Tras su triunfal estancia en el West End de Londres, comienza la gira por España de El Guardaespaldas, el musical basado en la aclamada película escrita por Lawrence Kasdan (guionista de películas como El imperio contraataca, El arca perdida) y protagonizada por Kevin Costner y Whitney Houston.
El espectáculo llega al Gran Teatro de Córdoba el 22 de enero dirigido por Federico Bellone (entre sus últimos trabajos destacan Ghost, el musical, Dirty Dancing y Mary Poppins (Italia) de Disney y Cameron Mackintosh) y de la mano de LETSGO, productora y promotora de espectáculos con gran proyección internacional, que cumple este año su décimo aniversario y que ya es conocida en Córdoba por llevar espectáculos como la saga The Hole, Dirty Dancing y La Familia Addams, que cuentan con un absoluto éxito de público.
Con libreto de Alexander Dinelaris, el musical El Guardaespaldas recrea la relación entre una diva de la canción y su guardaespaldas. La productora tiene previsto comunicar próximamente el elenco que protagonizará el espectáculo y las siguientes ciudades de la gira.
Sinopsis:
Frank Farmer, ex agente del Servicio Secreto, es contratado para proteger a la superestrella Rachel Marron de un acosador desconocido. Cada uno sabe qué esperar del otro. Lo que no esperaban era enamorarse.
Copenhague llega mañana sábado al Gran Teatro en un montaje protagonizado por dos pesos pesados de la escena española: Emilio Gutiérrez Caba y Carlos Hipólito, con Malena Gutiérrez cerrando el reparto y bajo la dirección del argentino Claudio Tolcachir, muy bien acogido en nuestro país por sus trabajos. Un trío de actores de sólido y consolidado talento para interpretar un claro ejemplo de teatro de texto y de reflexión. El dramaturgo británico Michael Frayn recibió el Premio Tony a la mejor obra de teatro por Copenhague, que también es una de las piezas más galardonadas y representadas de los últimos años.
El espectáculo narra el encuentro que tuvo lugar en 1941 en la capital de Dinamarca, ocupada por las tropas de Hitler, entre el gran científico danés Niels Bohr, acompañado por su esposa, y su antiguo alumno el alemán Werner Heisenberg, representante de los estamentos nazis. Ambos representan posiciones muy dispares por la situación enfrentada de sus dos países durante la Segunda Guerra Mundial. Maestro y discípulo, interpretados por Emilio Gutiérrez Caba y Carlos Hipólito respectivamente, se enfrentan al problema ético del uso de los avances en física teórica para el desarrollo de armamento nuclear en el conflicto que el mundo estaba viviendo.
Todo son conjeturas sobre aquel misterioso encuentro en la ciudad de Copenhague, que algunos han querido ver como decisivo para que la balanza de la guerra se inclinase a favor de los aliados, impidiendo la creación de la bomba atómica por parte de los alemanes y, tal vez, la victoria nazi en la contienda. En realidad, poco o nada ha trascendido de lo que allí se habló. La obra de Frayn -”para mí uno de los textos más importantes de las últimas décadas”, en opinión de Gutiérrez Caba”- intenta arrojar luz sobre este asunto. Por razones que no están establecidas desde el punto de vista histórico, estos dos gigantes de la ciencia mundial rompieron relaciones de manera permanente después de esta entrevista. Esta ruptura causó gran revuelo en el mundo de la ciencia y produjo numerosas especulaciones sobre sus razones. Y más si se tiene en cuenta que Heisenberg había sido el estudiante predilecto de Bohr, una circunstancia que la obra tiene en cuenta al presentar un trasfondo y un enfoque humanista en la relación entre alumno y profesor.
Hitler nunca pudo llevar a cabo su propósito de fabricar la bomba atómica. “Afortunadamente, porque Europa no sería tal y como la conocemos hoy”, destaca Hipólito. El actor considera que su personaje, el físico alemán, “es apasionante y muy contradictorio. Varias biografías dicen que Heisenberg no logró construir la bomba nuclear para el líder nazi porque le fallaron los cálculos, pero la tesis de la obra de Frayn hace al personaje más atractivo. El autor considera que él científico no quiso dar la la bomba a Hitler y así logró frenar algo que hubiera acabado con Europa”.
Para Gutiérrez Caba, Copenhague habla de algo “muy interesante: los dilemas éticos de
la ciencia y también de la condición humana en su aspecto ético”. El intérprete del científico danés se muestra, en general, muy poco optimista con el mundo en que vivimos. “La historia de la humanidad desde hace 150 años es la historia de una metedura de pata constante, de una insensatez y de una incompetencia por parte de los gobernantes y los militares asombrosa”, considera.
En cuanto al duelo interpretativo que supone la función -sin olvidar el buen trabajo de Malena Gutiérrez- el veterano actor destaca que “es un montaje espectacular en el sentido de enfrentamiento actoral entre los dos. Para mí es estupendo poder competir en un escenario de la manera más leal posible con Carlos . Es uno de los mejores actores españoles que hay”. En el caso de Hipólito, el actor afirma que “Gutiérez Caba y su familia son unos referentes por la forma de encarar este oficio”. Lo indudable, según la opinión general, es que ambos pertenecen a esa rara estirpe de actores reconocidos y queridos por igual por el gran público y la crítica.
La Sala Polifemo del Teatro Góngora acoge mañana martes (20:30 horas) un concierto de guitarra clásica a cargo de Gabriel Guillén. El músico venezolano interpretará un programa que incluye Tres sonatas de Domenico Scarlatti, Rossiniana nº 1, de Mauro Giuliani, Gran Trémolo y La Catedral, de Agustín Barrios Mangoré, Asturias, Sevilla y Torre Bermeja, de Isaac Albéniz, y Cuatro piezas, de Antonio Lauro. El recital es fruto de la colaboración del Instituto Municipal de las Artes Escénicas Gran Teatro de Córdoba (IMAE) y la Asociación de Amigos de la Guitarra Clásica “Miguel Barberá”, gracias a la cual se han programado esta temporada en la Sala Polifemo tres recitales con este instrumento como protagonista.
Inaugura el ciclo Gabriel Guillén (Maracay, Venezuela), uno de los más prominentes profesores de guitarra clásica en Austria. Estudió en Sudamérica con destacados maestros y en 1987 fue el ganador del prestigioso concurso “Antonio Lauro”. Durante esa época participó en clases magistrales con Abel Carlevaro, Rafael Benatar, Bartolomé Díaz y Franka Verhagen. Posteriormente se trasladó a Viena donde continuó estudios con el profesor Walter Würdinger, así como con Konrad Ragonish en Zurich.
El guitarrista venezolano ha obtenido excelentes críticas por sus conciertos en Europa, Sudamérica, Estados Unidos y Japón. Ha recibido el Merit Award del gobierno austriaco, el Kery Award, el Premio Artinger y el Premio Amigo de Venezuela.
Sus grabaciones para los sellos Philips y Record.v4m han recibido elogios internacionales. Es profesor en el Conservatorio Joseph Haydn en Eisenstadt y en el Conservatorio Richard Wagner en Viena, y ha impartido clases magistrales y ofrecido conciertos en más de 34 países. En la actualidad es director artístico del Festival Internacional de Guitarra de Rust, en Austria.
El Gran Teatro acoge mañana sábado Divinas Palabras, una de las obras más conocidas de Ramón María del Valle Inclán y la más universal del autor gallego. Considerada una obra cumbre del teatro español, el montaje que la trae a Córdoba está dirigido por José Carlos Plaza, responsable también de la dramaturgia. La actriz María Adánez encabeza un sólido reparto coral en el que figuran Alberto Berzal, Ana Marzoa, Chema León y Diana Palazón, entre otros intérpretes.
Con el subtítulo Tragicomedia de aldea, Divinas Palabras se publicó en 1919, por lo que se cumple ahora su centenario. Se estrenó en 1933 en el Teatro Español de Madrid, dirigida por Cipriano Rivas Cherif y con Margarita Xirgú en uno de los principales papeles. La obra supone la culminación del ciclo mítico de Valle Inclán, con una estética muy cercana a sus esperpentos y el resultado de la unión de elementos trágicos, dramáticos, cómicos y grotescos, siguiendo la línea de las pinturas negras de Goya, una influencia evidente, así como la de Solana. El autor muestra un desgarrador retrato del lado más oscuro y cruel de la sociedad española de la época, una imagen que cobra cada día más vigencia en un mundo en el que el hombre es un lobo para el hombre.
En palabras de José Carlos Plaza, la obra “es el exponente más moderno, el engranaje más perfecto y el cénit en el que el teatro español alcanza su máximo nivel, hoy en día aún no superado”. Para el veterano y reconocido director, se trata de la tercera vez que trabaja con este texto, tras dirigirlo en dos ocasiones: en 1976 para la compañía vasca Orain y en versión operística en 1997, con música de Antón García Abril.
Valle-Inclán ofrece en Divinas Palabras su visión esperpéntica de la realidad a través de la codicia y la avaricia que despierta un enano hidrocéfalo, expuesto en las ferias por sus familiares para conseguir dinero. Muestra así la insolidaridad y las miserias de un país que podría ser el actual, según el director. “En España -afirma- vamos del insulto a la descalificación, no se puede ir más bajo en un mundo que nos empuja a ser peores como seres humanos”. Plaza, no obstante, llama la atención sobre la belleza del texto creado por Valle: “Es un lenguaje muy hermoso y lo utiliza para envolver toda esa negrura que encarna cada uno de los personajes y la historia. Las palabras tienen un tono exuberante, inventado, mezcla de expresionismo e impresionismo, y se transforman en algo poético, de una belleza insuperable”.
Destaca también el director la “modernísima visión del concepto teatral” que tiene el autor, al hacer que los espacios se multipliquen y mezclando el realismo, el esperpento, lo arcaico y lo esotérico para producir una “verdadera borrachera de imágenes”. Y explica que los once actores y actrices del elenco interpretan, casi todos, más de un papel para
dar vida a los más de cincuenta personajes ideados por el autor. Todos ellos, sin embargo, tienen algo en común: son seres sórdidos y miserables que revuelven al espectador en su butaca y le hacen pensar.
María Adánez se estrena en esta función a las órdenes de Plaza, Premio Nacional de Teatro en tres ocasiones. La actriz asegura que ha sido un trabajo “duro, intenso, pero satisfactorio, y realizado por todo el elenco artístico desde la honestidad”. La actriz interpreta a Mari Gaila, la protagonista, “un personaje tan primitivo como los demás que componen la trama, que se mueve por instinto, por la codicia; hay poca humanidad en ella, pero también lucha por su libertad dentro de un entorno opresivo y machista, que la castiga por su libertad sexual y por poder elegir”.
Del Pozo presenta los conciertos conjuntos de ambas formaciones en el Gran Teatro de Córdoba y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.
La Orquesta Joven de Andalucía (OJA) y la Fundación Pública Andaluza Barenboim-Said, ambas adscritas a la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico, realizarán un encuentro extraordinario conjunto que culminará con la realización de dos conciertos -los días 3 y 4 de enero de 2020- bajo la dirección del maestro Pablo Heras-Casado. Esta iniciativa cierra la conmemoración de los 25 años de la Orquesta Joven de Andalucía (OJA) y de los 15 de la Fundación Barenboim-Said y cuenta con la colaboración de la Fundación Cajasol.
Patricia del Pozo ha participado en la presentación de este encuentro en el Teatro de la Maestranza junto a Pablo Heras-Casado. “Se trata de celebrar la pujanza y la vitalidad de los dos proyectos de la Junta de Andalucía centrados en la formación de jóvenes talentos musicales”, ha indicado Del Pozo, quien ha estado acompañada por la secretaria general de Innovación Cultural, Mar Sánchez Estrella; la directora-gerente de la Fundación Barenboim-Said, Muriel Páez, y la subdirectora de Cultura y Acción Social de la Fundación Cajasol, Gloria Ruiz.
Patricia del Pozo ha destacado que “cada una de las iniciativas, con su enfoque y personalidad, han permitido complementar la formación de los jóvenes valores musicales andaluces y acortar la distancia existente entre el fin de la etapa formativa de los músicos y facilitar su incorporación a la vida profesional activa”, al tiempo que ha subrayado “la importancia que tiene para estos músicos en formación el encuentro con un maestro de la talla de Pablo Heras-Casado”.
Pablo Heras-Casado, que actuará por primera vez en el Teatro de la Maestranza, ha recordado su paso por estas formaciones. “Una de mis primeras experiencias orquestales fue poder dirigir a la OJA como director asistente de la mano de Juan de Udaeta. También participé en un encuentro de la West-Eastern Divan Orchestra, vinculada directamente a la figura de Barenboim y a la Fundación. Volver veinte años más tarde y colaborar con la OJA y la Fundación Barenboim-Said, que son cantera de grandes orquestas del mundo, en esta conjunción perfecta de las dos, me produce una inmensa alegría y lo asumo con gran responsabilidad.”
Por otra parte, el maestro granadino ha destacado su compromiso con los jóvenes músicos: “Cada año trabajo con orquestas y conjuntos de jóvenes de todo el mundo, en un deseo personal de apoyar y dar espacio al grandísimo talento de las generaciones que, como en el caso de Andalucía, son las más preparadas que hayamos visto nunca. Me enorgullece que esta vez pueda desarrollar aquí este compromiso personal”
El alumnado de la OJA y la Fundación Barenboim-Said participará entre el 26 y el 30 de diciembre en un encuentro orquestal para preparar el repertorio de la mano de un equipo docente de solistas y titulares de distintas orquestas. El día 3 de enero tendrá lugar el primero de los conciertos en el Gran Teatro de Córdoba, gracias a la colaboración del Instituto Municipal de las Artes Escénicas. La cita en Sevilla será el 4 de enero en el Teatro de la Maestranza. El repertorio de estos conciertos está compuesto por la suite n.º 1 de El Cascanueces de Tchaikovsky y por la Sinfonía n.º 1 en re mayor “Titán” de Mahler.
Este encuentro conjunto de ambas instituciones ofrece a los jóvenes músicos andaluces una posibilidad extraordinaria de aprender de uno de los directores de orquesta españoles más reconocidos del panorama internacional actual y director del Festival de Granada. En 2019 Heras-Casado ha sido además galardonado con la Medalla de Andalucía.
Tanto la Orquesta Joven de Andalucía como la Fundación Barenboim-Said cumplen en 2019 sus respectivos aniversarios: 25 años el Programa Andaluz de Jóvenes Intérpretes, y 15 la Fundación. La celebración de estos aniversarios se inició en diciembre de 2018 con un proyecto conjunto, y en enero de 2020, como broche final, el alumnado de ambas instituciones volverá a reunirse para ofrecer dos conciertos en Andalucía, iniciativa que cuenta con el apoyo de la Fundación Cajasol.
Pablo Heras-Casado es el director del Festival de Granada y el principal director invitado del Teatro Real de Madrid. Muy solicitado por las orquestas sinfónicas más destacadas del mundo, Heras-Casado es invitado frecuentemente para dirigir en Estados Unidos a las orquestas sinfónicas de San Francisco, Chicago y Pittsburgh, la Filarmónica de Los Ángeles y la Orquesta de Filadelfia. En Europa a menudo lidera a la Philharmonia Orchestra y la Sinfónica de Londres, la Orchestre de Paris, la Münchner Philharmoniker, la Staatskapelle Berlin, la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, la Tonhalle-Orchester Zürich, la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia y las orquestas filarmónicas del Teatro Mariinsky y de Israel. Ha dirigido a la Filarmónica de Berlín y la de Viena y recientemente ha comenzado a desarrollar una estrecha colaboración con el Festival de Verbier.
El maestro Heras-Casado ha recibido la Medalla de Andalucía 2019, la Medalla de Honor de la Fundación Rodríguez-Acosta y el reconocimiento como Embajador de Andalucía. Es Embajador Honorario y Medalla de Oro al Mérito de su ciudad natal, Granada, así como Ciudadano Honorario de la Provincia. En 2018 fue distinguido “Caballero de la Orden de las Artes y las Letras” de la República Francesa. Asimismo, Heras-Casado desarrolla una labor comprometida y activa con la ONG española Ayuda en Acción, de la cual es Embajador Mundial.
Venta de entradas
Las entradas para ambos conciertos se pondrán a la venta a partir de mañana, 17 de octubre. Las localidades para el primer concierto en el Gran Teatro de Córdoba el 3 de enero, con precios a partir de 10 €, podrán adquirirse a través de www.unientradas.es, en las taquillas del Gran Teatro o en los teléfonos 957 480 644 y 957 480 237. Se pondrán a disposición del público descuentos del 15% en todo el aforo para personas menores de 30 años, mayores de 65 y desempleadas previa acreditación. Este descuento solo está disponible en la taquilla del teatro.
Las entradas para el concierto del 4 de enero en el Teatro de la Maestranza, con precios a partir de 11 €, se podrán adquirir a través de https://teatrodelamaestranza.koobin.es/, del teléfono 954 22 65 73 y de la taquilla del teatro. Los menores de 25 años y las personas en situación de desempleo podrán disfrutar de un 50% de descuento en las entradas de paraíso previa acreditación. Este descuento solo está disponible en la taquilla del teatro.
Orquesta Joven de Andalucía
En 2019 el Programa Andaluz para Jóvenes Intérpretes, desarrollado por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura, celebra su 25 aniversario. Este proyecto persigue un doble objetivo: complementar la formación orquestal y vocal de los jóvenes valores musicales andaluces como miembros de un conjunto sinfónico, de una agrupación coral o como solistas en distintos géneros y repertorios; y acortar la distancia existente entre el fin de la etapa formativa de los músicos y su posterior incorporación a la vida profesional activa, ofreciendo una gran oportunidad a estos como plataforma de salida laboral, por la gran diferenciación que supone para ellos el haber participado en un proyecto educativo de gran excelencia académica y musical.
Fundación Barenboim-Said
La Fundación Pública Andaluza Barenboim-Said conmemora en 2019 su 15 aniversario habiéndose constituido en un referente nacional en formación musical desde los tres años hasta la incorporación profesional. Esta fundación aspira a promover el espíritu de paz, diálogo y reconciliación, fundamentalmente a través de la música, para lo que desarrolla cuatro grandes proyectos musicales que llevan la educación musical a Andalucía y a Palestina.
El Instituto Municipal de las Artes Escénicas (IMAE), inicia su temporada teatral mañana sábado con El Mago, una obra que llega al Gran Teatro de Córdoba precedida por el respaldo que, desde hace dos décadas, crítica y público otorgan a las creaciones de Juan Mayorga, autor del texto y responsable de la dirección. “Todo es mentira, pero creemos que está lleno de verdad”, afirma. Para demostrarlo en escena ha contado con un elenco formado por María Galiana, José Luis García-Pérez, Ivana Heredia, Julia Piera, Tomás Pozzi y Clara Sanchís. “Todos ellos -añade- son dueños de los secretos de esa magia blanca que es el arte de los grandes intérpretes”. La escenografía de Kurt Allen Wilmer y la música de Jordi Francés, entre otros destacados miembros del equipo, contribuyen a montar el truco.
Nuestro dramaturgo más internacional, autor de piezas como La tortuga de Darwin o Reikiavik, parte aquí de una experiencia que vivió cuando asistía al Circo Price junto a su familia para ver un espectáculo de magia. Al llegar el número de la hipnosis, Mayorga salió voluntario al escenario junto a otras personas para, tras una serie de pruebas, se pudiera seleccionar a aquellas susceptibles de se hipnotizadas. Pese a creer que las estaba haciendo muy bien, fue devuelto a su asiento como no apto y desde allí, entre resignado y resentido, comenzó a imaginar esta obra. Mientras seguía viendo el show, al escritor le asaltaban las preguntas: ¿Y si los seleccionados regresaran a su casa todavía hipnotizados?. Y esto es lo que le ocurre a uno de los personajes, Nadia, interpretada por Clara Sanchís, que al llegar a casa cuenta que ha llegado volando desde el teatro donde sigue hipnotizada. Su experiencia conmociona a su familia e incluso a extraños, dando lugar a una historia fantástica que camina, sin renunciar al humor, hacia la tragedia e incluso el terror.
En ese extravagante planteamiento que sostiene Nadia se asienta todo el juego teatral posterior. “Sea verdad o sea fingida -explica Mayorga- , la hipnosis la sitúa en otro plano que le permite comportarse de manera diferente a lo habitual y mirar cosas a las que en la vida cotidiana no presta atención”. Al liberar a la protagonista de las reglas convencionales de su rutina, el autor abre y exprime un potencial dramático enorme. De este modo, la pieza deriva en un juego teatral sobre la trampa y el artificio, acerca de las ilusiones y los velos que desdibujan la realidad.
Para Mayorga, el teatro y la hipnosis parten de procedimientos afines: los dos son un arte del desdoblamiento y, por ello, el actor se desdobla en un personaje, sin dejar de ser un actor. Pero hay más, en su opinión todos corremos el peligro de fiarnos demasiado de nuestros sentidos y, en esa línea, resalta ”el de la caverna platónica es un mito del que nace lo que podríamos llamar el discurso de la opacidad, según el cual la realidad no es transparente y resulta inaccesible. Ahora mismo vivimos conducidos por algoritmos que nos indican qué y dónde compramos, dónde alojarnos….Y además vivimos rodeados de ficciones que pretenden pasar por por la auténtica realidad. En esta línea resulta muy preocupante que Donald Trump, el dirigente más poderoso del mundo se manifieste a través de tuits”.
Aunque no puede decirse que el teatro de Mayorga sea directamente político, sus obras sí reflejan una mirada moral ante el mundo. Filósofo, matemático, dramaturgo y director de éxito internacional, miembro de la Real Academia desde hace unos meses…, lo que más le preocupa a la hora de escribir, confiesa, se centra en “la fragilidad del ser humano y en su aspiración a la belleza, a la libertad y a la justicia. Ese impulso se halla en la raíz del teatro desde los griegos”.
El Centro Cultural Coreano en colaboración con el Instituto Municipal de las Artes Escénicas Gran Teatro de Córdoba, presenta el espectáculo ` Perfume de Danza´ de mano de la compañía de danza surcoreana Kim Bock Hee Dance Company mañana jueves 27 de junio de 2019, a las 20.30 horas, en el Gran Teatro.
Dicho espectáculo está enmarcado en el Festival de danza contemporánea coreana, Chum Danza, a través del cual se darán a conocer reconocidas compañías de danza contemporánea coreanas en Córdoba, Cádiz y Málaga, en colaboración con festivales y teatros de España.
Pionera en danza contemporánea, Kim Bock Hee Dance Company lleva a cabo una reinterpretación de `Bodas de Sangre´ de Federico García Lorca desarrollando un estilo en el que se funden el budismo, el espíritu coreano y la cultura de Occidente. A través de sus coreografías presenta la perspectiva budista sobre el ciclo continuo de nacimiento y muerte. Las escenas del casamiento y del funeral incorporan elementos visuales con el uso de trajes y movimientos tradicionales coreanos. El pasado año la Compañía actuó en el Teatro Cervantes de Málaga con motivo del Ciclo de Danza 2018 y conquistó a la crítica por su fuerza y técnica. Se espera que en el año 2020 Kim Bock Hee haga una gira por varias ciudades de España.
“Más allá de los efectos narrativos, el trabajo de Kim Bock Hee constituye una reivindicación de la danza como patrimonio. Sin fronteras que valgan” Pablo Bujalance. Málaga Hoy.
Perfume de danza se divide en tres coreografías independientes. La primera, `La flor de la existencia y la flor de la vanidad´ , trata del nihilismo y de la transmigración de los espíritus. Estas obras se basan en las emociones generadas por años de viajar y ver diferentes lugares culturales e históricos.
`Vestigios, Dónde está mi Luna´ con coreografías de Son Kwanjung, y `Bodas de sangre´, la obra principal, que está basada en la obra de teatro de Federico García Lorca, es la representación de un amor trágico y del destino desafortunado de una mujer y dos hombres. La pasión y la emoción que García Lorca quiso transmitir se muestran en esta coreografía a través de la danza de nuestro tiempo.
Esta compañía fue creada en 1971 y fue la primera agrupación de danza contemporánea privada de Corea. Desde su fundación, Kim Bock Hee ha marcado un antes y un después en la danza en el país,realzando los valores humanos, históricos,popularizando la danza contemporánea en Corea y, sobre todo, uniendo el espíritu coreano, el budismo y el confucianismo en el formato de la danza occidental. La compañía ha coreografiado unas ochenta obras. Y ha sido invitada a países como España, Francia, EEUU, Italia, México, Japón, Indonesia, Guatemala, Egipto, Tailandia, Ecuador y Argentina.
La Cubana vuelve a Córdoba después de 6 años sin visitarla, en mayo del 2013. El Gran Teatro nos abre nuevamente las puertas para presentar 6 funciones de nuestro espectáculo, “Adiós Arturo”, que lleva más de 170.000 espectadores en las 261 funciones que hemos realizado a lo largo de la gira que ha visitado Valencia, Pamplona, Torrelavega, Vitoria, Bilbao, Logroño, Castellon, Altea, Elche, Elda, Murcia, Zaragoza, Jerez, Málaga, Sevilla, Cáceres, Cádiz, Las Palmas de Gran Canaria, Santa Cruz de Tenerife, Alicante, Albacete y El Ejido.
Después, el espectáculo visitará Gandía, Palma de Mallorca, Gijón, Valladolid, Vigo, La Coruña y Madrid para terminar finalmente en Barcelona a finales del año 2020.
¿De qué va “Adiós Arturo”?
De lo mismo de siempre: de teatro. Del teatro de la vida. Sí, es cierto, nos repetimos “como los loros”.
La culpa de eso la tiene nuestra “musa” inspirativa que siempre es la misma y es un rico “pozo sin fondo”: el teatro que hacemos en nuestra vida cotidiana y pasa inadvertido como teatro; ese teatro que hay en la calle, en los mercados, en nuestros trabajos, en la familia, con nuestras amistades y en donde desplegamos nuestras dotes interpretativas asistiendo a “paripés”, fiestas, bodas, bautizos, comuniones y entierros. De eso van nuestros espectáculos.
A partir de la muerte a los 101 años de edad de Arturo Cirera Mompou, el polifacético artista conocido internacionalmente, nacido en Córdoba en 1918 cuando su padre de origen catalán ejercía de médico de cabecera en la ciudad, el público conocerá el “verdadero guion” de la vida de éste escritor, pintor, escultor, coleccionista de arte, poeta, compositor musical, dramaturgo, actor y director cordobés.
No podemos desvelar más. El secreto y la sorpresa vuelven a ser los protagonistas del espectáculo y el público lo descubrirá en su momento. Decir, eso sí, que “Adiós Arturo” es un canto a la vida y de cómo hay que vivirla intensamente, dejando en evidencia todas las convenciones sociales y “las tonterías” que nos dificultan el poder hacerlo. Una loca comedia, con toques surreales y que, como siempre, estará aliñada con las cosas que nos caracterizan y al más puro estilo La Cubana: con participación del público, sorpresas, música y mucho humor.
Un espectáculo escrito y dirigido por Jordi Milán, que será interpretado por: Jaume Baucis, Xavi Tena, Toni Torres, Nuria Benet, Àlex Gonzàlez, Babeth Ripoll, Montse Amat, Toni Sans, Edu Ferrés y Virginia Melgar.
Coprotagonizada por Jordi Rebellón, con Irene Gamell, Emmanuel Medina y Ana Mayo
La obra estará en el Gran Teatro los días 1 y 2 de junio a las 20.30h
Concha Velasco prosigue su gira con El Funeral, de Pentación Espectáculos, una comedia escrita y dirigida por su hijo Manuel M. Velasco, en la que es la primera colaboración de ambos sobre las tablas. La obra se representará en el Gran Teatro los días 1 y 2 de junio a las 20:30 h.
La actriz vallisoletana, que interpreta a Lucrecia Conti, una diva del cine, el teatro y la televisión recién fallecida, estará acompañada en este velatorio por Jordi Rebellón que da vida a Alberto Luján, su representante; y por dos nietas, Ainhoa y Mayte (Ana Mayo e Irene Gamell), así como por Miguel (Emmanuel Medina), un primo lejano cuyo parentesco real es desconocido.
Lo que parecía que iba a ser una conmovedora despedida llena de homenajes, se torna en una sorprendente comedia al aparecerse a los presentes Lucrecia, en forma de fantasma, que se resiste a pasar a mejor vida sin dejar resueltos algunos asuntos profesionales y personales.
Los asistentes al velatorio se verán envueltos en los acontecimientos de una función que, desde el primer momento, rompe la cuarta pared e invita al público a participar tanto en la triste despedida como en los divertidos enredos que Lucrecia y Luján, las sobrinas y el primo, tienen que resolver.
A lo largo de los 90 minutos aproximadamente que dura la aparición de Lucrecia, los espectadores disfrutarán de un espectáculo lleno de guiños cómplices y todo tipo de sorpresas.
El Funeral, producida por Jesús Cimarro, es una comedia escrita y dirigida por Manuel M. Velasco, guionista y director de cine, teatro y televisión, que cuenta con vestuario del diseñador vasco Ion Fiz, escenografía de Asier Sancho, iluminación de José Manuel Guerra y música de Juan Cánovas.
El escenario del Teatro Góngora acoge mañana sábado (20:30 horas) Clásico, un espectáculo del bailaor José Barrios, que interviene como intérprete, director y coreógrafo. El artista cordobés define su creación como “un viaje fabuloso a través de nuestros clásicos, siempre desde la mirada eterna e imperiosa del flamenco”. Se trata de una producción que rinde tributo a expresiones, artistas y trabajos que fueron y siguen siendo punto de referencia para nuevas creaciones y fuente inagotable de inspiración. En suma, formas artísticas atemporales que siguen siendo actuales e incluso innovadoras.
Acompañado por Paco del Pozo y Sara Corea (cante), Isaac Muñoz (guitarra), Víctor Guadiana (violín), Juan Diego Sáez (saxo y cante) y Luis Dorado (percusión), José Barrios baila un programa que discurre desde la música clásica hasta el mundo del cine, pasando por el tango, la poesía, la pintura, y, cómo no, el flamenco. Para el bailaor, Clásico es “bailar la Marcha Turca de Mozart como si de un zapateado flamenco se tratase. Corear Los cuatro muleros de Lorca. Viajar hasta Oblivion, de Astor Piazzolla. Deleitarme con un fandando en la voz de La Niña de los Peines. Dar vida a La Saeta, pintura de Julio Romero de Torres: Balancearme ante un impetuoso Amor brujo de Falla, para terminar Bailando sobre la lluvia en honor al inigualable Gene Kelly”.
Nacido en 1975, más de 17 años como intérprete y un buen número de creaciones avalan la trayectoria de José Barrios, un destacado artista del actual panorama flamenco. Comenzó su aprendizaje en Córdoba, para ampliarlo posteriormente en Sevilla y Madrid, con profesores como Manolo Marín o Domingo Ortega, entre otros. A la capital de España llegó cuando ya había actuado en varios festivales flamencos de Andalucía, donde conoce lo que es compartir escenario con primeras figuras del flamenco. En su faceta de coreógrafo, sus primeras obras se sitúan en Estados Unidos, donde permaneció un tiempo trabajando para el Boston Ballet Flamenco. Después vendría una fructífera etapa en Japón, país en el que continúa su carrera como bailaor, además de impartir cursos en Osaka y Kyoto. De vuelta en Madrid, actúa en los principales tablaos de la ciudad y comienza sus colaboraciones, como intérprete y como creador, con artistas de la talla de María Pagés, Rafael Amargo o Blanca del Rey.
Desde hace años, José Barrios viene desarrollando una prolífica trayectoria, que en la última década incluye trabajos como Por si acaso amanece (2010), Flamenco algarabía (2011), Vino amargo (2012), A solas con él (2014) y Danza para tres voces (2016), algunos de los cuales ha presentado con gran éxito en escenarios de Japón, Marruecos, Estados Unidos y Argelia. En 2017 estrena en Córdoba, en el Teatro Góngora, su espectáculo Reditum, que presentó al año siguiente en el 22 Festival de Jerez y con el que ha girado por Cuba y Estados Unidos.
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