Tres de las mejores magas de la escena actual se unen por primera vez sobre el mismo escenario para firmar un espectáculo sin precedentes en nuestro país.

Dania Díaz, Amelie y Lola Mento, tres nombres reconocidos en la magia internacional, presentan juntas sus mejores ilusiones en un show a seis manos donde conviven apariciones, desapariciones, mentalismo y magia de cerca. Todo ello ante los ojos de un público que quedará alucinado con su magia.

Dania Díaz, ilusionista venezolana, reconocida como una de las mayores exponentes de la magia femenina en Latinoamérica y el mundo. Ganadora de importantes premios como el de Flasoma Chile, y el premio Nacional de España 2016. 

Amelie (España), es poesía, dulzura, magia y encantamiento. Ha presentado su magia en los principales festivales de nuestro país. Su magia es visual y elegante. Un cuento mágico que nos seduce y nos hace creer que todo es posible. 

Lola Mento (España), maga actriz y payasa. Lola rompe moldes con una magia descaradamente libre y provocadora. A través de sus locuras ofrece una mirada crítica al mundo que nos rodea, sin renunciar jamás al juego ni a la carcajada. Cuenta con 25 años en los escenarios de medio mundo aprendiendo que el humor y el buen rollo son lenguajes universales. 

Presenta Intimate

La trompetista y cantante Andrea Motis toca con el guitarrista Josep Traver desde los inicios de su carrera. «La magia que existe entre ambos es muy difícil de reproducir con otras personas, porque él es el guitarrista con el que más he tocado y durante años nos hemos escuchado casi todos los días», explica la artista barcelonesa. Motis destaca que lo que más le gusta de Traver es su sutileza y su bagaje ecléctico después de muchos años de experiencia como profesional.

Cuando a ellos se les une el siciliano Giuseppe Campisi –«un contrabajista de una flexibilidad alucinante», afirma Motis–, el repertorio se expande: el epicentro es claramente jazzístico, pero a los tres les atraen sobre todo las canciones, por lo que les encanta moverse entre géneros, desde el country y el blues hasta la música de cantautores y el legado brasileño.

FICHA ARTÍSTICA:
Trompetista y cantante: Andrea Motis
Guitarrista: Josep Traver
Guitarrista: Jurandir Da Silva

Andrea Motis
Andrea Motis (Barcelona, 1995) es cantante, trompetista y saxofonista. En 2011, con 16 años y habiéndose dado a conocer en la escena gracias a su trabajo con la Sant Andreu Jazz Band y como solista en el quinteto que compartió con Joan Chamorro, tuvo la oportunidad de trabajar con Quincy Jones, quien dijo de ella que tocaba la trompeta como Harry Sweets Edison y el saxo alto como Johnny Hodges, y que además cantaba como Billie Holiday. Jones no lo decía solo como un aficionado, sino como músico que había compartido amistad con todos ellos, referencias absolutas para la entonces joven artista.

Motis ha publicado 11 discos a su nombre que recorren todo el espectro de sus intereses, desde el jazz clásico hasta el funk pasando por la música brasileña. Además de la citada colaboración con Jones, ha compartido escenario con otras leyendas como Milton Nascimento, Omara Portuondo y Buena Vista Social Club, esperanza spalding y Yo-Yo Ma, quien también la invitó a participar en su disco de dúos Notes for the future versionando la canción popular catalana El cant dels ocells.

Sus próximos proyectos para el 2026, que se estrenarán en el Festival de Jazz de Barcelona, son To Amy, un homenaje a una de sus artistas fetiche –Amy Winehouse– junto con una gran formación, los Barcelona Gospel Messengers, y el Andrea Motis Guitar Trio, con los guitarristas Jurandir dã Silva y Josep Traver, un proyecto intimista y sutil que va a tener traducción discográfica en febrero del 2026.

Combinando un pianismo de gran intensidad, una amplitud de repertorio sin igual y un nivel de refinamiento interpretativo que asciende a los reinos de la poesía, Vadym Kholodenko se erige como un artista como pocos se han visto en el mundo desde los grandes pianistas de la Edad de Oro. Medalla de Oro del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn, el distinguido pianismo de Kholodenko y su profunda sensibilidad artística le han valido invitaciones de muchas de las mejores orquestas y salas de concierto del mundo.

Entre sus recientes y próximos conciertos destacan colaboraciones con importantes orquestas de Norteamérica (Orquesta Sinfónica de Atlanta, Orquesta Sinfónica de Cincinnati, Orquesta Sinfónica de Indianápolis y Orquesta de Filadelfia); Europa (Orquesta del Festival de Budapest, Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, Filarmónica della Scala, Orquesta Filarmónica de Londres y Orquesta Sinfónica de Viena); y Asia y Extremo Oriente (Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwán, Orquesta Sinfónica de Sídney y Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio).

En temporadas recientes ha ocupado el puesto de Artista en Residencia con la Orquesta Sinfónica de Fort Worth (Texas, EE. UU.) y la SWR Symphonieorchester (Stuttgart, Alemania), y en 2025 debutó en los Proms de la BBC en Londres. Kholodenko ha forjado sólidas colaboraciones musicales con muchos de los principales directores del mundo, entre ellos Karina Canellakis, Myung-Whun Chung, Christoph Eschenbach, Iván Fischer, Marie Jacquot, Cristian Măcelaru, Susanna Mälkki, Gemma New, Sir Antonio Pappano, Dima Slobodeniouk, Thomas Søndergård, Krzysztof Urbański y Kazuki Yamada, entre otros.

En recital, Kholodenko actúa en los escenarios más importantes del mundo —de Londres, París y Viena a Boston, Chicago y Nueva York— donde es elogiado por su “técnica de hierro, capaz de momentos de delicadeza cristalina” (The Guardian). También es un músico de cámara reflexivo y comprometido, disfrutando de colaboraciones fructíferas con artistas como Clara Jumi-Kang, Anastasia Kobekina, Vadim Repin y los cuartetos de cuerda Belcea y Jerusalem. Ha realizado numerosas grabaciones con la violinista Alena Baeva, con quien ha actuado recientemente y tiene próximas presentaciones en centros culturales como Florencia, Londres y París.

Nacido en Kiev, Ucrania, Vadym Kholodenko tomó sus primeras lecciones de piano a los seis años y comenzó a realizar giras internacionales a los trece. Se formó en el Liceo Estatal de Música Lysenko de Kiev y en el Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú, bajo la tutela de los reconocidos pedagogos Natalia Gridneva, Borys Fedorov y Vera Gornostaeva. Ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano de Sendai (2010) y en el Concurso Internacional de Piano Schubert (2011), antes de obtener la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn (2013).

PROGRAMA

I
Trois Études de concert, S. 144
Il lamento
La leggierezza
Un sospiro

Valses oubliées, S. 215
Nº 1
Nº 2
Nº 3
Nº 4

II
Symphonie fantastique
(Transcription for solo piano by Liszt after Berlioz’s original symphony)
Rêveries – Passions
Un bal
Scène aux champs
Marche au supplice
Songe d’une nuit du sabbat

Uno de los mayores clásicos de la historia del teatro universal. La versión de ESCENA TRECE respeta el texto original de José Zorrilla, aunque acortando su duración. Ambientada en el reinado de Fernando VII, durante la década ominosa, tras la Guerra de la Independencia. Es un periodo de incertidumbre y caos político, con el regreso al absolutismo de un país anclado en las glorias pasadas y las supersticiones. Es la España de Goya y sus pinturas negras. Esta  propuesta fusiona el teatro con música a capella, luchas de espadas y un lujoso vestuario. La tradición ha llevado a representar esta pieza en torno a la festividad de todos los Santos. Una apuesta segura por nuestras tradiciones llena de simbolismo y magia escénica.

FICHA ARTÍSTICA:
Manuel Porras
Alejandra Hinojosa
Andrés Santiago
Sabina Vicente
Rafael López
Ivan Herrera

EQUIPO TÉCNICO
Escenografía: Escena Trece
Iluminación y Sonido: Dani Malia
Vestuario: Sergio Venteo
Producción: Escena Trece
Dirección y Dramaturgia. Juan Castilla

Conmemoración aniversario de la declaración del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

Manuel y Concha recorren, día tras día, las últimas hojas del calendario que les tocó vivir. Han pasado la vida sobre los escenarios que vistieron de flamenco, entre el aplauso y el olvido, entre la luz y la sombra. A veces llegó el reconocimiento; a veces solo lo soñaron. Hoy, desdibujados por los años y empujados a los márgenes, se levantan cada mañana con el alma intacta del artista: esa que reclama, contra todo pronóstico, su dignidad.

«Dale a un hombre una máscara y te dirá la verdad», escribió Oscar Wilde. De esa idea parte fetén, un espectáculo tragicómico con música en directo, fruto de meses de investigación en busca de un terreno común donde el trabajo de máscara y el flamenco pudieran darse la mano. Con cariño y mucho respeto, los intérpretes han buceado en vivencias familiares, del barrio y de la ciudad donde crecieron para dar vida a unos personajes que nacen de ese flamenco del pueblo, del que suena en la calle.

La vejez y el final del camino se narran desde el baile y el cante, que Manuel y Concha defienden con toda su dignidad al son de una guitarra. Máscara y flamenco de raíz para hablar, sin adornos, de lo que queda cuando se apagan los focos.

Idea original: Juan Luis Corrientes
Interpretación: Beatriz Prior y Juan Luis Corrientes
Guitarra flamenca: Julio Castellana

Dirección: Juan Dolores Caballero

El 25 de marzo de 2006 nos dejaba una artista enorme, Rocío Dúrcal. Ella se fue, pero su legado —sus películas, sus canciones— continúa acompañándonos veinte años después. Décadas de éxitos y fracasos, de lucha, compromiso, nuevos retos y sacrificios personales. Décadas, también, en las que España cambió radicalmente, dejando atrás el franquismo para consolidarse, cada vez más, como un país libre y democrático.

Ahora su hija está aquí, junto al gran actor y cantante Alejandro Vera, y con las maravillosas versiones que Julio Awad ha hecho de los éxitos de su madre, para contarnos —y cantarnos—, con humor y ternura, todo eso que siempre quisimos saber.

FICHA ARTÍSTICA:
Intérpretes. Carmen Morales, Alejandro Vera
Texto y dirección. Juan Carlos Rubio
Dirección musical. Julio Awad
Diseño de luces. José Manuel Guerra
Diseño de vestuario. La Moral Alegre
Música. Varios Autores
Diseño de cartel y fotografía. Javier Naval
Ayudante de fotografía. Antonio Moreno
Diseño de dosier y programa de mano. La Alegria Producciones
Prensa y comunicación. Óscar Pertusa
Producción ejecutiva. La Alegría Producciones, Txalo Producciones

UNA PRODUCCION DE TXALO PRODUCCIONES, OLYMPIA METROPOLITANA, CARMEN MORALES PRODUCCIONES y LA ALEGRÍA PRODUCCIONES.

Una obra de Bertolt Brecht (texto) y Kurt Weill (música) en colaboración de Elisabeth Hauptmann.

Con Coque Malla en el papel de Macheath.

En “La ópera de los tres centavos” Bertolt Brecht pretende denunciar la prostitución, la miseria y el abuso de poder en plena crisis económica (la obra se estrenó en Berlín en 1928). El texto de Brecht es una crítica feroz contra el capitalismo. Para ello, el autor lleva a escena una revisión actualizada de la parodia musical “La ópera de los mendigos”, del inglés John Gay, y enseña al mundo la versión más cruda de este sistema económico, que Brecht considera que funciona como una gran maquinaria de delito organizado.

“La ópera de los tres centavos” es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht. Barco Pirata, Unahoramenos Produccciones y el Teatro Pérez Galdós traen a la actualidad esta obra, bajo la dirección de Mario Vega (Unahoramenos Producciones) y con Coque Malla en el papel protagonista.

FICHA ARTÍSTICA:
Tenor: Macheath – Coque Malla
Barítono: Sr. Peachum – Omar Calicchio
Bajo-barítono: Tiger Brown – Miguel Mars
Soprano: Polly Peachum – Carmen Barrantes
Soprano: Lucy Brown – Andrea Guash
Mezzo-soprano: Mrs. Peachum – Esther Izquierdo
Mezzo-soprano: Jenny – Paula Iwasaki
Filch – Ruth Sánchez

Clarinete, saxo tenor, saxo barítono, clarinete
Bajo: Miguel Malla
Saxo alto, saxo soprano, flauta: Daniel Rouleau
Trompeta 1º: Evgeni Riechkalov
Trombón y contrabajo: Roberto Bazán
Guitarra y Banjo: Coque Malla
Guitarra: Andrea Guash
Violoncello: Carmen Barrantes
Percusión y trompeta 2ª: Gabriel Marijuan
Harmonium, Piano, Celesta: Ruth Sánchez

Dirección: Mario Vega
Dirección musical: Miguel Malla
Traducción: Sánchez y Vega
Una producción de Barco Pirata, Unahoramenos
Producciones y Teatro Pérez Galdós

Simon Trpčeski ha sido elogiado por su poderoso virtuosismo, su enfoque expresivo y su carismática presencia escénica. Desde que fue impulsado a la escena internacional como New Generation Artist de la BBC, ha colaborado con más de cien orquestas en cuatro continentes y con directores de gran prestigio.

Su fructífera relación con Vasily Petrenko dio lugar a grabaciones de referencia: todos los conciertos de Rachmaninoff con la Royal Liverpool Philharmonic para Avie, así como los de Chaikovski y Prokófiev para Onyx Classics. Para Linn Records, junto a Cristian Măcelaru, grabó los dos conciertos de Shostakóvich; y en 2023 presentó, con gran éxito de crítica, los conciertos de Brahms con la WDR Sinfonieorchester. En 2023-24 fue artista residente de la Royal Scottish National Orchestra, con la que grabó los Conciertos nº 2 y 5 de Saint-Saëns bajo la dirección de Thomas Søndergård, álbum que ha salido a la luz en 2026.

Reconocido recitalista, ha actuado en las principales salas de Nueva York, San Francisco, Washington, D.C., Londres, París, Ámsterdam, Milán, Múnich, Praga, Hamburgo, Bilbao, Estambul, Dublín y Tokio. Desde su debut en Wigmore Hall en 2001, se ha mantenido como invitado habitual de esta sala emblemática, con una residencia en 2018, y dos recitales lanzados en el sello Wigmore Live. Su afinidad con los compositores rusos se refleja en siete álbumes que incluyen obras de Rachmaninoff, Prokófiev, Stravinski, Chaikovski, Scriabin, Mussorgski y Rimski-Kórsakov. También ha grabado obras de Chopin, Brahms, Poulenc, Bach, Liszt y Debussy.

Comprometido con la difusión de la cultura de su Macedonia natal, creó el proyecto de música de cámara Makedonissimo, de raíces folclóricas tradicionales. Desde su estreno en 2018, se ha presentado en Europa, Estados Unidos, Canadá y Corea del Sur. En 2023 inauguró una nueva etapa con Concerto Makedonissimo, estrenado junto a la Orquesta Tonkünstler y Yutaka Sado en el Musikverein de Viena.

Nacido en Macedonia en 1979, estudió con Boris Romanov en la Escuela de Música de la Universidad de Santos Cirilo y Metodio de Skopie. Fue BBC New Generation Artist entre 2001 y 2003 y en 2003 recibió el Premio al Artista Joven de la Royal Philharmonic Society.

PROGRAMA
I
P. I. TCHAIKOVSKY – Dumka
P. I. TCHAIKOVSKY (TRANSCRIPCIÓN M. PLETNEV) – Suite de “El cascanueces”
Marcha
Danza del Hada de Azúcar
Tarantela
Intermezzo
Danza rusa
Danza china
Andante maestoso

II
M. RAVEL – Valses nobles y sentimentales
Modéré
Assez lent
Modéré
Assez animé
Presque lent
Vif
Moins vif
Épilogue

S. PROKÓFIEV – Sonata nº 7 en si bemol mayor, op. 83
Allegro inquieto
Andante caloroso
Precipitato

Conmemoración aniversario de la declaración del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO

Por Truca Circus. Compañía Chicharrón Circo Flamenco

• ¡ESTO ES UN ALBOROTO!

¡Pero qué alboroto! ¡Pero qué jaleo! ¡Esto es un circo! Jaleo es Flamenco; mucho jaleo es un circo. En una palabra se cruzan nuestros mundos. Porque está en el punto equidistante entre el circo y el flamenco. Alboroto: palabra sonora, bonita. Alboroto es una herencia árabe. El circo y el flamenco saben mucho de herencias. Los significados de alboroto tienen una conexión poco visible con el circo y con el flamenco. Precisamente queremos hablar de esas conexiones no tan visibles entre el circo y el flamenco.

“Alboroto”, un espectáculo alegre y disparatado.

FICHA ARTÍSTICA:
Germán López, Rebeca Pérez, Clara Reina, Asunción Pérez “Choni”, Javier Prieto.
Autoría: Gonzalo Andino y Germán López
Dirección: Greta García
Mirada Externa: Acompañamiento proceso creativo: Morgan Cosquer Asesoramiento puesta en
escena: Anna Jonsson

Conmemoración aniversario de la declaración del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO

En la selva de los sonidos indomables, hay Tribusssh! que no se saludan con palabras, sino con miradas encendidas y al golpe. Pastora y los bateristas no necesitan traducción; ambos han visto la noche de frente y de largo.

Son Tribusssh! del mismo bosque quemado. Caminan por veredas distintas, pero el polvo de los caminos les cubre por igual. No son hermanos de sangre, pero sí de heridas. Flamenco y Rock brotan del mismo barro: el del grito, el del margen, el del que no tiene más sitio físico que su cuerpo. El uno viene de patios con luna de cal y duquelas clandestinas. El otro de garajes, fábricas cerradas, antros grises donde la rabia aprende a hablar con distorsión. Y, … se entienden.

Cuando Pastora se quiebra por seguiriyas y los bateristas golpean las tripas, no hay traducción porque todos hablan el idioma que tiene por sintaxis la rabia y por semántica el deseo. Sssh!

Es la historia del fuego que estalla cuando el compás callado se encuentra con la distorsión muda. Sssh! Del abrazo, a veces torpe, otras perfecto entre soledades que no sabían que podían salvarse juntas, sssh! Al flamenco y al rock les dijeron que podían seguir existiendo, sí,.. pero sin hacer ruido… sssh! Los del rock sacan baquetas de fundas acolchadas. Pastora reza contando compases mutilados… sssh! Prohibido bailar, prohibido gritar, prohibido tocar, prohibido hablar, prohibido lo prohibido… sssh!

El flamenco y el rock intentaron ser mudos. Domar el rugido desesperado. Pero comenzaron a enfermar. Los bateristas sin ruido son cueros sufrientes y el baile sin golpe menos que una sombra inacabada.

Entonces… Pastora, gritó como solo se rompe el silencio en un parto. Las baterías retumban. El taconeo se fuga y el compás vuelve a latir, porque hay bailes y músicas que existen, solo, para romper el mundo donde está prohibido sentir.

El silencio es música si no se fuerza; pero impuesto, sacará las emociones a borbotones y, el ruido mutará de desacato a desafío… Ruido sagrado. Ruido de los resilientes.

Prohibido prohibir! Sssh!

FICHA ARTÍSTICA:
Solistas:  Pastora Galván
Bateristas: Marcos Gamero y Rafael Rabal

Conmemoración aniversario de la declaración del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

El Ballet Flamenco de Andalucía ofrece su montaje “Flamenco Patrimonio”, creado para conmemorar el 15º aniversario de la declaración del flamenco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, una producción que pone en diálogo la tradición y la creación contemporánea. Bajo la dirección artística y coreográfica de Patricia Guerrero, el espectáculo refleja el relevo generacional que vive la compañía y su papel como institución de referencia en la preservación, investigación y difusión del flamenco.

La propuesta se estructura en dos grandes movimientos. El primero recorre distintos paisajes sonoros del flamenco, desde la elegancia de Arturo Pavón hasta las peteneras, romances y verdiales. El segundo constituye un homenaje a Granada, evocando el Albaicín y el Sacromonte, para concluir con una reinterpretación del legado artístico de Enrique Morente.

Además de celebrar un hito internacional para el flamenco, Flamenco Patrimonio recuerda los treinta años de trayectoria de la compañía desde su creación por Mario Maya. El espectáculo evidencia cómo una institución pública puede contribuir a la conservación del patrimonio inmaterial al tiempo que impulsa nuevos lenguajes escénicos y favorece la proyección de nuevas generaciones de artistas.
Programa: «Noche de Triana», «Polo», «Fe, te habito», «Caminos Malagueños», «Corridos y Romances», «Aljibe», «Sacromonte», «Maestro» y «Eterno»

Ficha artística:
Ballet Flamenco de Andalucía
Dirección artística: Patricia Guerrero
Maestro Repetidor: Eduardo Leal
Artista invitado: Sergio «El Colorao»
Bailaoras/es: Adriana Gómez, Alberto López, Alejandro Fernández, Alicia Gavilán, Álvaro Aguilera, Ángel Fariña, Araceli Muñoz, Arturo Fajardo, Claudia «La Debla», Hugo Aguilar, María Carrasco, Natalia Alcalá, Sofía Suárez
Cante: Amparo Lagares y Manuel de Gines
Guitarras: Jesús Rodríguez y José Luis Medina
Percusión: David Chupete
Revisión externa: Juan Dolores Caballero
Diseño de iluminación: Olga García AAIV.

“Panorama desde el puente”, de Arthur Miller, es una tragedia que explora las tensiones emocionales y sociales en una comunidad ítaloamericana en Brooklyn (Nueva York) durante los años 50. La obra se centra en Eddie Carbone, un estibador que vive con su esposa Beatrice y la sobrina de su mujer, Catherine. La llegada de dos inmigrantes ilegales, Marco y Rodolfo, desata una serie de conflictos que revelan las pasiones ocultas y las contradicciones de Eddie.

Eddie, inicialmente protector con Catherine, desarrolla una obsesión por ella que lo lleva a cuestionar las intenciones de Rodolfo, quien inicia un romance con la joven. A medida que los celos y la desconfianza crecen, Eddie toma decisiones que lo enfrentan con su comunidad y con su propia moralidad. La obra culmina en una tragedia que pone de manifiesto las complejidades del deseo, la lealtad y la justicia.

La obra aborda temas como las consecuencias trágicas del deseo prohibido, la inmigración ilegal, el sueño americano y las dinámicas familiares, mientras reflexiona sobre los límites entre el deber y el deseo. Con una narrativa dramática intensa y personajes profundamente humanos, Panorama desde el puente sigue siendo una pieza emblemática del teatro contemporáneo. Con diálogos rápidos y duros, con fuerza dramática, con profunda humanidad.

FICHA ARTÍSTICA:
Eddie: José Luis García – Pérez
Beatrice: María Adánez
Katherine: Ana Garcés
Rodolfo: Pablo Béjar
Marco: Rodrigo Poisón
Alfieri Y Vecino: Francesc Galcerán
Agente De Inmigración: Manuel De Andrés
Vecina: Inma Almagro

Autor: Arthur Miller
Versión: Eduardo Galán
Dirección: Javier Molina
Escenografía: Elisa Sanz
Iluminación: Nicolás Fischtel
Vestuario. Emilio Sosa
Diseño De Vestuario: Adjunto Navascués
Ayudante De Dirección: Alejandro Arestegui
Música Y Sonido: Manu Solís
Diseño Gráfico: Hawork Studio
Producción Ejecutiva: Secuencia 3

Una Producción De Secuencia 3 Con Teatro Calderón De Valladolid, Tal Y Cual Producciones , El Terrat – The Mediapro Studio, Carlos Arana (BROADWAY), Esarte, Grupo Luchana, García – Pérez Producciones, Hawork Studio Y Magasaz.

Berenguer sigue dando órdenes a todo su mundo, mientras todo a su alrededor se desmorona, ya nadie obedece, ni los seres humanos ni las cosas. Un rey autoritario y egocéntrico que no quiere aceptar el destino. No quiere admitir que el destino es el verdadero gobernante del universo y mucho más poderoso que él. O bien, que todo muere con él, porque se le anuncia que morirá al final del espectáculo, sólo tiene hora y media de vida. Berenguer representa a toda la Humanidad en una situación crepuscular apocalíptica, donde el tiempo en que el hombre se hizo rey de la Tierra ha pasado porque él mismo la ha llevado a la destrucción. Es el drama del hombre entendido como sujeto, entendido como humanidad pero también como sociedad. Una sociedad en progresiva decadencia, en presencia de señales de la naturaleza cada vez más frecuentes e intensas, y de la voluntad de no escucharlas, de no verlas y de no actuar a tiempo.

Ionesco fue uno de los principales representantes del teatro del absurdo, y en esta obra reflexiona sobre la muerte, el paso del tiempo y la condición humana a través de la historia de un rey que debe enfrentarse a su final inevitable

FICHA ARTÍSTICA:
Rey Berenguer: Carmen Gallardo
Reina Margarita: Marga Reyes
Reina María: Silvia Garzón
Julieta (enfermera): Aurora Bas
Médico, astrólogo: Jerónimo Arenal
Alguacil: Manuel Asensio
Dirección: Ricardo Iniesta y Sario Téllez
Adaptación: Ricardo Iniesta.
Espacio Escénico: Ricardo Iniesta y Ana Arteaga
Composición y dirección Musical: Luis Navarro
Vestuario: Carmen de Giles y Flores de Giles
Maquillaje, peluquería y estilismo: Manolo Cortés
Realización escenografía: Ana Arteaga
Coreografía y colaboración escénica: Juana Casado
Diseño de Luces: Alejandro Conesa
Espacio Sonoro: Emilio Morales.
Ayudante de dirección: Joaquín Galán
Coros y Voz: Lidia Mauduit

“La Gran Vía” es una zarzuela cómica y satírica del llamado «género chico», compuesta por Federico Chueca y Joaquín Valverde. La acción transcurre en Madrid y gira en torno a los personajes que representan calles y barrios de la ciudad, reflejando los cambios urbanos provocados por la apertura de la famosa avenida. A través de cuadros musicales y escenas breves, se critican con humor temas sociales, políticos y económicos de la época. Es una obra dinámica, con gran variedad de personajes populares y un tono festivo y desenfadado.

Con motivo del 175 aniversario del nacimiento del Maestro Chueca, la Compañía Sevillana de Zarzuela reestrenó La Gran Vía, una de las obras más emblemáticas del “Género Chico”. Para ello, adquirieron el vestuario de la antigua Compañía de Nieves Fernández y restauraron la escenografía existente. El estreno tuvo lugar en junio de 2023 con gran éxito de crítica y público. Posteriormente, la obra estuvo de gira por Andalucía en otoño de 2024, visitando municipios de Huelva, Sevilla y Cádiz. A pesar de pertenecer al género chico, la obra presenta múltiples cambios escenográficos. El elenco incluye reconocidos intérpretes lírico-teatrales a nivel nacional. La dirección musical y escénica, a cargo de Elena Martínez Delgado y Marta García Morales, respeta la tradición interpretativa con un enfoque historicista.

FICHA ARTÍSTICA:
Doña Municipalidad- José María Galavís
El Paseante en corte – Javier Sánchez-Rivas
El caballero de gracia – Andrés Merino
Calle de Sevilla – Marta García-Morales
Comadrón – Amando Martín
Eliseo – Alicia Naranjo
Menegilda – Marta García-Morales
Doña Virtudes -Alicia Naranjo
Salvaguardia -Julio Nomdedeu
Fuente – Paula Ramírez
Paleto – Juan Antonio Ortiz
Barrio de las Injurias – Paloma Bustos
Barrio de la Prosperidad – Amando Martín
Barrio del Pacífico – Jerónimo Vázquez
Los Ratas – Juan Antonio Ortiz, Amando Martín, Julio Ramírez
Guardias – Lorenzo Fernández y Jerónimo Vázquez
Calle de Toledo – Paula Ramírez
Calle de Ancha – Luz Gutiérrez
Calle de la Libertad – Paloma Pérez
Calle de la Cebada – Paula Ramírez
Calle Candil – Julia Rey
Calle del Ave María – Jerónimo Vázquez
Calle de Vágame Dios – Lorenzo Fernández

Orquesta Sinfónica y Coro titular de la Compañía Sevillana de Zarzuela
Elena Martínez Delgado, Dirección Musical
Marta García Morales, Dirección de escena
Alejandro Rull de las Heras, Asistencia técnica de dirección
Lucía Torrero, Maquillaje
Vestuario y Escenografía Históricas de la Compañía
Javier Sánchez-Rivas, Producción ejecutiva

La comedia trata sobre qué tipo de educación es mejor, una severa y rígida, u otra más liberal y abierta. Ambos modelos de educación están encarnados por los personajes de Démesa y Miccióna, dos viejas hermanas de temperamento muy diferente: mientras que la primera es una madre muy estricta y preocupada por sus dos hijos, Esquino y Ctesifonte, la segunda es una solterona jovial y permisiva, que ha adoptado a uno de sus dos sobrinos, concretamente a Esquino.

Esquino el joven educado de manera liberal, se apodera de la cortesana Báquide, pero no lo hace para satisfacer sus propios instintos, como todos creen, sino para entregársela a su tímido hermano Ctesifonte, que no se atreve a obrar por miedo a su madre. En realidad, Esquino estaba enamorado de Pánfila, prototipo de muchacha pobre, pero virtuosa.
Al final, todo se descubre, y los dos jóvenes logran casarse con la muchacha a la que amaban: Ctesifonte con la cortesana Báquide; Esquino con la virtuosa Pánfila. Por su parte la vieja Démesa renuncia a los viejos principios que habían guiado la educación de su hijo.

FICHA ARTÍSTICA:
Cristina Medina
Santiago Molero
Sonia Astacio
Rocío Galán
Josu Eguskiza
Falín Galán
Jasio Velasco
Dirección: Chiqui Carabante

INDÓMITA es un proyecto artístico y escénico que celebra los 30 años de trayectoria de Trinidad Montero, La Trini, desde una mirada femenina, contemporánea y libre, tomando como punto de partida la música tradicional andaluza —copla, saeta y folklore profundo— para proyectarla hacia el presente y el mundo.
No es un espectáculo conmemorativo al uso, sino un acto de creación viva, donde la tradición no se reproduce: se interroga y se transforma.
La voz de una mujer madura, consciente y dueña de su lenguaje se convierte aquí en territorio, memoria y futuro.

FICHA ARTÍSTICA
Director Musical: Juan Antonio Sánchez
Voz/Dirección: Trinidad Montero “La trini”

Juan Antonio Sánchez: Piano/arreglos
Luis Dorado: Percusiones
Sergio Di Finizio: Bajo

Músicos y Colaboradores Adicionales
Juanma Ruiz (contrabajista/bajista)
Ingeniero de Sonido: Lauren Serrano/Vicente Castro
Diseño de Escenario: Trinidad Montero, Ernesto Hita
Dirección de Escena: Trinidad Montero
Coordinador de Producción: Ernesto Hita

Directamente desde el West End de Londres. Ganadora de 3 premios Olivier 2025, incluido el de Mejor Espectáculo.
La obra teatral que está generando más debate en todas partes.

Sinopsis
Verano de 1983. El famoso escritor inglés Roald Dahl revisa las pruebas de su último libro, que está a punto de ir a la imprenta, pero el escándalo provocado por un artículo antisemita que ha publicado recientemente no parece apaciguarse. A lo largo de una sola tarde en su casa, enfrentado a una interlocutora inesperadamente beligerante, Dahl se ve obligado a elegir entre disculparse públicamente o poner en riesgo la fama y la reputación.

José María Pou encarna a Roald Dahl, el excéntrico escritor de fama internacional, autor de éxitos como Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate y Las Brujas, que vio cómo unas polémicas declaraciones suyas inflamaron a la prensa, repercutiendo en su reputación, con consecuencias imprevisibles.

Dirigida por Josep Maria Mestres e inspirada en hechos reales, la obra de Mark Rosenblatt ofrece un retrato poliédrico de un literato terriblemente carismático y explora, con una agudeza no exenta de humor, la diferencia entre la opinión razonada y los peligros de una retórica dictada por los prejuicios.

Reparto
José María Pou: Roald Dahl
Victòria Pagès: Felicity «Liccy» Crosland
Pep Planas: Tom Maschler
Clàudia Benito: Jessie Stone
Aida Llop: Hallie
Jep Barceló: Wally Saunders

Ficha artística
Autoría: Mark Rosenblatt
Traducción: José María Pou
Dirección: Josep Maria Mestres
Escenografía: Sebastià Brosa
Vestuario: Nidia Tusal
Iluminación: Ignasi Camprodon
Espacio sonoro: Jordi Bonet
Caracterización: Toni Santos
Dirección de producción: Maite Pijuan
Producción ejecutiva: Àlvar Rovira
Dirección de oficina técnica: Moi Cuenca
Oficina técnica: Jordi Farràs
Ayudantía de dirección: Tilda Espluga
Ayudantía de escenografía: Carolina Sánchez Sanchis
Ayudantía de producción: Sira Castells y Sara López
Técnicos: Focus
Regiduría: Paco Montes
Construcción de la escenografía: Jorba-Miró Estudi-taller d’escenografia
Confección de vestuario: Sastreria Baseiria y Consol Díaz
Márquetin y comunicación: Teatre Romea
Reportaje fotográfico: David Ruano
Distribución: Carme Tierz
Colaboradores: Montibello
Agradecimientos: Anabel Moreno y Edith Romero

Con el apoyo de: Generalitat de Catalunya – ICEC Institut Català de les Empreses Culturals i Unió Europea (Fons Europeu Next Generation; Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia), Next Generation Catalunya

Una coproducción del Teatre Romea y Grec 2025 Festival de Barcelona