Saltar al contenido principal

Teatro Córdoba - IMAE

Los sueños del Bosco, “uno de los espectáculos del año”

Una representación del Circo del Sol presentará en Gran Teatro los últimos 30 segundos de vida del pintor del paraíso

El Circo del Sol, o “lo más parecido a él que se puede ver en un teatro”, llega mañana al Gran Teatro. Así ha presentado David Luque, presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), el espectáculo de Los Sueños del Bosco. “La compañía Les 7 doights trae un espectáculo de circo contemporáneo a través de las pinturas del Bosco”, ha afirmado el segundo teniente alcalde.

En esta línea, Luque ha apuntado que “este es uno de los espectáculos del año”. Así, el edil ha añadido que “nadie debería perdérselo, porque es una de las funciones más singulares que tenemos esta temporada”. Estas afirmaciones han sido avaladas por los dos representantes del elenco que han acompañado a Luque en la presentación de la obra: Vladimir Amigo y Leah Wolff, ambos acróbatas de la compañía “Los 7 dedos”.

Amigo ha revelado que Los Sueños del Bosco “es un espectáculo circense que mezcla el teatro con lo audiovisual, de una manera profunda y arriesgada”. De esta manera, en escena los espectadores verán pinturas del pintor del paraíso acompañadas de textos y mappings, y representadas por las acrobacias de los profesionales. En definitiva, ha añadido Amigo, “esta obra es tratar de entender los últimos 30 segundos de vida del pintor flamenco en los sueños”.

Este viaje a través de los sueños de uno de los pintores medievos más conocidos es un “espectáculo surrealista que sigue la línea común de los cuadros del pintor”, ha argumentado la acróbata Wolff.

Toda la obra de circo estará dirigida por Samuel Tétreault, internacionalmente conocido por sus participaciones en producciones del Circo del Sol y del Cirque Éloize. El director estará acompañado por siete acróbatas, tres técnicos de sonido y tres técnicos en bakstage. Los encargados de representar los cuadros trabajarán en las modalidades de malabares, acrobacias aéreas, trapecio y palo chino, para ofrecer al espectador el auténtico sentimiento del Circo del Sol en Córdoba.

El ciclo “Vamos al teatro” cuenta con una programación media de tres espectáculos por trimestre

En esta edición, Unicaja Banco es el patrocinador de “Butaca familiar”

El presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), David Luque, ha presentado esta mañana la programación de los ciclos “Butaca familiar” y “Vamos al Teatro”, junto a Andrés Pino, concejal de Educación e Infancia del Ayuntamiento de Córdoba. Según ha manifestado el también delegado de Cultura, “en nuestro ámbito apostamos por estos programas porque son los cimientos de futuras personas cultas y consumidoras de cultura, que darán como resultado mejores sociedades”. Así, el IMAE ha vuelto a apostar por la programación infantil una temporada más. En esta ocasión, el conjunto de espectáculos está dividido en dos grupos. Por una parte, “Vamos al teatro”, donde los centros educativos vienen a ver la obra”, ha aclarado Luque; y, por otra, “Butaca familiar”, con el que “buscamos que los niños traigan de la mano a sus familias para ver las artes escénicas”, ha argumentado el edil.

Ambos ciclos, según la programación 2018-2019 del IMAE, tiene una programación idéntica, con la única diferencia de horario. En este sentido, los espectáculos de “Butaca familiar” tienen un horario de domingo por la tarde; mientras que, “Vamos al teatro” está programado para los lunes y martes por la mañana. “En definitiva hay cinco pases por obra”, ha aclarado el delegado de cultura. 

En este sentido, los ediles han confirmado que este año hay tres espectáculos por trimestre, con una media de uno al mes. La programación infantil ha comenzado esta semana con la representación de guiñoles de “El sastrecillo valiente”; en noviembre está ya a la venta “Moby Dick” y concluirá el año con “La gallina de los huevos de oro”, también a la venta en la web del IMAE. Para enero, aunque aún no están a la venta las localidades, están incluidos en programa los espectáculos de “Alicia en el País de las Maravillas” y “Kiti Kraft”. “Clown sin tierra” será la obra que cierre el segundo trimestre escolar. Para el último trimestre están en cartelera, “La Principita”, “Acábate la sopa” y “Frankenstein. No soy un monstruo”, repartidas entre los meses de marzo, abril y mayo. 

Según ha manifestado Pino, en todos los pases “esperamos un lleno absoluto porque hay más demanda que oferta”. De esta manera, el IMAE ha barajado la cantidad de unas 1900 o 2000 personas por espectáculo de “Vamos al teatro”, entre el total están registrados los alumnos, los profesores y algunos acompañantes. 

Dentro de la programación infantil, “por segundo año consecutivo, hemos unificado también los ciclos de música con los conciertos familiares y didácticos de la Orquesta de Córdoba”, ha confirmado el edil de educación. El primero de estos conciertos, “Ha nacido una orquesta”, está programado para enero; el segundo, “El carnaval de los animales (1886)”, para marzo; y el tercero, “Las aventuras de mi amigo Till” para mayo. “estos espectáculos se completarán con los conciertos por barrios, como cada año”, ha concluido Pino. 

En esta ocasión, los delegados han agradecido la colaboración de Unicaja Banco porque “a partir de ahora va ser cómplice extraordinario de que en las próximas décadas aumente el consumo de cultura en Córdoba”, ha confirmado Pino. Con esta valoración ha coincidido Luque, quien ha manifestado que “gracias a estas actuaciones, este tipo de programas van calando y nos damos cuenta de que esta inercia es positiva para los niños y para la sociedad en general”.

Folleto con la programación completa

Alejandro Hurtado presenta mañana martes en la Sala Polifemo su concierto de guitarra flamenca con aromas clásicos

Un joven intérprete, Alejandro Hurtado, sube mañana martes al escenario de la Sala Polifemo del Teatro Góngora (20:30 horas) para ofrecer un concierto en el que su guitarra mostrará cómo la música clásica y la flamenca son dos estilos que, a pesar de sus diferencias, se han influenciado el uno al otro a través de la historia. En el programa que presentará ante el público, el artista alicantino quiere poner de manifiesto esta influencia a través de una selección de piezas representativas de ambos repertorios, obras que domina gracias a su sólida formación como guitarrista clásico y a su trayectoria como guitarrista flamenco.

En el texto de presentación del recital, promovido por la Asociación de Amigos de la Guitarra Clásica “Miguel Barberá”, se hace notar que la presencia de lo flamenco en la música clásica para guitarra la encontramos “desde las piezas donde lo flamenco es una simple evocación de ambientes o ritmos , hasta aquellas en las que el paralelismo es total con los correspondientes estilos flamencos”. En el programa que ejecutará Alejandro Hurtado se escucharán piezas de guitarra clásica con enorme similitud con los estilos flamencos en los que se inspiran, como el Zapateado de Joaquín Rodrigo o la Guajira de Emilio Pujol. También habrá otras, como la Rondeña de Regino Sainz de la Maza o la Gran Jota de Francisco Tárrega, en las que lo flamenco sirve solo de inspiración, sin encontrar referencias claras. Por último, el programa incluye composiciones netamente flamencas del propio guitarrista: Taranta, Soleá, Petenera, Seguiriya y Bulerías.

Tras largos años de preparación, y un buen numero de éxitos previos, la carrera artística del joven guitarrista toma una nueva dimensión a partir de 2017, año en el que, apenas unos meses después de terminar sus estudios superiores de Guitarra Flamenca en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba con Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera, obtiene uno de los principales galardones que existen en el mundo de la guitarra flamenca: el Bordón Minero del Festival Internacional del Cante de las Minas, tras varias ediciones en las que había quedado desierto. Ese mismo año, una de las figuras más relevantes del cante actual, Mayte Martín, se fija en él y lo incorpora como guitarrista oficial en todos sus espectáculos.

Estos reconocimientos no son casuales, sino fruto de un talento excepcional y un trabajo metódico y riguroso durante mucho tiempo. Desde que se inició en el mundo de la guitarra con apenas 9 años, Alejandro no ha dejado de sorprender por la rapidez de su evolución, tanto técnica como musical. Sin duda su formación clásica -iniciada en el Conservatorio Profesional de su ciudad natal, San Vicente del Raspeig (Alicante)- ha marcado su toque con una limpieza de ejecución inusual entre los guitarristas flamencos. Su formación en este último ámbito musical comenzó también en su pueblo, de la mano de varios maestros, entre ellos, el legendario guitarrista Arturo Cerreduela “El Nani”, con quien aprende los secretos de la guitarra de Caño Roto-. Su interés por lo jondo se fue acrecentando año tras año, de tal modo que la guitarra flamenca se fue convirtiendo en su principal objeto de estudio y el eje de su carrera profesional.

El maestro Antonio Fernández Díaz “Fosforito” ha dicho del joven intérprete que después de haber conocido a lo largo de su trayectoria “a los mejores guitarristas de mi tiempo, empezando por Niño Ricardo y pasando por el genial Paco de Lucía, doy fe de la enorme capacidad guitarrística de Alejandro Hurtado, y no me cabe duda de que está llamado a ocupar un lugar de privilegio en el mundo de la guitarra flamenca”.

Lolita Flores llega a Córdoba con ‘Fedra’, de Paco Bezerra

Las funciones tendrán lugar en el Gran Teatro el 26 y 27 de octubre

Después de su exitoso estreno en la 64 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Fedra, de Paco Bezerra, llega a Córdoba. Esta producción de Pentación Espectáculos y del Festival de Mérida estará en el Gran Teatro el 26 y 27 de octubre a las 20:30 horas. Lolita Flores, Juan Fernández, Críspulo Cabezas, Eneko Sagardoy y Tina Sáinz forman el reparto de esta obra basada en la tragedia Hipólito de Eurípides bajo la dirección de Luis Luque.

Sinopsis

Fedra, la reina de la Isla del Volcán, está enferma: ni come ni habla ni duerme. Los médicos son incapaces de averiguar el origen de su padecimiento y el país entero anda preocupado por su estado de salud. Algunos dicen que se ha vuelto loca. Otros, que las largas ausencias de su esposo, el rey de la isla, han terminado por devastar y asolar su corazón, pero nadie conoce la verdad y todos se equivocan. Y es que la gran responsable de la dolencia de Fedra no es otra que una pasión que la atormenta desde hace tiempo y que ya no puede reprimir más; un erotismo inmoral e impúdico, un deseo violento e indómito, un amor prisionero e indecente.

Carta del director

El amor, en muchos casos, es sinónimo de dicha y felicidad, pero, en otros, es también tormento y grandísima condena (en especial cuando te enamoras de la persona que no debes). Pero, ¿cómo actuar cuando la razón y el deseo entran en conflicto? ¿Es más justo atender a lo que plantea el cerebro o a lo que demanda el corazón? ¿Qué debería pesar más? ¿Pensar osentir? Tradicionalmente, éste es el conflicto interno al que siempre ha tenido que enfrentarse Fedra, un personaje que, atrapado en las redes de la tragedia, se debate y no se puede decidir. Y esto mismo es lo que la ha terminado convirtiendo en un personaje un tanto inactivo, alguien que, incapaz de elegir, se decide por darle la mano a la muerte como la mejor de las opciones. Lo que hemos querido con esta Fedra es sacar al personaje de ese letargo en el que siempre se ha encontrado para crear una mujer más combativa y con menos miedo; una persona que, huyendo de la tragedia, se sumerja de lleno en ella y peleé frente a frente; una mujer exenta de culpa, capaz de luchar por lo que quiere, y que, ante todo, se atreva a amar. Por esto, la escenografía elegida es un lugar emocional, un lugar tan grande como un volcán en mitad de una isla rodeada por un mar antiguo. Un espacio que es una grieta en el pecho, un hueco por el que se ha salido el corazón de nuestra protagonista. Una puesta en escena en donde las artes visuales y la música serán vehiculares de esta historia violenta. Una Fedra contemporánea que nos venga a hablar sin tapujos y sin temor de la libertad de amar. Entender las razones de su corazón para aprender a respetarnos y, de esta forma, mejor amarnos. Convertir el gran teatro romano de Mérida en el pecho de Fedra y refugiarnos en él. El volcán está a punto de entrar en erupción.

Luis Luque y Paco Bezerra

 

FOTOS Y DOSSIER CLICK AQUÍ

La Sala Polifemo acoge el jueves Jazz en la pecera, un espectáculo de teatro musical y suspense que recorre la historia del jazz con banda en directo

El espectáculo inicia el ciclo Off Topic esta temporada

La Sala Polifemo del Teatro Góngora acoge el próximo jueves Jazz en la pecera, un espectáculo de teatro musical que abre el ciclo Off topic esta temporada. El montaje, un proyecto de la compañía Teatro del Gallinero y GNP Producciones que cuenta con la música en directo de La Pecera Jazz Quartet, obtuvo el Premio Especial del Jurado en la pasada edición de la Feria del Teatro en el Sur de Palma del Río.

El espectador asiste a la emisión de un especial de un programa de radio que recorre la historia del jazz, mientras suena la música interpretada in situ por una banda. Durante el espacio, la locutora del programa, María Moreno -interpretada por la actriz María J. Castañeda-, espera el resultado de una investigación que aclarará su identidad, su pasado y que hasta puede modificar la historia del jazz tal como la conocemos hoy.

Un error técnico hará que el programa tenga que emitirse en directo, aunque todo se desarrolla con normalidad: se escuchará a grandes estrellas de la música, como la emperatriz del blues Bessie Smith, los grandes Louis Amstrong y Glenn Miller, o el maestro del gipsy jazz: Django Reinhardt. Pero María recibe una extraña llamada que lo precipita todo, ha de apurar rápidamente las secciones que le restan al programa -el teatro radiofónico, el bebop, el jazz latino…- para ir a recoger los resultados de un importante test que estaba esperando, algo que puede cambiar su historia y la del mismo jazz. O dicho de otro modo: el futuro del jazz depende de una prueba de paternidad y de los recuerdos de su madre durante un festival de jazz a principios de los 80.

En la función, María J. Castañeda interpreta, canta y baila para ofrecer una excelente creación de varios personajes, entre ellos la locutora. La acompaña Paula Padilla, cantante y actriz que también brilla a gran altura. La idea y la dirección de Jazz en la pecera corresponde a Jorge Dubarry, que se ha basado en un texto de Javier Berger. Por su parte, el cuarteto de jazz encargado de poner la música en directo lo componen músicos de bandas como O´Sisters! y Tres Bien!: Matías Comino (guitarra y banjo), Pablo Cabra (batería), Daniel González (contrabajo y bajo eléctrico) y Paula Padilla (voz). A lo largo del espectáculo sonarán un repertorio que dibuja la historia del jazz a través de los éxitos de sus grandes intérpretes: desde St Louis blues, de Bessie Smith, a My baby just cares for me, de Nina Simone, pasando por In the moode de Glenn Miller, On the corner de Miles Davis o Anthropology, de Charlie Parker, junto con destacados temas de Luis Armstrong, George Gershwing, Mile Davis, Nat King Cole o John Coltrane, entre otros.

Jazz en la Pecera es el cuarto montaje de Teatro del Gallinero. La compañía sevillana nace en 2012 de la mano de María J. Castañeda, afiliada a los gallineros de los teatros, y del creador Jorge Dubarry. En palabras de sus creadores, sus intención es “contar historias de personas, de vidas, retales de realidades… Pinceladas criticas y estéticas acerca del sentir de hoy”.

El IMAE acogerá las XI Jornadas sobre la Inclusión Social y la Educación en las Artes Escénicas en abril de 2019

El Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE) ha reunido esta mañana a las instituciones, agentes y colectivos relacionados con la inclusión social y la Educación, para acotar los términos de cara a las XI Jornadas sobre Inclusión Social y la Educación en las Artes Escénicas. Este evento tiene como fecha prevista los días 2, 3 y 4 de abril del próximo año. En la comisión han estado presentes David Luque, Presidente del Instituto Municipal de Artes Escénicas (IMAE), y Jaime Guerra, asesor técnico del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música.

Este evento se llevará a cabo en colaboración con el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) -Ministerios de Educación y de Cultura- y llegará a Córdoba, después de varias ediciones por distintas ciudades españolas. Según el histórico del curso, estas Jornadas surgieron de una primera colaboración entre el INAEM, el British Council y el desaparecido festival Escena Contemporánea de Madrid. El objetivo inicial era dar visibilidad institucional y artística a una serie de proyectos escénicos y musicales de carácter inclusivo que se estaban desarrollando en España en esos momentos y, al mismo tiempo, mostrar a los profesionales españoles otros ya muy consolidados del Reino Unido.

Debido al éxito que tuvieron en su primera edición en 2009, la Comisión organizadora decidió celebrarla anualmente. En el proceso de organización de las jornadas 2019, en Córdoba, el IMAE ha convocado a instituciones, agentes y colectivos implicados en este ámbito, con interés y experiencia en materia de accesibilidad e inclusión. Así, en esta reunión de trabajo la Comisión Organizadora ha informado sobre el contenido y objetivos de las jornadas, en las que se incluirán las aportaciones de los colectivos invitados. 

La pasada cita de estas jornadas tuvo lugar en Madrid, tras varias ediciones de recorrido por distintas ciudades españolas, teniendo como sede principal el Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional y otros emplazamientos como la Casa Encendida de la Fundación Montemadrid y las sedes de la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Nacional de España. El lema general de trabajo de la pasada edición aspiraba a abrir nuevas vías de debate “RETOS: la conquista de una sociedad más igualitaria a través de las artes”. Durante dos días y medio, trescientos participantes pudieron asistir a las ponencias y debates de prestigiosos profesionales como Lucina Jiménez, Scott Rankin, Jenney Sealey, François Matarasso y Eugene van Erven, así como a actuaciones, talleres y otras actividades.

En los enlaces siguientes se recoge información sobre el ideario de las jornadas, programas de años anteriores, memorias, etc. 

Ideario: https://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/va/dms/mecd/cultura-mecd/areas-cultura/artesescenicas/artes-escenicas-e-inclusion-social/jornadas-sobre-la-inclusion-social/viii-jornadas-sobre-la-inclusion-social/ideario-viii-jornadas.pdf

Información exhaustiva de su desarrollo desde 2009: https://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/va/areas-cultura/artesescenicas/artes-escenicas-e-inclusion-social/jornadas-sobre-la-inclusion-social.html

Salvador Sobral, la exquisitez hecha canción, en concierto el sábado en el Gran Teatro de Córdoba

El Gran Teatro de Córdoba recibe mañana al que hay quien ha denominado el cantante del momento: Salvador Sobral. El artista portugués recala en la ciudad por vez primera en el marco de la gira con la que, desde este verano, recorre España para presentar sus creaciones, con una atención especial a su primer disco, Excuse me. Un trabajo que se despliega ante el oyente a la manera de un viaje que comienza en el jazz, recorre las influencias de la bossa nova y se impregna de las melódicas sonoridades de América Latina. En suma, una propuesta que sustancia la esencia de este intérprete y compositor definido por un crítico como “la exquisitez hecha canción popular”.

La voz cálida y cautivadora de Sobral se presenta en esta gira en formato de trío, una estructura que potencia la intimidad de sus temas. Lo acompañan en el escenario unos excelentes músicos capitaneados por Júlio Resende, uno de los mejores pianistas de jazz de Europa y co-productor del disco. Completan el terceto el contrabajista André Rosinha y el baterista Bruno Pedroso, ambos con una sólida y brillante carrera.

Salvador Vilar Braamcamp Sobral (Lisboa, 1989) se dio al conocer al gran público con Amar pelos dois, una canción escrita y producida por su hermana Luisa con la que arrasó en el Festival de Eurovisión de 2017 y que supuso el primer triunfo para Portugal en este veterano certamen, en el que además marcó un récord logrando la máxima puntuación lograda por un país en la historia del festival. Aquel tema, “influenciado -explica su autor e intérprete- por los clásicos estadounidenses y con un toque de las bellas melodías de la bossa nova” convirtió al joven y desconocido músico en un acontecimiento internacional.

Antes, Salvador se había forjado musicalmente en Estados Unidos y en el Taller de Músicos de Barcelona, desarrolló varios proyectos, creó espectáculos, dio voz a la banda indie-pop Noko Woi y y vuelve a Portugal, donde lanza en 2016 Excuse me, el primer disco de su autoría.

A Eurovisión acudió con un permiso especial de los médicos para poder viajar, afectado ya, en aquel momento, por un grave problema cardíaco que, poco después, frenó su deslumbrante éxito en la escena musical. Hoy, totalmente recuperado de un trasplante de corazón, el cantante y compositor luso continúa, con más fuerza si cabe, un camino musical fiel a su sello: libertad creativa, sofistificación, autenticidad, exquisitez y una emocionante relación con la canción popular.

Su admirado Caetano Veloso define a Salvador Sobral con estas palabras: “Delicadeza, musicalidad natural, concentración, respeto por la historia de la canción… en definitiva, civilización y cultura elevadas. Para mí, Salvador se ha convertido en una de las referencias de la música mundial”. Un fenómeno imparable que sus seguidores pueden disfrutar en esta gira en los escenarios españoles y, mañana sábado, en el Gran Teatro de Córdoba.

El Gran Teatro acoge mañana la adaptación teatral de Ben-Hur en clave cómica, una versión de Nancho Novo a cargo de la compañía Yllana

Ben-Hur, la novela de Levis Wallace mundialmente conocida por su adaptación cinematográfica, llega mañana viernes al Gran Teatro de Córdoba en una versión escénica firmada por Nancho Novo, que ha reinterpretado en clave cómica al mítico personaje. Se trata de una original propuesta que sus artífices estrenaron el pasado mes de julio en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con una excelente acogida de público y crítica. La puesta en escena corre a cargo de la veterana compañía madrileña Yllana, con la dirección artística de David Ottone y Juan Ramos Toro.

Sobre el escenario, convertido en un teatro romano, una compañía del siglo I anuncia que va a representar “La verdadera y nunca contada historia de Ben-Hur”. Fieles al contenido de la novela, la obra viaja por todos los lugares comunes del imaginario colectivo: los Magos de Oriente siguiendo una estrella que los guía al portal de Belén, el lanzamiento por un insurrecto de una teja que hiere al prefecto romano y cuyas consecuencias arrastrarán al protagonista a una agitada aventura, la aparición en escena de Jesucristo, la emocionante carrera de cuádrigas y la acérrima rivalidad entre dos antiguos amigos del alma: el judío Ben-Hur y el romano Messala. O quizás no, porque sobre el escenario del teatro, en esta historia las cosas no son lo que parecen.

El Ben-Hur del tándem formado por Yllana y Novo es una nueva y original mirada sobre el popular personaje desde la perspectiva del humor. Con un ritmo trepidante y un ingenio visual que ellos han definido como Teatromascope en el que se utiliza una pantalla de 18 metros con la que los personajes interactúan durante la obra, el montaje propone un juego constante entre el lenguaje cinematográfico y el teatral, una estrategia que persigue acercar la épica historia al espectador de hoy sin perder un ápice de su grandiosidad.

La obra está plagada de ingeniosos gags, mordaces y absurdos diálogos, divertidas situaciones y una curiosa reflexión sobre la verdad, el amor y la lucha de género. Una comedia llena de ritmo con influencias de películas de los Monty Pytthon como La vida de Brian, y en la que se han utilizado muchas referencias de la famosa película protagonizada por Charlton Heston como Ben-Hur en 1959, explican los directores del montaje.

El reparto de la función lo componen Eva Isanta, Agustín Jiménez, Elena Lombao, Richards CollinsMoore, Víctor Massan y Fael García. Cuatro actores y dos actrices que dan vida a multitud de personajes para mostrar al público, “esta vez sin cortapisas”, según sus creadores, “todo lo que nadie se atrevió a contar sobre Ben-Hur”.

La Quinta Angustia presenta el concierto extraordinario junto al compositor Marvizón y el Coro de Ópera Cajasur

El evento benéfico es el domingo, 11 de noviembre.

Rafael Jaén, Hermano Mayor de la Pro-hermandad de la Quinta Angustia de Córdoba, ha presentado esta mañana el concierto benéfico que tendrá lugar el próximo día 11 de noviembre en el Gran Teatro. El espectáculo, según ha aclarado Jaén, estará compuesto por obras del compositor Manuel Marvizón, a cargo de la Orquesta de Córdoba y el Coro Cajasur.

Marvizón se mostró muy agradecido por “estar presente en este concierto distinto y diferente”. En esta línea, el músico aclaró que el espectáculo será dinámico y variado. “Tendremos pasodoble, flamenco y marchas cofrades”. Dentro de esta última modalidad musical, Jaén anunció que la Orquesta de Córdoba y el Coro Ópera Cajasur serán los encargados de dar voz al estreno de la marcha procesional Quinta Angustia. “Esta es la primera marcha de Marvizón en Córdoba”, confirmó Jaén.

La presidenta del Coro, Esperanza Pardo, añadió que para ellos “es un honor volver al Gran Teatro que nos vio nacer hace 30 años”. Así bien, Pardo mostró su aprobación por la diversidad musical y destacó que “al mundo cofrade le tenemos un cariño especial, por lo que estamos encantados de participar en este concierto”.

La Fundación Bangassou será la beneficiaria del concierto organizamos por la Quinta Angustia. En cuanto a la fecha, Jaén puntualizó que es un domingo a las 12.00 horas, “porque queremos que venga la familia a este concierto extraordinario”. El hermano mayor, añadió que además de la marcha Quinta Angustia, “la Orquesta y el Coro estrenarán el primer movimiento del Poema Sinfónico “Jardín de la vida”, titulado “Amanecer el Córdoba”. 

Teatro Góngora: Héctor Alterio, acompañado por la guitarra de José Luis Merlín, interpreta los versos de León Felipe en «Como hace 3.000 años…»

El actor Héctor Alterio y el músico José Luis Merlín protagonizan mañana viernes en el Teatro Góngora Como hace 3.000 años…, un proyecto que es la culminación de un deseo personal del artista argentino por interpretar una selección de poemas de León Felipe (1884- 1968), poeta de la rebeldía y el destierro, con los que se identifica de manera plena. La originalidad de la propuesta de Alterio reside en que no pone voz a los versos de una forma clásica, sino que los interpreta. De esta forma, no es la métrica o la melodía lo que marca lo que ocurre en escena, sino la interpretación. “Yo no recito -explica-, yo interpreto. Soy actor y ese es mi trabajo. En este caso los poemas de León Felipe hacen que puedan ser interpretados porque él escribe como dramatizando la situación”.

El repertorio del espectáculo pretende ofrecer al público, según sus creadores, la “perfecta armonía” entre los poemas del autor zamorano y las composiciones originales de Joaquín Turina, Ástor Piazzolla, Joaquín Rodrigo, Francisco Tárrega y el propio José Luis Merlín, que las interpreta a la guitarra.

La selección de textos -entre los que encontramos poemas de León Felipe como Escuela, Y no sé nada, Vencidos, La ventana, Pero por qué habla tan alto el español o Qué lástima, entre otros- no tiene un denominador común, y sin embargo, resaltan la manifestación de unos sentimientos compartidos entre el autor y el intérprete. Alterio confiesa que, desde adolescente, “siempre me ha maravillado su manera de escribir poemas; su universo me atrajo de una manera impactante, porque tiene un estilo muy particular, lleno de contradicciones, antipatías y simpatías. Me identifico con su rebeldía e incluso, con sus dudas y equivocaciones”.

La admiración del actor por este poeta “maldito” español, exiliado en México, donde murió, y que nunca obtuvo en su país el reconocimiento de otros colegas suyos contemporáneos, es compartido por el compositor y guitarrista, también argentino, José Luis Merlín, que conoció la obra de León Felipe a través de Paco Ibáñez. En cierto modo, el espectáculo constituye también una “reivindicación “ de la altura poética del autor castellano. “En México -comenta Alterio- se le rinde homenaje permanente, mientras que en España nunca fue reconocido, ni durante la dictadura, ni después”.

El actor explica que el título del espectáculo, Como hace 3.000 años…, tiene su origen en un poema del escritor argentino Esteban Agüero, en el que “expresa el deseo de que volvamos a lo que hacía Homero hace tres mil años, que recitando poemas congregaba a mucha gente a su alrededor. Es una intención de que se cumpla ese deseo”.