La vida de Carmen Díez de Rivera fue tan excepcional que tiene paralelismos con las tragedias griegas como Antígona o Ariadna. Nacida en unas circunstancias familiares rocambolescas, dentro de lo más granado de la aristocracia española, renunció a los privilegios de clase y llegó a alcanzar un puesto que ninguna mujer ha desempeñado en este país: Jefa del Gabinete de la Presidencia del Gobierno. Y lo hizo en uno de los periodos más complejos e intensos de la Historia de España: la transición. Luchó contra todo y contra todos con un propósito firme: guiar a su país hacia la democracia. En el escenario, Carmen va desgranando los momentos álgidos de su intensa y desafiante carrera política mientras recuerda los episodios íntimos que marcaron su desdicha y su carácter.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Beatriz Argüello, Ana Fernández, Oriol Tarrasón, Víctor Massán
Diseño de escenografía: Beatriz San Juan
Diseño de vestuario: Paola de Diego
Diseño de iluminación: Juanjo Llorens
Diseño de sonido: Sergio Sánchez
Audiovisuales: Elvira Ruiz
Fotografía: Sergio Parra
Ayudante dirección: Sara Illán
Dirección: Fernando Soto

Música Coral compuesta por mujeres desde la Edad Media a la actualidad.
CompositorAs es una travesía cronológica desde la misteriosa monodia medieval de Hildegard von Bingen a la dulce y luminosa polifonía de figuras del Barroco como Maddalena Casulana o Barbara Strozzim con una especial mención a Sor Juana Inés de la Cruz, hasta llegar a la plena rotundidad de compositoras modernas como Lili Boulanger, Amy Beach o Sally Bramish.

Coro Ziryab
Adriana Moreno (soprano), Aníbal Soriano (archilaúd y tiorba), Carmen Hidalgo (viola da gamba), Silvia Mkrchyan (piano)

Con la colaboración de Aquel Trovar

Dirección e idea original: Carlos Castiñeira

Programa

Hildegard von Bingen (1098-1179)
Ave Generosa  (Soprano y coro. Arreglo C. Castiñeira)

Maddalena Casulana (1544-1590)
Io d’odorate fronde  (Coro, tiorba y viola da gamba)

Barbara Strozzi (1619-1677)
Ché si puó fare  (Soprano, tiorba y viola da gamba)

Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695)
Madre, la de los primores (Coro, tiorba y viola da gamba)

Fanny Mendelssohn (1805-1847)
Abschied
Nacht liegt auf dem frenden Wegen
Waldruhe (Terceto vocal: SAT)

Clara Wieck (1819-1896)
Abendfeier in Venedig (Ave Maria)
Gondoliera

Cecil Chaminade (1857-1944)
Duo des Etoiles (Coro femenino)

Lili Boulanger (1893-1918)
Hymne au soleil

Amy Beach (1867-1944)
3 Choral Responses

Sally Beamish (1956 – )
In the Stillness

Seguimos con la ilusión intacta y convencidos de la importancia de acercar la música clásica a todo tipo de públicos. Este concierto está diseñado para la OdC y especialmente pensado para nuestros jóvenes con el objetivo de atraerlos al mundo de la música clásica. Experimentaremos el poder de la música como idioma universal que nos une usando el humor como guión de la mano de Lolo Fernández.

INTÉRPRETES

Lolo Fernández, narrador
Salvador Vázquez, director

Niveles educativos recomendados: 3º ciclo de Ed. Primaria y ESO (10 – 16 años)

Lolo Fernández
Natural de Linares (Jaén). Lolo es Payaso y Músico, profesor superior de flauta travesera, música de cámara y orquesta en diferentes conservatorios Formado en Clown con maestros como Michelle Dallaire o Peter Shurb es seleccionado por Cirque du Soleil como clown principal en el espectáculo Corteo en giras europeas, sudamericanas y norteamericanas, compaginando hasta la fecha su colaboración con la compañía canadiense con sus propios proyectos escénicos.

Aunando sus dos pasiones el clown y la música realiza conciertos para clown y orquestas sinfónicas, habiendo realizado hasta la fecha colaboraciones con las orquestas de Córdoba, Granada, Extremadura, Murcia, Alicante…etc.

Este año presenta con la Orquesta de Córdoba un concierto pensado para adolescentes y jóvenes titulado ´VITAL´.

Con una puesta en escena sencilla, esencial y directa, arropados por unos pocos elementos e instrumentos musicales, el equipo actual de ronlaleros ofrece en escena una retrospectiva comprimida y esencial de los cuatro espectáculos que definieron su inimitable estilo y que la consolidaron como una de las compañías más premiadas y aclamadas por crítica y público: Mi misterio del interior, Mundo y final, Time al tiempo y Siglo de Oro, siglo de ahora. Cuatro espectáculos en uno, cuatro títulos que sirvieron para configurar un estilo propio de concebir el teatro y de definir, de forma muy personal, sus señas de identidad a lo largo de los años. 4X4 es una fiesta del humor crítico y cítrico. Ron Lalá en estado puro.

FICHA ARTÍSTICA:
Reparto: Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana, Daniel Rovalher
Creación Colectiva: Ron Lalá
Dramaturgia y letras: Álvaro Tato
Composición y arreglos: Yayo Cáceres, Juan Cañas, Miguel Magdalena, Daniel Rovalher
Vestuario: Tatiana de Sarabia
Escenografía: Ron Lalá y Tatiana de Sarabia
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Sastrería: Maribel RH
Fotografía y audiovisuales: David Ruiz
Dirección musical: Miguel Magdalena
Dirección: Yayo Cáceres

Una comedia de mujeres gitanas que luchan contra el racismo. Basada en la obra Lisístrata de Aristófanes.
Con una puesta en escena muy especial, inspirada en las vestimentas de las gitanas de principios del siglo XX, la obra hace un recorrido por parte de la historia del pueblo gitano para dar a conocer, de esta forma, alguno de los sucesos que han  provocado muchos de los estigmas que se le achacan a esta etnia.

Por la compañía Gitanas a escena

Esta compañía es un proyecto dirigido por la actriz, artista y escritora Coco Reyes que ha supuesto la formación de la primera Compañía de Teatro formada exclusivamente por mujeres gitanas, cuyo objetivo fundamental es mejorar su autoestima a través de su participación en un proyecto teatral social y con esto, mejorar su independencia, su capacidad personal y participación en la sociedad.

El desarrollo de Gitanas a Escena conlleva la formación artística de las mujeres participantes en la compañía, la preparación del estreno de una obra de teatro, la grabación de un documental y la consolidación del proyecto como una compañía estable.

Anita de Lois presenta su nuevo EP, Tell me, un álbum de cinco canciones creados por esta artista andaluza, referente del Neo Soul, un género que fusiona armonías de jazz con ritmos vibrantes y melodías inspiradoras. Anita busca una conexión profunda con su público, transformando en canciones poderosas e intimistas el repertorio de emociones cotidianas que nos definen. Además de las canciones del EP, interpretará varios temas inéditos junto a versiones destacadas de otros artistas del género.

FICHA ARTÍSTICA:
Anita de Lois, voz
Eduardo Navarro, teclados
José Romero, batería
Ahinara Egea, bajo y voz
Alberto Martín, trompeta
Alicia Hernández, coros

Repertorio
Tell Me (Anita de Lois)
False love (Anita de Lois)
Billie (Anita de Lois)
Sweet and burning love (Anita de Lois)
Suddenly (Anita de Lois)
Three days to war (Anita de Lois)
Black Sheep (Anita de Lois)
I know that I love you (Anita de Lois)
Just do it (Anita de Lois)
Sade (Anita de Lois)
Money (Anita de Lois)
Black coffee (standard de jazz)
Listen to your heart (Durand Jones & The Indications)
Tyrone (Erykah Badu)
Nothing burns like the cold (Snoh Aalegra)
Light my fire (versión Shirley Bassey)

Eduardo Navarro (pianista)
Natural de Huéscar (Granada) comienza sus estudios musicales a la edad de 9 años. Cursa los estudiossuperiores en interpretación de piano en el Real Conservatorio Superior de música Victoria Eugenia deGranada. Debido a su polivalencia, entra en la escena de Granada con Bandas como Funkdacion, RadioCrooner, The Jump Club entre otras. Ha trabajado en production Shows en lujosas compañías de crucero. Actualmente se encuentra en el último curso de sus estudios superiores en piano jazz en el Conservatorio Superior de Música de Málaga.

Jose Romero (batería)
Es un baterista granadino de amplia trayectoria, versátil y especializado en funk. Su estilo se caracteriza por un groove potente y preciso, adaptándose a géneros como jazz, rock y soul. Ha trabajado con numerosos artistas, consolidándose como uno de los referentes rítmicos en la escena musical de su ciudad.

Ahinara Egea (bajista y cantante)
Originaria de Almería, su viaje musical comenzó con un bajo en las manos y una voz que resonaba con el alma de R&B y soul. A lo largo de los años, Ahinara ha perfeccionado su arte, fusionando estos géneros con los ritmos vibrantes y enérgicos del Afrobeat, jazz y funk. Su dedicación la ha llevado a escenarios importantes con distintas agrupaciones en las que trabaja como Alonso, Akiba Afrobeat …

Alberto Martín (trompetista).
Alberto Martín, trompetista apasionado por la música de raíz, estilos como el Soul, el Jazz y la música latina. Con un profundo compromiso hacia estos géneros, ha desarrollado un estilo único que fusiona tradición y modernidad. Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas como Roko, Amparanoia, O’funk’illo, etc…

Alicia Hernández (cantante corista)
Cantante y corista, especializada en flamenco pop, pero con una versatilidad que le permite moverse con naturalidad en géneros como el soul y el r&b. Su pasión por la música la ha llevado a colaborar con grandes artistas, y actualmente es parte del equipo de coristas de Pitingo, Lya y Anita de Lois.

Antonio Álamo es el director y autor de este guion con el que ganó el Premio Autoría Teatral en la novena edición de los Premios Lorca Artes Escénicas de Andalucía (2023)

Sí a todo podría presentarse como un “thriller médico” que trata un tema duro (la enfermedad, la muerte) en tono de Carnaval de Cádiz, sin condescendencia, provocando la emoción y la risa en el público. Sí a todo es la historia de un amigo, de un actor. Escrita tras conocer la historia de ese amigo que tuvo que enfrentarse a una terrible enfermedad. Y quién mejor que ese amigo, quién mejor que ese actor para contarlo. Así Abel Mora, ese actor gaditano, afronta en este espectáculo, lleno de humor y música, su experiencia con la enfermedad.

FICHA ARTÍSTICA:

Interpretación: Abel Mora, Maka Rey
Letras de las canciones: Juan Manuel Braza Benítez, Juan Carlos Aragón, Abel Mora y Antonio Álamo
Espacio sonoro: Maka Rey
Espacio escénico: Antonio Álamo / Antonio Marín
Iluminación: Manuel Colchero / José Mende
Movimiento escénico: Juan Luis Matilla
Foto/Vídeo: Agustín Hurtado
Dirección y dramaturgia: Antonio Álamo

El bar nuestro de cada día es un monólogo musical en clave de humor, en el que se reivindican los bares, no solo como lugar de ocio, sino también como lugares de culto a la vida y a nosotros mismos. Con el teatro transformado en taberna, “Chipi”, camarero de “El bar nuestro de cada día” se ve obligado a cumplir la última voluntad del difunto “Malandro”, un asiduo cliente que ha preferido dejar una fiesta pagada en el bar a un entierro convencional de tanatorio. Chipi improvisa una ceremonia pagana para “Malandro” convirtiendo el velorio, tal como le pidió el difunto, en una fiesta para celebrar su vida en vez de llorar su muerte. Durante el espectáculo, entre anécdotas y canciones, nos va desgranando su vida y su historia, con sus luces y sus sombras. El público, convertido en parroquianos del bar, es también partícipe de esta fiesta sanadora que a través de la música, la palabra y el humor, nos reconcilia con la muerte y nos invita a disfrutar de la vida.

FICHA ARTÍSTICA:
Camarero: Antonio Romera “Chipi”
Banda: Javier Galiana de la Rosa (piano), Bernardo Parrilla (vientos), David León (percusiones)
Música: Javier Galiana de la Rosa y Antonio Romera “Chipi”
Diseño Técnico de sonido: Curro Ureba “Trafalgar Estudios”
Diseño y Técnico de Iluminación: Rafa Gómez
Escenografía: Libibirloque
Vestuario: Telita Confecciones
Autor: Antonio Romera “Chipi”

El reconocido cantaor, guitarrista y compositor Kiki Morente, hijo del legendario maestro Enrique Morente, presenta su tercer trabajo discográfico «Azabache» disco que ve la madurez artística del cantaor. Un talento precoz que arrancó desde la infancia acompañando a su padre por los escenarios más prestigiosos del mundo, Kiki ha destacado por su madurez escénica y su habilidad para actualizar el flamenco sin perder su esencia. Con dos exitosos álbumes en solitario, «Albayzín» (2017) y «El Cante» (2021), y su último álbum «Azabache» (2024), Kiki Morente se ha consolidado como una de las principales voces del panorama flamenco actual. Su carisma, seguridad y talento lo convierten en un artista que cautiva al público en cada una de sus interpretaciones.

Guitarra flamenca: Carlos de Jacoba
Guitarra flamenca: Joni Jiménez
Baile, coros y palmas: Alberto Selles
Percusión: Juan Carmona

José Enrique Morente Carbonell, Kiki Morente, nació en Granada en 1989. Es hijo del cantaor Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell, y hermano de Soleá y Estrella. El linaje de parte de la familia de su madre incluye a grandes guitarristas y cantaores, contándose entre ellos su tio Montoyita o el legendario Sabicas. Su padre le inculcó desde pequeño la afición por la guitarra, llegando a cursar estudios superiores del instrumento en el Conservatorio de juventudes musicales de Granada; de ahí que sea habitual verle acompañarse a si mismo a la guitarra en sus conciertos.

El cante de Kiki Morente viene influenciado por maestros como Manuel Vallejo, Pepe Marchena, Antonio Chacón, Manuel Torre, Pepe Pinto o El Sevillano, entre muchos otros. Pero además Kiki incorpora influencias de un amplio espectro de artistas como Pat Metheny, Leonard Cohen, Cheb Khaled o Dulce Pontes.

Sus últimos lanzamientos, ‘Alegrías de Cádiz’ (2024) y ‘La Chelita’ (2024) forma parte de su próximo trabajo: «Azabache». Un homenaje a la tradición y a las raíces.

• Kiki Morente, también ha colaborado en el LP «Lágrimas de un maleante» de Omar Montes con la canción ‘PUÑALÁ’.
• En 2021 publica “El Cante”, su segundo disco de Kiki Morente, en el que reflexiona sobre los tiempos que corren bien para el flamenco como para la música en general y las posibilidades que en ella caben para crear y componer. Una reivindicación y traducción que el cantaor granadino realiza sin perder la identidad clásica, que es origen y esencia.
• El joven cantaor ha recorrido a lo largo del 2018, 2019, 2020 los escenarios nacionales e internacionales de gran nombre con su primer disco (Festival de Jazz de Barcelona, La Mar de Músicas de Cartagena, Festival de Flamenco On Fire de la capital navarra, el Milnoff de Granada pasando por el Festival Flamenco de Nîmes, el Festival de Flamenco de Nueva York y Chicago dentro de la programación de Flamenco Eñe o en el Flamenco Festival de Londres).
• A finales del 2017 el cantaor publicó su disco de debut, “Albayzín” (Universal Music), un disco de corte eminentemente clásico, acompañan a Morente las guitarras de Juan Habichuela, Pepe Habichuela, Rafael Riqueni, Diego del Morao, Juan Carlos Romero, Montoyita, Juan Habichuela nieto, Josemi Carmona y Juan Carmona “Camborio”, que ejerce además de coproductor del disco junto al propio Kiki y Estrella Morente.
• Lleva desarrollando su carrera en solitario en el mundo del flamenco desde el año 2010. Es un cantaor largo y conocedor de una gran variedad de estilos. Ha actuado como solista en recitales como: el Teatro Español dentro de la Suma Flamenca de Madrid, el Teatro Grec de Barcelona o los Jardines del Generalife en Granada. También ha colaborado con artistas de la talla de Vicente Amigo, Alejandro Sanz, Nino Josele o el director de cine Carlos Saura.
• Junto a Enrique Morente recorrió numerosos escenarios de incontables países desde el año 2005:Festival de Jazz de Vitoria, la Bienal de Flamenco de Buenos Aires, el Festival de Flamenco de Ciutat Vella (Barcelona) o el Flamenco Festival de Nueva York.

Una madre de película es un monólogo que habla sobre el nido vacío, ese irremediable y temido momento en que los hijos echan a volar y a las madres y padres les toca lidiar con una ausencia y unos miedos que la presencia de sus retoños había desdibujado.

Eva María recibe un audio de Nicolás, su único hijo: debe entrar en su habitación y buscar en el cajón superior izquierdo de su mesa de trabajo una carpeta roja que contiene un documento que necesita con urgencia. Urgente es “ya, ahora, sin perder un instante, mamá”. Para abrir el cajón necesita la clave del candado. Eso es todo: cajón, clave, carpeta roja, saca documento. Le hace una foto con el móvil y se la envía. Después, vuelve a desandar el camino, mete documento, carpeta roja, clave, cajón y sale de su dormitorio. Nicolás es extremadamente celoso de su intimidad y le advierte de que no caiga en la humana (y especialmente maternal) tentación de hurgar en sus enseres. Eva María promete a su hijo cumplir a rajatabla su cometido, pero una vez inmersa en el encargo… ¿Quién está libre de pecado? El recuerdo de su vida y la visión de ese provocador nido vacío harán deslizarse a María por una divertida espiral, transformando su cotidiana realidad en una auténtica aventura de película.

FICHA ARTÍSTICA:

Reparto: Toni Acosta

Diseño Escenografía: Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer (EstudioDeDos)

Espacio Sonoro y Música: Nicolás Fischtel

Vestuario: La leona alegre

Dirección: Juan Carlos Rubio

Una Producción de Pentación Espectáculos, Leona Madre y La Alegría Producciones

En este divertido concierto familiar y didáctico en formato “stand-up comedy” (comedia en vivo), los más jóvenes tendrán la oportunidad de aprender sobre los diferentes estilos y formas musicales, el papel del director, las funciones armónicas y el tempo, todo ello en clave de humor y enfocado a mejorar su capacidad de escuchar activamente, la cual es muy importante para poder comprender y disfrutar de la música clásica.

INTÉRPRETES

Ana Hernández Sanchíz, presentadora
Edmon Levon, director

Niveles educativos recomendados: 2º y 3º ciclo de Ed. primaria (8 a 12 años)

Ana Hernández Sanchíz
Actriz y divulgadora musical, participa en los programas socioeducativos de las principales orquestas sinfónicas españolas, además de otras instituciones como la Fundación Juan March, Teatro Real, Cía. Nacional de Danza, Ballet Nacional, Palau de Les Arts o Baluarte-Pamplona. Entre sus colaboraciones internacionales destacan las orquestas Filarmónica de Luxemburgo, Sinfónica Nacional de Colombia, Nacional Juvenil Bicentenario de Perú y Nacional de Argentina, Banda Sinfónica de Montevideo, Teatro Mayor de Bogotá y Gran Teatro Nacional de Lima. Colabora, además, con la Joven Orquesta Nacional de España y el Alto Comisariado contra la Pobreza Infantil, realizando talleres creativos con colectivos diversos. Su carrera teatral incluye títulos clásicos como “La divina Filotea” de Calderón de la Barca, que protagonizó en varios festivales (Almagro, El Escorial, La Habana, Miami) y es cofundadora de la compañía de creadoras escénicas Arquetípicas, protagonizando la obra ´Las Boulangers´.

En el ámbito audiovisual interviene en series como ´Heridas´ o ´4 estrellas´ y películas como ´Ya no quedan junglas a donde regresar´, de próximo estreno.

Edmon Levon
Natural de Sofía (Bulgaria), Edmon es un director de orquesta y violinista granadino. Formado en los conservatorios Mánchester, Ámsterdam y La Haya, ha trabajado como director invitado con la Orquesta de RTVE, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Filarmónica de Málaga, Orquesta de Extremadura, Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, Filarmónica de Jena, Sinfonietta Cracovia, Manchester Camerata y Monferrato Classic Orchestra.

También ha dirigido orquestas como la Orquesta de la Radio de Frankfurt, Sinfónica de Hamburgo, Filarmónica de Holanda, BBC Philharmonic y Orquesta de la Tonhalle de Zürich como director asistente y en clases magistrales con directores de la talla de David Zinman, Manfred Honeck, Juanjo Mena, Sir Mark Elder, Ivor Bolton y Daniele Gatti.

Esta es la tercera vez que vuelve a la Orquesta de Córdoba como director invitado, orquesta a la que le tiene un especial cariño ya que fue la primera orquesta profesional que dirigió como alumno del curso de dirección con el Maestro Manuel Hernández Silva en el año 2010.

La bailarina y coreógrafa cordobesa, Marta Gálvez, presenta en su ciudad su primer trabajo en solitario: Dama de Noche, un viaje en el que, a través de la oscuridad y las sombras de la noche, nos mostrará el proceso de transformación que sufre esta flor. La artista nos invita a viajar desde el crepúsculo que da comienzo al bello proceso de florecer, transitando todas las etapas que se circunscriben en torno a este fenómeno, como son la maduración, la polinización o el surgir de los frutos que adornarán de rojo y púrpura la opacidad de la noche. Se irán sucediendo escenas creadas a partir de los diferentes lenguajes de la danza española, desde la búsqueda de la belleza a través de la exploración estilística de la escuela bolera hasta el juego de estructuras que se llevará a cabo en las partes más flamencas. Todo ello nos guiará hacia el cierre de la flor, como metáfora cíclica de un nuevo comienzo.

FICHA ARTÍSTICA:

Baile: Marta Gálvez
Guitarra: José Almarcha
Cante: David Lagos
Cello, voz y percusión: Isidora O’Ryan
Dramaturgia: Marta Gálvez
Colaboración coreográfica: La Venidera
Asesor coreográfico y visión externa:  Juan Carlos Avecilla
Música: José Almarcha,  Isidora O’Ryan, Marta Gálvez y Juan Carlos Avecilla
Letras: David Lagos y Marta Gálvez
Diseño de iluminación: Dominique You
Diseño de vestuario: Belén de la Quintana y Marta Gálvez
Sonido: Chipi Cacheda
Producción: Marta Gálvez
Dirección y Coreografía: Marta Gálvez

Agradecimientos a María Pagés y a El Arbi El Harti por ser mis compañeros de viaje en la construcción de la dramaturgia y la dirección coreográfica y escénica de Dama de noche y haberlo hecho desde la vocación generosa de apoyarme en mi reto creativo y la consciencia de que la transmisión de conocimiento y de la buena energía solo se hace desde le respeto y el cariño»

A partir del capítulo XIV de Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes

Un hombre ha aparecido muerto: Grisóstomo. Una mujer ha sido acusada de su muerte: Marcela. Los pastores sospechan de Marcela. No les gusta su hermosura, ni su orgullo. Estamos en 1605 y todos creen que merece un castigo. Pero Marcela no acata la norma y habla en su propia defensa. Marcela es uno de los personajes más célebres de Cervantes. En pleno arranque del siglo XVII, uno de los autores más importantes de la literatura universal, fue capaz de captar y transmitir de manera poética y contundente algo tan intrísico a la experiencia de ser mujer en un contexto patriarcal. De la mano de tres creadoras actuales, descubriremos los muchos fuegos que iluminan este mito. Marcela nos invita a reflexionar sobre el amor, el poder y el miedo radical a la mujer libre.

FICHA ARTÍSTICA:

Interpretación: Celia Freijeiro
Voz en Off Quijote: Luis María Ansón
Diseño de espacio escénico: Pablo Chaves
Diseño de iluminación: Lola Barroso
Ayudante de iluminación: Elena Alejandre
Diseño de vestuario: Marta Murillo
Diseño de sonido: Pablo Martínez
Dirección: Leticia Dolera

Dicen, aunque no sabemos si es del todo cierto, que Beethoven desayunaba todos los días con sesenta granos de café que contaba, olía, molía y bebía. Pues bien, estos sesenta granos de café dan título a este cuento musical, una historia inspirada en su única ópera, Fidelio, y también, en varios extractos de la sinfonía que más refleja su gran amor por la Naturaleza, la Sinfonía nº6, La Pastoral.

INTÉRPRETES

Belén Otxotorena, narradora
Jhoanna Sierralta, directora

Niveles educativos recomendados: Educación Infantil y 1o ciclo de Primaria (3 a 8 años)

Belén Otxotorena
Actriz, narradora y profesora de Dramatización, realiza estudios musicales en el Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona y de Arte Dramático en la Escuela Navarra de Teatro.

Es cofundadora de la compañía Pasadas las 4 con la que, desde 1994, realiza espectáculos teatrales y musicales de gran acogida nacional e internacional. De 1997 a 2012, participó en el programa Música en Acción del Gobierno de Navarra. Es coautora y escritora de cuentos, guías didácticas y guiones musicales para alumnado de todos los niveles educativos y también, de varios relatos musicales para público adulto.

Ha trabajado con distintas compañías teatrales en el campo de la interpretación, la dramaturgia y la dirección. Sus proyectos más recientes son El secreto del viento azul, encargo de la Orquesta y Coro Nacionales de España, Elmer, los colores de un sueño, coproducido con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y Estela sefardí, encargo de la Semana de Música Antigua de Estella.

Ha trabajado con numerosas orquestas y grupos de cámara del país y, desde 2002, participa en diferentes proyectos teatrales y musicales de prestigiosas instituciones educativas y culturales de Colombia: Teatro Metropolitano de Medellín, Fundación Luis Ángel Arango, Festival de Música Religiosa de Popayán, Festival Internacional de Piano de Bucaramanga, Instituto Diego Echavarría, Orquesta Filarmónica de Bogotá y Orquesta Nacional de Colombia.

Jhoanna Sierralta
Violista y directora de orquesta con una trayectoria internacional que refleja su dedicación y pasión por la música clásica. Originaria de Caracas (Venezuela), Sierralta comenzó su carrera musical en el Centro Académico Infantil de Montalbán en ´El Sistema´ a los 12 años, un proyecto social y artístico de integración no solo de los niños y jóvenes sino también de sus familias y su comunidad.

Allí nació su amor por la música y desarrolló una sólida formación como violista formando parte de la Orquesta Nacional Infantil de Venezuela, la Orquesta Juvenil de Caracas y finalmente la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar bajo la batuta de Gustavo Dudamel.

Instalada en España en 2015, decidió explorar nuevos horizontes en la música y se embarcó en el estudio de la dirección de orquesta en la Academia Opus23 en Madrid. Desde entonces, se ha centrado en el ámbito de la dirección en diversos escenarios internacionales y ha dirigido algunas orquestas profesionales de España (Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Tenerife, Orquesta de Extremadura, Sinfónica de Baleares) además de haber sido asistente de dirección de la Orquesta Joven de Extremadura durante dos temporadas. Su compromiso con la educación musical y su deseo de democratizar el arte la han convertido en una figura inspiradora para la comunidad musical actual.