Por la compañía Alas Circo Teatro.

Cateura invita a la reflexión sobre nuestro impacto en el planeta y a la lucha por construir un mundo más sostenible y más amable.

Una obra para todos los públicos, en la que a través del circo, la música, la manipulación de objetos y el movimiento acrobático, se pone de manifiesto la travesía de los desechos, desde su origen en los hogares y las calles hasta su destino en los vertederos y los océanos.

La basura viaja por nuestro mundo. Viaja en bolsas de plástico hasta los centros de tratamiento de residuos. Viaja por el agua cuando llega al mar, pero también viaja en barco cuando los países ricos envían sus desechos a los países pobres y se acumulan en enormes vertederos descontrolados. Uno de estos vertederos se llama Cateura.

Cateura es uno de los miles de vertederos que existen en el mundo, en el que a diario llegan toneladas de desechos que el resto del mundo no quiere, y donde sus habitantes malviven reciclando y clasificando basura.

FICHA ARTÍSTICA:
Juan Manuel Sánchez Villegas, María Jesús Buffa
Autoría: Alas Circo Teatro y Lapso Producciones
Dirección: Lapso Producciones
Adaptación: Alas Circo Teatro
Escenografía: Juan Manuel Sánchez, Anselmo Paulino, Nuevo Fielato y Utopía Colors
Vestuario: Volares de Txus

Niveles recomendados: Educación Primaria

Presenta Intimate

La trompetista y cantante Andrea Motis toca con el guitarrista Josep Traver desde los inicios de su carrera. «La magia que existe entre ambos es muy difícil de reproducir con otras personas, porque él es el guitarrista con el que más he tocado y durante años nos hemos escuchado casi todos los días», explica la artista barcelonesa. Motis destaca que lo que más le gusta de Traver es su sutileza y su bagaje ecléctico después de muchos años de experiencia como profesional.

Cuando a ellos se les une el siciliano Giuseppe Campisi –«un contrabajista de una flexibilidad alucinante», afirma Motis–, el repertorio se expande: el epicentro es claramente jazzístico, pero a los tres les atraen sobre todo las canciones, por lo que les encanta moverse entre géneros, desde el country y el blues hasta la música de cantautores y el legado brasileño.

FICHA ARTÍSTICA:
Trompetista y cantante: Andrea Motis
Guitarrista: Josep Traver
Guitarrista: Jurandir Da Silva

Andrea Motis
Andrea Motis (Barcelona, 1995) es cantante, trompetista y saxofonista. En 2011, con 16 años y habiéndose dado a conocer en la escena gracias a su trabajo con la Sant Andreu Jazz Band y como solista en el quinteto que compartió con Joan Chamorro, tuvo la oportunidad de trabajar con Quincy Jones, quien dijo de ella que tocaba la trompeta como Harry Sweets Edison y el saxo alto como Johnny Hodges, y que además cantaba como Billie Holiday. Jones no lo decía solo como un aficionado, sino como músico que había compartido amistad con todos ellos, referencias absolutas para la entonces joven artista.

Motis ha publicado 11 discos a su nombre que recorren todo el espectro de sus intereses, desde el jazz clásico hasta el funk pasando por la música brasileña. Además de la citada colaboración con Jones, ha compartido escenario con otras leyendas como Milton Nascimento, Omara Portuondo y Buena Vista Social Club, esperanza spalding y Yo-Yo Ma, quien también la invitó a participar en su disco de dúos Notes for the future versionando la canción popular catalana El cant dels ocells.

Sus próximos proyectos para el 2026, que se estrenarán en el Festival de Jazz de Barcelona, son To Amy, un homenaje a una de sus artistas fetiche –Amy Winehouse– junto con una gran formación, los Barcelona Gospel Messengers, y el Andrea Motis Guitar Trio, con los guitarristas Jurandir dã Silva y Josep Traver, un proyecto intimista y sutil que va a tener traducción discográfica en febrero del 2026.

Combinando un pianismo de gran intensidad, una amplitud de repertorio sin igual y un nivel de refinamiento interpretativo que asciende a los reinos de la poesía, Vadym Kholodenko se erige como un artista como pocos se han visto en el mundo desde los grandes pianistas de la Edad de Oro. Medalla de Oro del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn, el distinguido pianismo de Kholodenko y su profunda sensibilidad artística le han valido invitaciones de muchas de las mejores orquestas y salas de concierto del mundo.

Entre sus recientes y próximos conciertos destacan colaboraciones con importantes orquestas de Norteamérica (Orquesta Sinfónica de Atlanta, Orquesta Sinfónica de Cincinnati, Orquesta Sinfónica de Indianápolis y Orquesta de Filadelfia); Europa (Orquesta del Festival de Budapest, Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, Filarmónica della Scala, Orquesta Filarmónica de Londres y Orquesta Sinfónica de Viena); y Asia y Extremo Oriente (Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwán, Orquesta Sinfónica de Sídney y Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio).

En temporadas recientes ha ocupado el puesto de Artista en Residencia con la Orquesta Sinfónica de Fort Worth (Texas, EE. UU.) y la SWR Symphonieorchester (Stuttgart, Alemania), y en 2025 debutó en los Proms de la BBC en Londres. Kholodenko ha forjado sólidas colaboraciones musicales con muchos de los principales directores del mundo, entre ellos Karina Canellakis, Myung-Whun Chung, Christoph Eschenbach, Iván Fischer, Marie Jacquot, Cristian Măcelaru, Susanna Mälkki, Gemma New, Sir Antonio Pappano, Dima Slobodeniouk, Thomas Søndergård, Krzysztof Urbański y Kazuki Yamada, entre otros.

En recital, Kholodenko actúa en los escenarios más importantes del mundo —de Londres, París y Viena a Boston, Chicago y Nueva York— donde es elogiado por su “técnica de hierro, capaz de momentos de delicadeza cristalina” (The Guardian). También es un músico de cámara reflexivo y comprometido, disfrutando de colaboraciones fructíferas con artistas como Clara Jumi-Kang, Anastasia Kobekina, Vadim Repin y los cuartetos de cuerda Belcea y Jerusalem. Ha realizado numerosas grabaciones con la violinista Alena Baeva, con quien ha actuado recientemente y tiene próximas presentaciones en centros culturales como Florencia, Londres y París.

Nacido en Kiev, Ucrania, Vadym Kholodenko tomó sus primeras lecciones de piano a los seis años y comenzó a realizar giras internacionales a los trece. Se formó en el Liceo Estatal de Música Lysenko de Kiev y en el Conservatorio Estatal Tchaikovsky de Moscú, bajo la tutela de los reconocidos pedagogos Natalia Gridneva, Borys Fedorov y Vera Gornostaeva. Ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano de Sendai (2010) y en el Concurso Internacional de Piano Schubert (2011), antes de obtener la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn (2013).

PROGRAMA

I
Trois Études de concert, S. 144
Il lamento
La leggierezza
Un sospiro

Valses oubliées, S. 215
Nº 1
Nº 2
Nº 3
Nº 4

II
Symphonie fantastique
(Transcription for solo piano by Liszt after Berlioz’s original symphony)
Rêveries – Passions
Un bal
Scène aux champs
Marche au supplice
Songe d’une nuit du sabbat

Uno de los mayores clásicos de la historia del teatro universal. La versión de ESCENA TRECE respeta el texto original de José Zorrilla, aunque acortando su duración. Ambientada en el reinado de Fernando VII, durante la década ominosa, tras la Guerra de la Independencia. Es un periodo de incertidumbre y caos político, con el regreso al absolutismo de un país anclado en las glorias pasadas y las supersticiones. Es la España de Goya y sus pinturas negras. Esta  propuesta fusiona el teatro con música a capella, luchas de espadas y un lujoso vestuario. La tradición ha llevado a representar esta pieza en torno a la festividad de todos los Santos. Una apuesta segura por nuestras tradiciones llena de simbolismo y magia escénica.

FICHA ARTÍSTICA:
Manuel Porras
Alejandra Hinojosa
Andrés Santiago
Sabina Vicente
Rafael López
Ivan Herrera

EQUIPO TÉCNICO
Escenografía: Escena Trece
Iluminación y Sonido: Dani Malia
Vestuario: Sergio Venteo
Producción: Escena Trece
Dirección y Dramaturgia. Juan Castilla

El 25 de marzo de 2006 nos dejaba una artista enorme, Rocío Dúrcal. Ella se fue, pero su legado —sus películas, sus canciones— continúa acompañándonos veinte años después. Décadas de éxitos y fracasos, de lucha, compromiso, nuevos retos y sacrificios personales. Décadas, también, en las que España cambió radicalmente, dejando atrás el franquismo para consolidarse, cada vez más, como un país libre y democrático.

Ahora su hija está aquí, junto al gran actor y cantante Alejandro Vera, y con las maravillosas versiones que Julio Awad ha hecho de los éxitos de su madre, para contarnos —y cantarnos—, con humor y ternura, todo eso que siempre quisimos saber.

FICHA ARTÍSTICA:
Intérpretes. Carmen Morales, Alejandro Vera
Texto y dirección. Juan Carlos Rubio
Dirección musical. Julio Awad
Diseño de luces. José Manuel Guerra
Diseño de vestuario. La Moral Alegre
Música. Varios Autores
Diseño de cartel y fotografía. Javier Naval
Ayudante de fotografía. Antonio Moreno
Diseño de dosier y programa de mano. La Alegria Producciones
Prensa y comunicación. Óscar Pertusa
Producción ejecutiva. La Alegría Producciones, Txalo Producciones

UNA PRODUCCION DE TXALO PRODUCCIONES, OLYMPIA METROPOLITANA, CARMEN MORALES PRODUCCIONES y LA ALEGRÍA PRODUCCIONES.

Flamenco… ¡sinfónico?

IM-PO-SI-BLE

¿Seguro?

DEL TABLAO… ¡A LA SINFONÍA! lleva el universo del flamenco (martinetes, soleares, farrucas, bulerías…) al mundo sinfónico y resuelve lo imposible: hacer flamenco con orquesta.
La Orquesta Sinfónica Flamenca (OSFE)

El próximo noviembre se cumplen cinco años desde que Lucía Moreno creó una orquesta diferente, la Orquesta Sinfónica Flamenca (OSFE). Su objetivo al fundarla era hacer flamenco por derecho; es decir, tener una orquesta que no se limitase a estar detrás de un cuadro flamenco y se callase cuando los flamencos entrasen en acción. ¿Resultado?: la OSFE es la única orquesta de España –lo que equivale a decir del mundo– nacida desde su origen para crear repertorio orquestal flamenco e interpretarlo. En la OSFE, los músicos del cuadro flamenco no son ajenos a la orquesta, están integrados dentro de la plantilla como una sección musical más.

La OSFE: una orquesta diferente que funciona como un todo para hacer flamenco.
Concierto conmemorativo del Día Internacional del Flamenco
Para conmemorarlo, la OSFE interpretará obras de su propio repertorio (Riqueni, Paco de Lucía, Carlos Pacheco…) así como una serie de obras premiadas en el Concurso internacional Cajasol de composición para flamenco sinfónico. Entre ellas, por primera vez en Córdoba, Del dolor al duende, ganadora del concurso de 2025, y En nombre de mis padres, unos tangos extremeños a la manera de los gitanos, obra galardonada con Mención especial el año pasado. Junto a ellas, se realizará el estreno absoluto de parte de las galardonadas este año en el citado concurso internacional.

Un concierto distinto
¿Te gusta el flamenco? Ven, El Teatro Góngora te sorprenderá con algo nunca visto…
¿No te gusta el flamenco? Ven también, va a encantarte cuando lo veas envuelto en música orquestal. ¿No sientes curiosidad por escuchar algo único?…
¿Te gusta la música clásica? Ven, el flamenco sinfónico te va a atrapar y saldrás amando un género declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
¿No te gusta la música clásica? ¡¡Entonces no te queda más remedio que asistir para empezar a entenderla a través de algo tan nuestro como es el flamenco!!

DEL TABLAO… ¡A LA SINFONÍA!, el concierto que ningún amante de la música se puede perder. Por primera y única vez en Córdoba antes de que la OSFE marche de gira por Granada y Badajoz.

Lucía Moreno, directora de la Orquesta Sinfónica Flamenca (OSFE)
Pianista y compositora por el Conservatorio Superior de Música de Córdoba, así como directora de orquesta por el Conservatorio Superior de Música de Madrid, Lucía Moreno, se perfeccionó dos años en la Ópera de Oslo, donde preparó un extenso repertorio de óperas como maestra repetidora.
A su regreso a España tras decenas de conciertos como pianista acompañante por España, Francia y Noruega, dirigió y arreglo varios espectáculos lírico-flamencos en los que intervino en escena con artistas de ambos géneros (Ainhoa Arteta, Ismael Jordi, Estrella Morente, David Lagos, David de María, Manuel Lombo, Mercedes Ruiz, Santiago Lara, entre otros).
Fruto de esa experiencia jerezana con un pequeño ensamble de músicos, fue la creación de la Orquesta Sinfónica Flamenca, única en el mundo que interpreta exclusivamente flamenco sinfónico para dar soporte a espectáculos flamencos con la plantilla orquestal adecuada.
Con sede en Córdoba, Lucía y su orquesta extienden una visión nueva del flamenco, la sinfónica, por Andalucía, Extremadura y Castilla La Mancha.

Simon Trpčeski ha sido elogiado por su poderoso virtuosismo, su enfoque expresivo y su carismática presencia escénica. Desde que fue impulsado a la escena internacional como New Generation Artist de la BBC, ha colaborado con más de cien orquestas en cuatro continentes y con directores de gran prestigio.

Su fructífera relación con Vasily Petrenko dio lugar a grabaciones de referencia: todos los conciertos de Rachmaninoff con la Royal Liverpool Philharmonic para Avie, así como los de Chaikovski y Prokófiev para Onyx Classics. Para Linn Records, junto a Cristian Măcelaru, grabó los dos conciertos de Shostakóvich; y en 2023 presentó, con gran éxito de crítica, los conciertos de Brahms con la WDR Sinfonieorchester. En 2023-24 fue artista residente de la Royal Scottish National Orchestra, con la que grabó los Conciertos nº 2 y 5 de Saint-Saëns bajo la dirección de Thomas Søndergård, álbum que ha salido a la luz en 2026.

Reconocido recitalista, ha actuado en las principales salas de Nueva York, San Francisco, Washington, D.C., Londres, París, Ámsterdam, Milán, Múnich, Praga, Hamburgo, Bilbao, Estambul, Dublín y Tokio. Desde su debut en Wigmore Hall en 2001, se ha mantenido como invitado habitual de esta sala emblemática, con una residencia en 2018, y dos recitales lanzados en el sello Wigmore Live. Su afinidad con los compositores rusos se refleja en siete álbumes que incluyen obras de Rachmaninoff, Prokófiev, Stravinski, Chaikovski, Scriabin, Mussorgski y Rimski-Kórsakov. También ha grabado obras de Chopin, Brahms, Poulenc, Bach, Liszt y Debussy.

Comprometido con la difusión de la cultura de su Macedonia natal, creó el proyecto de música de cámara Makedonissimo, de raíces folclóricas tradicionales. Desde su estreno en 2018, se ha presentado en Europa, Estados Unidos, Canadá y Corea del Sur. En 2023 inauguró una nueva etapa con Concerto Makedonissimo, estrenado junto a la Orquesta Tonkünstler y Yutaka Sado en el Musikverein de Viena.

Nacido en Macedonia en 1979, estudió con Boris Romanov en la Escuela de Música de la Universidad de Santos Cirilo y Metodio de Skopie. Fue BBC New Generation Artist entre 2001 y 2003 y en 2003 recibió el Premio al Artista Joven de la Royal Philharmonic Society.

PROGRAMA
I
P. I. TCHAIKOVSKY – Dumka
P. I. TCHAIKOVSKY (TRANSCRIPCIÓN M. PLETNEV) – Suite de “El cascanueces”
Marcha
Danza del Hada de Azúcar
Tarantela
Intermezzo
Danza rusa
Danza china
Andante maestoso

II
M. RAVEL – Valses nobles y sentimentales
Modéré
Assez lent
Modéré
Assez animé
Presque lent
Vif
Moins vif
Épilogue

S. PROKÓFIEV – Sonata nº 7 en si bemol mayor, op. 83
Allegro inquieto
Andante caloroso
Precipitato

Conmemoración aniversario de la declaración del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO

Por Truca Circus. Compañía Chicharrón Circo Flamenco

• ¡ESTO ES UN ALBOROTO!

¡Pero qué alboroto! ¡Pero qué jaleo! ¡Esto es un circo! Jaleo es Flamenco; mucho jaleo es un circo. En una palabra se cruzan nuestros mundos. Porque está en el punto equidistante entre el circo y el flamenco. Alboroto: palabra sonora, bonita. Alboroto es una herencia árabe. El circo y el flamenco saben mucho de herencias. Los significados de alboroto tienen una conexión poco visible con el circo y con el flamenco. Precisamente queremos hablar de esas conexiones no tan visibles entre el circo y el flamenco.

“Alboroto”, un espectáculo alegre y disparatado.

FICHA ARTÍSTICA:
Germán López, Rebeca Pérez, Clara Reina, Asunción Pérez “Choni”, Javier Prieto.
Autoría: Gonzalo Andino y Germán López
Dirección: Greta García
Mirada Externa: Acompañamiento proceso creativo: Morgan Cosquer Asesoramiento puesta en
escena: Anna Jonsson

Conmemoración aniversario de la declaración del flamenco como patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO

En la selva de los sonidos indomables, hay Tribusssh! que no se saludan con palabras, sino con miradas encendidas y al golpe. Pastora y los bateristas no necesitan traducción; ambos han visto la noche de frente y de largo.

Son Tribusssh! del mismo bosque quemado. Caminan por veredas distintas, pero el polvo de los caminos les cubre por igual. No son hermanos de sangre, pero sí de heridas. Flamenco y Rock brotan del mismo barro: el del grito, el del margen, el del que no tiene más sitio físico que su cuerpo. El uno viene de patios con luna de cal y duquelas clandestinas. El otro de garajes, fábricas cerradas, antros grises donde la rabia aprende a hablar con distorsión. Y, … se entienden.

Cuando Pastora se quiebra por seguiriyas y los bateristas golpean las tripas, no hay traducción porque todos hablan el idioma que tiene por sintaxis la rabia y por semántica el deseo. Sssh!

Es la historia del fuego que estalla cuando el compás callado se encuentra con la distorsión muda. Sssh! Del abrazo, a veces torpe, otras perfecto entre soledades que no sabían que podían salvarse juntas, sssh! Al flamenco y al rock les dijeron que podían seguir existiendo, sí,.. pero sin hacer ruido… sssh! Los del rock sacan baquetas de fundas acolchadas. Pastora reza contando compases mutilados… sssh! Prohibido bailar, prohibido gritar, prohibido tocar, prohibido hablar, prohibido lo prohibido… sssh!

El flamenco y el rock intentaron ser mudos. Domar el rugido desesperado. Pero comenzaron a enfermar. Los bateristas sin ruido son cueros sufrientes y el baile sin golpe menos que una sombra inacabada.

Entonces… Pastora, gritó como solo se rompe el silencio en un parto. Las baterías retumban. El taconeo se fuga y el compás vuelve a latir, porque hay bailes y músicas que existen, solo, para romper el mundo donde está prohibido sentir.

El silencio es música si no se fuerza; pero impuesto, sacará las emociones a borbotones y, el ruido mutará de desacato a desafío… Ruido sagrado. Ruido de los resilientes.

Prohibido prohibir! Sssh!

FICHA ARTÍSTICA:
Solistas:  Pastora Galván
Bateristas: Marcos Gamero y Rafael Rabal

Berenguer sigue dando órdenes a todo su mundo, mientras todo a su alrededor se desmorona, ya nadie obedece, ni los seres humanos ni las cosas. Un rey autoritario y egocéntrico que no quiere aceptar el destino. No quiere admitir que el destino es el verdadero gobernante del universo y mucho más poderoso que él. O bien, que todo muere con él, porque se le anuncia que morirá al final del espectáculo, sólo tiene hora y media de vida. Berenguer representa a toda la Humanidad en una situación crepuscular apocalíptica, donde el tiempo en que el hombre se hizo rey de la Tierra ha pasado porque él mismo la ha llevado a la destrucción. Es el drama del hombre entendido como sujeto, entendido como humanidad pero también como sociedad. Una sociedad en progresiva decadencia, en presencia de señales de la naturaleza cada vez más frecuentes e intensas, y de la voluntad de no escucharlas, de no verlas y de no actuar a tiempo.

Ionesco fue uno de los principales representantes del teatro del absurdo, y en esta obra reflexiona sobre la muerte, el paso del tiempo y la condición humana a través de la historia de un rey que debe enfrentarse a su final inevitable

FICHA ARTÍSTICA:
Rey Berenguer: Carmen Gallardo
Reina Margarita: Marga Reyes
Reina María: Silvia Garzón
Julieta (enfermera): Aurora Bas
Médico, astrólogo: Jerónimo Arenal
Alguacil: Manuel Asensio
Dirección: Ricardo Iniesta y Sario Téllez
Adaptación: Ricardo Iniesta.
Espacio Escénico: Ricardo Iniesta y Ana Arteaga
Composición y dirección Musical: Luis Navarro
Vestuario: Carmen de Giles y Flores de Giles
Maquillaje, peluquería y estilismo: Manolo Cortés
Realización escenografía: Ana Arteaga
Coreografía y colaboración escénica: Juana Casado
Diseño de Luces: Alejandro Conesa
Espacio Sonoro: Emilio Morales.
Ayudante de dirección: Joaquín Galán
Coros y Voz: Lidia Mauduit

Circo-Teatro con la compañía Hermanos Moreno

Todo está preparado para que comience el espectáculo, el público está impaciente…pero… los artistas no llegan, ¡¡¡Ha habido un contratiempo!!!

Solo están los mozos de pista y el músico… dadas las circunstancias y bajo el lema familiar “la función debe continuar” deciden, en complicidad, realizar el espectáculo.

Rápidamente lo organizan todo y salen unos novatos, pero entusiasmados malabaristas, un improvisado caballo y su curioso domador, un indómito y extravagante enano y, cómo no, los músicos-payasos con su gran “concierto final”.

Todo ello, aderezado con música original y tocada en directo, hace de éste, un espectáculo peculiar y divertido.

FICHA ARTÍSTICA:
Jesús Rojas “El Lápiz”
Pepeciclo
Güili

Niveles recomendados: Educación Primaria

INDÓMITA es un proyecto artístico y escénico que celebra los 30 años de trayectoria de Trinidad Montero, La Trini, desde una mirada femenina, contemporánea y libre, tomando como punto de partida la música tradicional andaluza —copla, saeta y folklore profundo— para proyectarla hacia el presente y el mundo.
No es un espectáculo conmemorativo al uso, sino un acto de creación viva, donde la tradición no se reproduce: se interroga y se transforma.
La voz de una mujer madura, consciente y dueña de su lenguaje se convierte aquí en territorio, memoria y futuro.

FICHA ARTÍSTICA
Director Musical: Juan Antonio Sánchez
Voz/Dirección: Trinidad Montero “La trini”

Juan Antonio Sánchez: Piano/arreglos
Luis Dorado: Percusiones
Sergio Di Finizio: Bajo

Músicos y Colaboradores Adicionales
Juanma Ruiz (contrabajista/bajista)
Ingeniero de Sonido: Lauren Serrano/Vicente Castro
Diseño de Escenario: Trinidad Montero, Ernesto Hita
Dirección de Escena: Trinidad Montero
Coordinador de Producción: Ernesto Hita

“Choral Rock” es un espectáculo que aúna dos agrupaciones musicales cordobesas, el Coro Brouwer y el grupo Dirección Prohibida.

Se trata de una propuesta que busca unir dos planos totalmente diferentes y alejados en el mundo de la música: por un lado, la música coral, de la mano del Coro Brouwer; por el otro, la música popular urbana, mediante el grupo Dirección Prohibida.

Este espectáculo pretende acercar al público algunos de los temas más célebres de los diferentes estilos de la música popular urbana (folk, pop, rock y sus derivados, heavy metal, new wave, etc.), a través de más de hora y media de música de grandes obras de artistas como Bob Dylan, Pink Floyd, The Beatles , Scorpions o Queen, todas ellas en una mezcla de arreglos para solistas, coro y grupo.

Por la compañía Escena Trece

En una calurosa tarde de verano, el viejo perro de Don Quijote languidece encerrado en la bodega. Un joven zorro acompañado por su fiel amiga La señora corneja lo visitan periódicamente, y para hacerle más llevaderas las largas horas estivales, narra las disparatadas aventuras de su amo. Las más famosas escenas de la obra inmortal de Cervantes serán representadas por este singular trío de animales, intercambiando experiencias, sueños y también desventuras. Un espectáculo para toda la familia.

FICHA ARTÍSTICA:
Manuel Porras
Teresa Doctor
Ivan Herrera
EQUIPO TÉCNICO
Dirección. Sabina Vicente
Versión y Dramaturgia. Juan Castilla
Escenografía. Valentina Guzmán
Música Original. Miguel Linares
Distribución. Escena Trece
Diseño de Iluminación. María Moreno
Vestuario María Victoria Álvarez y Valentina Guzmán
Iluminación y Sonido. Davide Chous
Producción. Escena Trece
Dramaturgia. Juan Castilla
Dirección. Sabina Vicente

Niveles recomendados:
3º Ciclo de Educación Primaria y 1º Ciclo de ESO

Espectáculo vibrante y emotivo que, con la música clásica como hilo conductor, sumerge al espectador, quien también puede participar, en el universo cotidiano de una orquesta sinfónica.

Presentadores:
Dúo Vibra-tó: Joaquín Sánchez y Miguel Guinea
Orquesta de Córdoba

Niveles educativos recomendados:
2º y 3º Ciclo de  Educación Primaria

Abono para los 3 conciertos (hasta el 7 de febrero): 19 € (precio único)
Enlace de compra clicando aquí

Por la compañía La Buena Compañía

El bosque de Coco surge de la necesidad de abordar un tema de suma actualidad e importancia como es la salud mental infantil, fundamental para el desarrollo y bienestar general de los niños/as y jóvenes.  Desde un punto de la psicología el espectáculo parte de la experiencia emocional que se produce cuando un niño vivencia una situación complicada en casa que es incapaz de gestionar porque escapa a su entendimiento y control, atravesando una serie de emociones, como la negación, la ira, la tristeza y la aceptación, como si de un duelo se tratase. Cualquier niño o niña, vive una interacción tan continuada en su entorno y familia, que ésta tiene un peso importantísimo en su desarrollo. Tanto es así que resulta imposible comprender su forma de ser y emociones sin tenerlo en cuenta.

Partiendo de un estado emocional vulnerable. Coco se adentra en ese bosque desconocido para enfrentarse a una situación que la sobrepasa. Así pues de una forma alegórica.

FICHA ARTÍSTICA:
Mari Rodríguez
Ángela Bodega
Mario Olavé
Laura Bermúdez

Niveles recomendados:
2º y 3º Ciclo de Educación Primaria

Por la compañía Luna Teatro Danza

Bambi es una obra de teatro de títeres y objetos basada  en la novela original de Bambi, una vida en el bosque de Félix Salten, una novela lírica y profunda que relata la vida de un joven corzo hasta que se convierte en un ciervo adulto.

Bambi, el pequeño corzo nació en medio de la espesura, en un claro del bosque donde solo cabían su mamá y él. Un pequeño corzo, en un gran bosque, toda una vida por descubrir . Bambi es un canto a la vida, al descubrimiento, a las emociones, a los vínculos. El viaje desde que nacemos hasta que nos hacemos mayores. Una historia de animales que bien podríamos ser nosotros, habitando un mundo, del que aprendemos donde nos enamoramos, donde reímos y también padecemos, donde hay juego y búsqueda.

FICHA ARTÍSTICA:
Interpretación: Alba Vergne López
Autor: Félix Salten
Adaptación y Asesoría Escénica: Pablo Vegne
Diseño de Títeres y Objetos: Ricardo Vegne y The Root Pupets
Espacio Escénico: Eva Soriano
Movimiento: Alba Vegne lópez
Espacio Sonoro: Luna Teatro Danza e Iris Azquinezer
Diseño Iluminación: Ricardo Vegne
Visuales: Luna Teatro Danza
Vídeo: Ana Verastegui
Fotografía: Giuseppe Marconi
Producción: Luna Teatro Danza
Distribución: Proversus
Creación y Dirección: Alba Vergne López y Malgosia Szkandera

Niveles recomendados:
Educación Infantil (3, 4 y 5 años)

Por la compañía Teatro de Malta

En A la Gloria con Gloria Fuertes es una obra de Teatro Infantil en clave de clown de la compañía Teatro de Malta. Dos personajes, Doña Pito Pitra y el señor Antropelli, se embarcan en una misión: conseguir que regresen animales al Circo Cocodrilo cambiando los látigos y escopetas por risas y poesia.

A la Gloria con Gloria Fuertes es una obra para clown en la que los personajes se hacen profundas preguntas, lloran, ríen, se pelean, se abrazan, cantan, aprenden y se sorprenden uno a otro con la honda ternura de los poemas de Gloria Fuertes y la ingenuidad propia de los payasos. Es la tercera y última entrega de una trilogía escrita por Marta Torres, directora de Teatro de Malta, sobre el poemario de Gloria Fuertes. En la primera dramaturgia de la trilogía, la acción se ubica en un viejo circo que el señor Antropelli encuentra en un basurero. En la segunda, la basura que pisaron los personajes, se ha transformado en libros y en esta tercera, los libros han pasado a ser un verde prado para así convertirse en un lugar agradable en el que acoger a los animales que han abandonado el circo. El circo, el amor de Gloria por los animales, el pacifismo y la propia autora son los temas que están presentes en la tres entregas

FICHA ARTÍSTICA:
Dramaturgia y dirección: Marta Torres.
Intérpretes: Cristina Almazán (Pito Pitura), Santi Martínez (Señor Antropelli)
Música: Santi Martínez
Coreografía: Cristina Almazán.
Escenografía: Hermanos de la Costa.
Vestuario: Lola Trives.
Iluminación: Joseba García
Realización Vestuario: Marie-Helene Kügler e Isa Jódar.
Realización escenografía: Paula Vallejo, Kira Roldán,Alejandra Bertolotti y Facundo Castelli.
Accesibilidad: APTENT Tecnología y accesibilidad
Fotografía: Agustín Hurtado
Diseño Gráfico: Grupo Enuno.
Grabación y Edición de vídeo: AC Digital Media
Producción Ejecutiva: Matel Cultural S.L.

Niveles recomendados:
Educación Infantil (5 años) y 1º Ciclo de Educación Primaria

Una idea original de Joaquín Haro, clarinete solista de la Orquesta de Córdoba. Se trata de una iniciativa educativa y musical en colaboración con la Delegación de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba. Una propuesta que invita a crear un cuento musical original a partir de la escucha activa de dos obras del repertorio para clarinete y orquesta.

El proyecto fomenta la creatividad literaria, la sensibilidad artística y el pensamiento narrativo, ofreciendo un espacio donde la música clásica se convierte en motor de imaginación y aprendizaje.

Niveles educativos recomendados:
3º Ciclo de  Educación Primaria y 1º Ciclo de ESO

Abono para los 3 conciertos (hasta el 7 de febrero): 19 € (precio único)
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Evaristo se convierte en detective en una historia musical llena de intriga: sobre el atril del director aparece una partitura manchada por un extraño líquido, desencadenando un enigma que deberá resolverse a lo largo del concierto.

A través de la investigación, el personaje y el público descubren progresivamente el funcionamiento de la orquesta, las familias instrumentales, el origen de las notas musicales y la figura de los grandes compositores del Clasicismo: Mozart, Haydn y Beethoven. La narrativa convierte el concierto en una experiencia participativa donde el conocimiento musical se integra en la acción dramática.

Nivel educativo recomendado:
Educación Infantil (4 y 5 años) y 1º Ciclo de Educación Primaria

Abono para los 3 conciertos (hasta el 7 de febrero): 19 € (precio único)
Enlace de compra clicando aquí