propio a la pasión de su amo: que había prometido una cadena de oro a Celestina si lograba entre todos enamorar a Melibea. Cuando esto sucede, los criados reclaman su parte y ante la negativa de Celestina, la matan. Son apresados y ejecutados por la justicia, de lo que Calisto tiene noticia al día siguiente. Los amantes olvidan pronto estos tristes sucesos y gozan del amor hasta que un accidente fortuito acaba con la vida del joven caballero. Ante la muerte de su amado, Melibea sube a una torre y se arroja desde ella tras declarar las causas del suicidio a su padre. Termina la obra con el llanto y unas reflexiones morales de Pleberio, padre de Melibea.

Elenco: Anabel Alonso, José Saiz, Víctor Saiz, Claudia Taboada, Beatriz Grimaldos, David Huertas

Música original y espacio sonoro: Manuel Solís

Diseño de escenografía: Mónica Teijeiro

Diseño de iluminación: José Manuel Guerra

Diseño de vestuario: Mónica Teijeiro

Adaptación: Eduardo Galán

Dirección: Antonio C. Guijosa

VICENTE AMIGO

ANDENES DEL TIEMPO

Andenes del Tiempo es el noveno disco de estudio en la carrera del músico y guitarrista Vicente Amigo, considerado una de las figuras de referencia en el panorama de la guitarra y el flamenco actual. Andenes del Tiempo es un disco completamente instrumental en el que Vicente, desde la composición y la interpretación, vuelve a provocar lo que su música lleva demostrando desde siempre, una inconfundible transmisión de sensaciones musicales, belleza melódica y personalidad sonora como muy pocos suelen lograr. Su lenguaje es el flamenco y su instrumento la guitarra. Sin embargo, el contenido estilístico es variado: va de temas clásicos, como la bulería y la soleá,  a otros  algo menos común de abordar en un disco de guitarra, como los tanguillos de Cádiz, el pasodoble, la rumba, el bolero y el que da nombre al disco, que puedes ser el que más se separe del resto añadiendo un paisaje sonoro casi cinemático por la composición y la tímbrica utilizada.