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Teatro Córdoba - IMAE

Gala contra Gala, una obra que refleja el influjo Antonio Gala en su entorno

El Teatro Góngora estrena es espectáculo el próximo 17 de noviembre a las 20.30 horas

El 17 de noviembre el Teatro Góngora estrena “Gala contra Gala, una obra teatral que va más allá de contar la vida de Antonio Gala. “A la hora de escribir hemos querido reflejar el influjo que la vida, la obra y la palabra del escritor ha generado sobre su entorno” ha afirmado José Luis Esteban, autor y uno de los intérpretes del espectáculo. En la presentación del espectáculo, Esteban ha estado acompañado por David Luque, presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) y Javier Macipe, director. 

“Gala contra Gala” será un estreno que, según sus creadores, “esperamos que tenga más proyección fuera de las fronteras de Córdoba”. Así, Luque ha mostrado su satisfacción y entusiasmo porque es una obra inédita y un estreno mundial. Además, ha apuntado que “es una manera de hacer metateatro, es decir, una obra basad en los textos del literato, pero sin que sean sus textos directamente”. En esta línea, Luque ha aclarado que la obra tendrá frases míticas del propio Gala, pero, “no está escrita por él”. 

 Es cierto que no es una obra escrita por el célebre poeta, pero sí está muy vinculada a él, porque el equipo que la ha escrito y la va a representar pertenecen a la Fundación Jóvenes Creadores de Antonio Gala. Así, Macipe, que fue alumno de la Fundación, ha afirmado que esta función que él dirige “es un regalo con el que le quiero agradecer a Gala que me diese la oportunidad de disfrutar la beca”. Una ayuda que hizo que Macipe pudiese llegar a donde está porque, según sus palabras, “en la Fundación nos hizo apostar por lo que creemos y eso es lo que nos ha inspirado”.  

Esta fuente de inspiración constante es lo que los autores han querido representar en la función que va más allá de un simple homenaje al poeta. “Gala contra Gala”, muestra a una joven dramturga en pleno bloqueo personal y creativo que recibe el encargo de escribir una obra de teatro sobre la figura de Antonio Gala. “El primer problema con el que se encuentra la joven es cómo quitarse del influjo que el poeta ha ejercido sobre ella”, ha indicado Esteban. 

El espectáculo está dentro de la semana cultural de Antonio Gala que se celebra en la ciudad del 12 al 16 de noviembre, con el objeto de difundir la obra y la figura del escritor cordobés.  Así, desde el IMAE, Luque ha querido manifestar que “estamos muy contentos de participar, porque ha habido un acuerdo por unanimidad institucional absoluta y todos hemos coincidido en que esta “Gala contra Gala” tenía que llevarse a cabo y estrenarse en el Teatro Góngora”. 

Tebas Land, una inquietante tragedia sobre el parricidio y su representación escénica, llega mañana al Teatro Góngora

Natalia Menéndez dirige este exitoso montaje, candidato a cinco Premios Max

El Teatro Góngora acoge mañana viernes Tebas Land, una inquietante tragedia que tiene al parricidio como tema central, pero desde el punto de vista de su representación en un escenario. La pregunta es: ¿cómo es posible llevar a las tablas este terrible crimen?  Natalia Menéndez dirige la obra del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, estrenada en numerosos países y elogiada en todos los teatros donde se ha montado, desde Montevideo a Berlín, o de Londres a Tokyo. El texto se inspira en el legendario mito de Edipo, rey de Tebas; en la vida del santo europeo del siglo IV San Martín, y en un expediente jurídico creado por el propio Blanco en el cual se narra el juicio de un joven parricida llamado Martín Santos, interpretado por el actor Víctor Sevilla. La   obra narra los encuentros que éste mantiene en prisión con un dramaturgo, encarnado por Pablo Gómez-Pando, más interesado en cómo poder representarlo que en el crimen en sí.

A partir de los distintos encuentros que mantienen en la cancha de baloncesto de la cárcel, Tebas Land irá poco a poco centrándose no tanto en la reconstrucción del parricidio como en la representación escénica entre ambos personajes. De ese modo, la pregunta inicial que abre la pieza,  “¿cómo es posible  matar a alguien?”, será reemplazada por la pregunta final “¿cómo es posible representar a alguien?”. El texto se aleja así de la dimensión ética del asesinato del padre para centrarse en las posibilidades estéticas de su representación y ofrecer finalmente una emocionante tesis sobre el acontecer teatral.

Escrita en 2012, declarada Obra de Interés Cultural en Uruguay, premiada como mejor producción en los prestigiosos Off West End London Awards, candidata a cinco Premios Max en su edición de este año -entre ellos los que reconocen al mejor espectáculo, obra y dirección-, Tebas Land revisita una serie de textos clásicos que abordan el tema del parricidio -Edipo Rey de Sófocles, Los hermanos Karamazov de Dostoyevski, Un parricida de Maupassant y Dostoyevski y el parricidio de Sigmund Freud-, no con el propósito de rendirles un hueco homenaje literario , sino con el de plantear un verdadero desafío sobre la creación teatral.

Para Natalia Menéndez, que retoma con esta pieza la dirección escénica tras ocho ediciones al frente del Festival de Teatro Clásico de Almagro, Tebas Land “es la tragedia más inquietante que he leído en este inicio de siglo XXI”. En su opinión, la obra “aporta el debate ético y estético de la representación. ¿Cómo se representa un crimen, cómo se representa a un parricida, cómo innovar entre la imitación, la copia, lo falso y la verdad?”.

Divertida, inteligente y ágil, Tebas Land es una obra de efectos y sorpresas, con una trama sorprendente que lleva permanentemente al espectador a la especulación, al límite entre la verdad y la mentira. Considerada uno de los mayores éxitos teatrales en español de los últimos años, se trata de  “una obra para que estallen los actores”, según la crítica, que alaba el trabajo de los intérpretes, el texto en sí -”está escrita con una pericia técnica y un sentido del ritmo envidiable”- y el resultado general del montaje -”una función ineludible, sorprendente e intensa en los distintos planos en los que se desarrolla”.

La Sala Polifemo acoge Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa, un solo de danza contemporánea en torno al enigmático personaje

El ciclo Off Topic continúa su andadura con una nueva cita en la Sala Polifemo, que este jueves acoge Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa. Se trata de un solo de danza contemporánea a cargo de Luz Arcas acompañado de música original e interpretada en directo -piano y percusión-. Es una producción de la compañía La Phármaco que gira en torno al enigmático personaje citado en el título de la función, un muchacho semisalvaje que el 26 de mayo de 1828 apareció en una plaza de Nuremberg portando una extraña carta anónima que ofrecía datos contradictorios sobre su procedencia y dejaba su suerte en manos de quien lo encontrara.

El extraño joven contó, cuando después de unas semanas aprendió a hablar, que durante toda su vida había estado incomunicado en un calabozo. Los médicos decretaron que no era un loco y sólo sufría el retraso derivado del aislamiento. Su proceso de aprendizaje tuvo como tutor a Anselm von Feuerbach, que dejó testimonio de su peculiar inteligencia y sensibilidad y avanzó la hipótesis de que se tratara del primogénito de un linaje de la familia Baden. Según el padre del conocido filósofo alemán, el encierro había sido la única alternativa a su muerte en una oscura lucha por la soberanía en el clan. Nunca se pudo demostrar su verdadera procedencia. Murió asesinado en extrañas circunstancias en 1833.

La historia de Kaspar Hauser ha sido llevada al cine, a los libros… y ahora al ámbito de la danza merced a la propuesta que realiza La Phármaco, compañía creada por Luz Arcas y Abraham Gragera en 2009 con el objeto, explican, “de ahondar en el concepto de ceremonia estética como un mecanismo necesario, social y humanista, con el deber de conmover al espectador, de transformarlo”. Ambos firman la dramaturgia y dirección escénica del montaje.

Kaspar Hauser. El Huérfano de Europa se divide en cinco cuadros cuyos títulos recrean experiencias reales de la biografía del personaje. En palabras de la compañía, el espectáculo pretende mostrar al espectador “cómo se baila el primer encuentro con el mundo después de 17 años de sombra y de silencio: mirarlo todo con los ojos de quien no esperaba ni necesitaba el mundo. Bailar la naturaleza poética y salvaje de lo humano. La experiencia de la identidad como un abismo oscuro que se precipita sin esperanza hacia la muerte: la crisis del tiempo”.

Kaspar sufría crisis de identidad ante experiencias nuevas, como la contemplación de la primera noche estrellada, añoraba su tranquilo encierro, sufría al plantearse preguntas sobre su pasado, presente y futuro, y, en definitiva, le parecía mucho más terrible aquella nueva vida trastornada por el impacto continuo y feroz de la realidad. Padeció el capricho, la violencia y el abandono del mundo civilizado y su historia, tal como la describiría su tutor, es la de “un delito contra el alma del hombre”. Pero, en opinión de La Phármaco, “quizás lo que nos trastorna tan profundamente del personaje es que encarna la esencia de la tragedia de todos los tiempos: laincapacidad del ser humano para comprender su propia experiencia”.

Los sueños del Bosco, “uno de los espectáculos del año”

Una representación del Circo del Sol presentará en Gran Teatro los últimos 30 segundos de vida del pintor del paraíso

El Circo del Sol, o “lo más parecido a él que se puede ver en un teatro”, llega mañana al Gran Teatro. Así ha presentado David Luque, presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), el espectáculo de Los Sueños del Bosco. “La compañía Les 7 doights trae un espectáculo de circo contemporáneo a través de las pinturas del Bosco”, ha afirmado el segundo teniente alcalde.

En esta línea, Luque ha apuntado que “este es uno de los espectáculos del año”. Así, el edil ha añadido que “nadie debería perdérselo, porque es una de las funciones más singulares que tenemos esta temporada”. Estas afirmaciones han sido avaladas por los dos representantes del elenco que han acompañado a Luque en la presentación de la obra: Vladimir Amigo y Leah Wolff, ambos acróbatas de la compañía “Los 7 dedos”.

Amigo ha revelado que Los Sueños del Bosco “es un espectáculo circense que mezcla el teatro con lo audiovisual, de una manera profunda y arriesgada”. De esta manera, en escena los espectadores verán pinturas del pintor del paraíso acompañadas de textos y mappings, y representadas por las acrobacias de los profesionales. En definitiva, ha añadido Amigo, “esta obra es tratar de entender los últimos 30 segundos de vida del pintor flamenco en los sueños”.

Este viaje a través de los sueños de uno de los pintores medievos más conocidos es un “espectáculo surrealista que sigue la línea común de los cuadros del pintor”, ha argumentado la acróbata Wolff.

Toda la obra de circo estará dirigida por Samuel Tétreault, internacionalmente conocido por sus participaciones en producciones del Circo del Sol y del Cirque Éloize. El director estará acompañado por siete acróbatas, tres técnicos de sonido y tres técnicos en bakstage. Los encargados de representar los cuadros trabajarán en las modalidades de malabares, acrobacias aéreas, trapecio y palo chino, para ofrecer al espectador el auténtico sentimiento del Circo del Sol en Córdoba.

El ciclo “Vamos al teatro” cuenta con una programación media de tres espectáculos por trimestre

En esta edición, Unicaja Banco es el patrocinador de “Butaca familiar”

El presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), David Luque, ha presentado esta mañana la programación de los ciclos “Butaca familiar” y “Vamos al Teatro”, junto a Andrés Pino, concejal de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba. Según ha manifestado el también delegado de Cultura, “en nuestro ámbito apostamos por estos programas porque son los cimientos de futuras personas cultas y consumidoras de cultura, que darán como resultado mejores sociedades”. Así, el IMAE ha vuelto a apostar por la programación infantil una temporada más. En esta ocasión, el conjunto de espectáculos está dividido en dos grupos. Por una parte, “Vamos al teatro”, donde los centros educativos vienen a ver la obra”, ha aclarado Luque; y, por otra, “Butaca familiar”, con el que “buscamos que los niños traigan de la mano a sus familias para ver las artes escénicas”, ha argumentado el edil.

Ambos ciclos, según la programación 2018-2019 del IMAE, tiene una programación idéntica, con la única diferencia de horario. En este sentido, los espectáculos de “Butaca familiar” tienen un horario de domingo por la tarde; mientras que, “Vamos al teatro” está programado para los lunes y martes por la mañana. “En definitiva hay cinco pases por obra”, ha aclarado el delegado de cultura. 

En este sentido, los ediles han confirmado que este año hay tres espectáculos por trimestre, con una media de uno al mes. La programación infantil ha comenzado esta semana con la representación de guiñoles de “El sastrecillo valiente”; en noviembre está ya a la venta “Moby Dick” y concluirá el año con “La gallina de los huevos de oro”, también a la venta en la web del IMAE. Para enero, aunque aún no están a la venta las localidades, están incluidos en programa los espectáculos de “Alicia en el País de las Maravillas” y “Kiti Kraft”. “Clown sin tierra” será la obra que cierre el segundo trimestre escolar. Para el último trimestre están en cartelera, “La Principita”, “Acábate la sopa” y “Frankenstein. No soy un monstruo”, repartidas entre los meses de marzo, abril y mayo. 

Según ha manifestado Pino, en todos los pases “esperamos un lleno absoluto porque hay más demanda que oferta”. De esta manera, el IMAE ha barajado la cantidad de unas 1900 o 2000 personas por espectáculo de “Vamos al teatro”, entre el total están registrados los alumnos, los profesores y algunos acompañantes. 

Dentro de la programación infantil, “por segundo año consecutivo, hemos unificado también los ciclos de música con los conciertos familiares y didácticos de la Orquesta de Córdoba”, ha confirmado el edil de educación. El primero de estos conciertos, “Ha nacido una orquesta”, está programado para enero; el segundo, “El carnaval de los animales (1886)”, para marzo; y el tercero, “Las aventuras de mi amigo Till” para mayo. “estos espectáculos se completarán con los conciertos por barrios, como cada año”, ha concluido Pino. 

En esta ocasión, los delegados han agradecido la colaboración de Unicaja Banco porque “a partir de ahora va ser cómplice extraordinario de que en las próximas décadas aumente el consumo de cultura en Córdoba”, ha confirmado Pino. Con esta valoración ha coincidido Luque, quien ha manifestado que “gracias a estas actuaciones, este tipo de programas van calando y nos damos cuenta de que esta inercia es positiva para los niños y para la sociedad en general”.

Folleto con la programación completa

Alejandro Hurtado presenta mañana martes en la Sala Polifemo su concierto de guitarra flamenca con aromas clásicos

Un joven intérprete, Alejandro Hurtado, sube mañana martes al escenario de la Sala Polifemo del Teatro Góngora (20:30 horas) para ofrecer un concierto en el que su guitarra mostrará cómo la música clásica y la flamenca son dos estilos que, a pesar de sus diferencias, se han influenciado el uno al otro a través de la historia. En el programa que presentará ante el público, el artista alicantino quiere poner de manifiesto esta influencia a través de una selección de piezas representativas de ambos repertorios, obras que domina gracias a su sólida formación como guitarrista clásico y a su trayectoria como guitarrista flamenco.

En el texto de presentación del recital, promovido por la Asociación de Amigos de la Guitarra Clásica “Miguel Barberá”, se hace notar que la presencia de lo flamenco en la música clásica para guitarra la encontramos “desde las piezas donde lo flamenco es una simple evocación de ambientes o ritmos , hasta aquellas en las que el paralelismo es total con los correspondientes estilos flamencos”. En el programa que ejecutará Alejandro Hurtado se escucharán piezas de guitarra clásica con enorme similitud con los estilos flamencos en los que se inspiran, como el Zapateado de Joaquín Rodrigo o la Guajira de Emilio Pujol. También habrá otras, como la Rondeña de Regino Sainz de la Maza o la Gran Jota de Francisco Tárrega, en las que lo flamenco sirve solo de inspiración, sin encontrar referencias claras. Por último, el programa incluye composiciones netamente flamencas del propio guitarrista: Taranta, Soleá, Petenera, Seguiriya y Bulerías.

Tras largos años de preparación, y un buen numero de éxitos previos, la carrera artística del joven guitarrista toma una nueva dimensión a partir de 2017, año en el que, apenas unos meses después de terminar sus estudios superiores de Guitarra Flamenca en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera, obtiene uno de los principales galardones que existen en el mundo de la guitarra flamenca: el Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas, tras varias ediciones en las que había quedado desierto. Ese mismo año, una de las figuras más relevantes del cante actual, Mayte Martín, se fija en él y lo incorpora como guitarrista oficial en todos sus espectáculos.

Estos reconocimientos no son casuales, sino fruto de un talento excepcional y un trabajo metódico y riguroso durante mucho tiempo. Desde que se inició en el mundo de la guitarra con apenas 9 años, Alejandro no ha dejado de sorprender por la rapidez de su evolución, tanto técnica como musical. Sin duda su formación clásica -iniciada en el Conservatorio Profesional de su ciudad natal, San Vicente del Raspeig (Alicante)- ha marcado su toque con una limpieza de ejecución inusual entre los guitarristas flamencos. Su formación en este último ámbito musical comenzó también en su pueblo, de la mano de varios maestros, entre ellos, el legendario guitarrista Arturo Cerreduela “El Nani”, con quien aprende los secretos de la guitarra de Caño Roto-. Su interés por lo jondo se fue acrecentando año tras año, de tal modo que la guitarra flamenca se fue convirtiendo en su principal objeto de estudio y el eje de su carrera profesional.

El maestro Antonio Fernández Díaz “Fosforito” ha dicho del joven intérprete que después de haber conocido a lo largo de su trayectoria “a los mejores guitarristas de mi tiempo, empezando por Niño Ricardo y pasando por el genial Paco de Lucía, doy fe de la enorme capacidad guitarrística de Alejandro Hurtado, y no me cabe duda de que está llamado a ocupar un lugar de privilegio en el mundo de la guitarra flamenca”.

Lolita Flores llega a Córdoba con ‘Fedra’, de Paco Bezerra

Las funciones tendrán lugar en el Gran Teatro el 26 y 27 de octubre

Después de su exitoso estreno en la 64 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Fedra, de Paco Bezerra, llega a Córdoba. Esta producción de Pentación Espectáculos y del Festival de Mérida estará en el Gran Teatro el 26 y 27 de octubre a las 20:30 horas. Lolita Flores, Juan Fernández, Críspulo Cabezas, Eneko Sagardoy y Tina Sáinz forman el reparto de esta obra basada en la tragedia Hipólito de Eurípides bajo la dirección de Luis Luque.

Sinopsis

Fedra, la reina de la Isla del Volcán, está enferma: ni come ni habla ni duerme. Los médicos son incapaces de averiguar el origen de su padecimiento y el país entero anda preocupado por su estado de salud. Algunos dicen que se ha vuelto loca. Otros, que las largas ausencias de su esposo, el rey de la isla, han terminado por devastar y asolar su corazón, pero nadie conoce la verdad y todos se equivocan. Y es que la gran responsable de la dolencia de Fedra no es otra que una pasión que la atormenta desde hace tiempo y que ya no puede reprimir más; un erotismo inmoral e impúdico, un deseo violento e indómito, un amor prisionero e indecente.

Carta del director

El amor, en muchos casos, es sinónimo de dicha y felicidad, pero, en otros, es también tormento y grandísima condena (en especial cuando te enamoras de la persona que no debes). Pero, ¿cómo actuar cuando la razón y el deseo entran en conflicto? ¿Es más justo atender a lo que plantea el cerebro o a lo que demanda el corazón? ¿Qué debería pesar más? ¿Pensar osentir? Tradicionalmente, éste es el conflicto interno al que siempre ha tenido que enfrentarse Fedra, un personaje que, atrapado en las redes de la tragedia, se debate y no se puede decidir. Y esto mismo es lo que la ha terminado convirtiendo en un personaje un tanto inactivo, alguien que, incapaz de elegir, se decide por darle la mano a la muerte como la mejor de las opciones. Lo que hemos querido con esta Fedra es sacar al personaje de ese letargo en el que siempre se ha encontrado para crear una mujer más combativa y con menos miedo; una persona que, huyendo de la tragedia, se sumerja de lleno en ella y peleé frente a frente; una mujer exenta de culpa, capaz de luchar por lo que quiere, y que, ante todo, se atreva a amar. Por esto, la escenografía elegida es un lugar emocional, un lugar tan grande como un volcán en mitad de una isla rodeada por un mar antiguo. Un espacio que es una grieta en el pecho, un hueco por el que se ha salido el corazón de nuestra protagonista. Una puesta en escena en donde las artes visuales y la música serán vehiculares de esta historia violenta. Una Fedra contemporánea que nos venga a hablar sin tapujos y sin temor de la libertad de amar. Entender las razones de su corazón para aprender a respetarnos y, de esta forma, mejor amarnos. Convertir el gran teatro romano de Mérida en el pecho de Fedra y refugiarnos en él. El volcán está a punto de entrar en erupción.

Luis Luque y Paco Bezerra

 

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La Sala Polifemo acoge el jueves Jazz en la pecera, un espectáculo de teatro musical y suspense que recorre la historia del jazz con banda en directo

El espectáculo inicia el ciclo Off Topic esta temporada

La Sala Polifemo del Teatro Góngora acoge el próximo jueves Jazz en la pecera, un espectáculo de teatro musical que abre el ciclo Off topic esta temporada. El montaje, un proyecto de la compañía Teatro del Gallinero y GNP Producciones que cuenta con la música en directo de La Pecera Jazz Quartet, obtuvo el Premio Especial del Jurado en la pasada edición de la Feria del Teatro en el Sur de Palma del Río.

El espectador asiste a la emisión de un especial de un programa de radio que recorre la historia del jazz, mientras suena la música interpretada in situ por una banda. Durante el espacio, la locutora del programa, María Moreno -interpretada por la actriz María J. Castañeda-, espera el resultado de una investigación que aclarará su identidad, su pasado y que hasta puede modificar la historia del jazz tal como la conocemos hoy.

Un error técnico hará que el programa tenga que emitirse en directo, aunque todo se desarrolla con normalidad: se escuchará a grandes estrellas de la música, como la emperatriz del blues Bessie Smith, los grandes Louis Amstrong y Glenn Miller, o el maestro del gipsy jazz: Django Reinhardt. Pero María recibe una extraña llamada que lo precipita todo, ha de apurar rápidamente las secciones que le restan al programa -el teatro radiofónico, el bebop, el jazz latino…- para ir a recoger los resultados de un importante test que estaba esperando, algo que puede cambiar su historia y la del mismo jazz. O dicho de otro modo: el futuro del jazz depende de una prueba de paternidad y de los recuerdos de su madre durante un festival de jazz a principios de los 80.

En la función, María J. Castañeda interpreta, canta y baila para ofrecer una excelente creación de varios personajes, entre ellos la locutora. La acompaña Paula Padilla, cantante y actriz que también brilla a gran altura. La idea y la dirección de Jazz en la pecera corresponde a Jorge Dubarry, que se ha basado en un texto de Javier Berger. Por su parte, el cuarteto de jazz encargado de poner la música en directo lo componen músicos de bandas como O´Sisters! y Tres Bien!: Matías Comino (guitarra y banjo), Pablo Cabra (batería), Daniel González (contrabajo y bajo eléctrico) y Paula Padilla (voz). A lo largo del espectáculo sonarán un repertorio que dibuja la historia del jazz a través de los éxitos de sus grandes intérpretes: desde St Louis blues, de Bessie Smith, a My baby just cares for me, de Nina Simone, pasando por In the moode de Glenn Miller, On the corner de Miles Davis o Anthropology, de Charlie Parker, junto con destacados temas de Luis Armstrong, George Gershwing, Mile Davis, Nat King Cole o John Coltrane, entre otros.

Jazz en la Pecera es el cuarto montaje de Teatro del Gallinero. La compañía sevillana nace en 2012 de la mano de María J. Castañeda, afiliada a los gallineros de los teatros, y del creador Jorge Dubarry. En palabras de sus creadores, sus intención es “contar historias de personas, de vidas, retales de realidades… Pinceladas criticas y estéticas acerca del sentir de hoy”.

El IMAE acogerá las XI Jornadas sobre la Inclusión Social y la Educación en las Artes Escénicas en abril de 2019

El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) ha reunido esta mañana a las instituciones, agentes y colectivos relacionados con la inclusión social y la Educación, para acotar los términos de cara a las XI Jornadas sobre Inclusión Social y la Educación en las Artes Escénicas. Este evento tiene como fecha prevista los días 2, 3 y 4 de abril del próximo año. En la comisión han estado presentes David Luque, Presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), y Jaime Guerra, asesor técnico del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música.

Este evento se llevará a cabo en colaboración con el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) -Ministerios de Educación y de Cultura- y llegará a Córdoba, después de varias ediciones por distintas ciudades españolas. Según el histórico del curso, estas Jornadas surgieron de una primera colaboración entre el INAEM, el British Council y el desaparecido festival Escena Contemporánea de Madrid. El objetivo inicial era dar visibilidad institucional y artística a una serie de proyectos escénicos y musicales de carácter inclusivo que se estaban desarrollando en España en esos momentos y, al mismo tiempo, mostrar a los profesionales españoles otros ya muy consolidados del Reino Unido.

Debido al éxito que tuvieron en su primera edición en 2009, la Comisión organizadora decidió celebrarla anualmente. En el proceso de organización de las jornadas 2019, en Córdoba, el IMAE ha convocado a instituciones, agentes y colectivos implicados en este ámbito, con interés y experiencia en materia de accesibilidad e inclusión. Así, en esta reunión de trabajo la Comisión Organizadora ha informado sobre el contenido y objetivos de las jornadas, en las que se incluirán las aportaciones de los colectivos invitados. 

La pasada cita de estas jornadas tuvo lugar en Madrid, tras varias ediciones de recorrido por distintas ciudades españolas, teniendo como sede principal el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional y otros emplazamientos como la Casa Encendida de la Fundación Montemadrid y las sedes de la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Nacional de España. El lema general de trabajo de la pasada edición aspiraba a abrir nuevas vías de debate “RETOS: la conquista de una sociedad más igualitaria a través de las artes”. Durante dos días y medio, trescientos participantes pudieron asistir a las ponencias y debates de prestigiosos profesionales como Lucina Jiménez, Scott Rankin, Jenney Sealey, François Matarasso y Eugene van Erven, así como a actuaciones, talleres y otras actividades.

En los enlaces siguientes se recoge información sobre el ideario de las jornadas, programas de años anteriores, memorias, etc. 

Ideario: https://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/va/dms/mecd/cultura-mecd/areas-cultura/artesescenicas/artes-escenicas-e-inclusion-social/jornadas-sobre-la-inclusion-social/viii-jornadas-sobre-la-inclusion-social/ideario-viii-jornadas.pdf

Información exhaustiva de su desarrollo desde 2009: https://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/va/areas-cultura/artesescenicas/artes-escenicas-e-inclusion-social/jornadas-sobre-la-inclusion-social.html

Salvador Sobral, la exquisitez hecha canción, en concierto el sábado en el Gran Teatro de Córdoba

El Gran Teatro de Córdoba recibe mañana al que hay quien ha denominado el cantante del momento: Salvador Sobral. El artista portugués recala en la ciudad por vez primera en el marco de la gira con la que, desde este verano, recorre España para presentar sus creaciones, con una atención especial a su primer disco, Excuse me. Un trabajo que se despliega ante el oyente a la manera de un viaje que comienza en el jazz, recorre las influencias de la bossa nova y se impregna de las melódicas sonoridades de América Latina. En suma, una propuesta que sustancia la esencia de este intérprete y compositor definido por un crítico como “la exquisitez hecha canción popular”.

La voz cálida y cautivadora de Sobral se presenta en esta gira en formato de trío, una estructura que potencia la intimidad de sus temas. Lo acompañan en el escenario unos excelentes músicos capitaneados por Júlio Resende, uno de los mejores pianistas de jazz de Europa y co-productor del disco. Completan el terceto el contrabajista André Rosinha y el baterista Bruno Pedroso, ambos con una sólida y brillante carrera.

Salvador Vilar Braamcamp Sobral (Lisboa, 1989) se dio al conocer al gran público con Amar pelos dois, una canción escrita y producida por su hermana Luisa con la que arrasó en el Festival de Eurovisión de 2017 y que supuso el primer triunfo para Portugal en este veterano certamen, en el que además marcó un récord logrando la máxima puntuación lograda por un país en la historia del festival. Aquel tema, “influenciado -explica su autor e intérprete- por los clásicos estadounidenses y con un toque de las bellas melodías de la bossa nova” convirtió al joven y desconocido músico en un acontecimiento internacional.

Antes, Salvador se había forjado musicalmente en Estados Unidos y en el Taller de Músicos de Barcelona, desarrolló varios proyectos, creó espectáculos, dio voz a la banda indie-pop Noko Woi y y vuelve a Portugal, donde lanza en 2016 Excuse me, el primer disco de su autoría.

A Eurovisión acudió con un permiso especial de los médicos para poder viajar, afectado ya, en aquel momento, por un grave problema cardíaco que, poco después, frenó su deslumbrante éxito en la escena musical. Hoy, totalmente recuperado de un trasplante de corazón, el cantante y compositor luso continúa, con más fuerza si cabe, un camino musical fiel a su sello: libertad creativa, sofistificación, autenticidad, exquisitez y una emocionante relación con la canción popular.

Su admirado Caetano Veloso define a Salvador Sobral con estas palabras: “Delicadeza, musicalidad natural, concentración, respeto por la historia de la canción… en definitiva, civilización y cultura elevadas. Para mí, Salvador se ha convertido en una de las referencias de la música mundial”. Un fenómeno imparable que sus seguidores pueden disfrutar en esta gira en los escenarios españoles y, mañana sábado, en el Gran Teatro de Córdoba.